Cheap Girls – Giant Orange (2.012)

No conocía a esta banda de Michigan unos días que me topé con el vídeo que adelantaba este trabajo, y pensé, mira otra banda más de indie-rock con influencias de los noventa. Me equivoqué, ya que este es su tercer trabajo, y además, hasta ahora hacían un rollo más punk-rock – de hecho, casi toda la información de la banda la he encontrado en paginas y foros de este estilo -.

Al parecer, ahora han decidido ralentizar su música y fijarse en bandas como Superchunk, Guided By Voices o el power-pop de The Replacements. Supongo que gran parte de la culpa la tiene la producción de Tom Gabel. El lider de Against Me! les ha sacado un sonido contundente, pero también ha resaltado la parte melódica de las canciones. Eso sí, el pedal “Turbo Distorsion” lo tienen que tener gastado después de grabar este trabajo.

Giant Orange no puede sonar más a los primeros años de la década de los noventa. Tanto, que a veces parece que estamos escuchando uno de esos discos con los que las “college radios” norteamericanas machacaban a todas horas. De hecho, esa es su principal virtud, y su principal defecto. A su favor está el hecho de que se han fijado en la parte menos mainstream de esa década, y suenan más sinceros que muchos de los grupos que están viviendo de este revival. Lo malo es que suenan muy poco originales, y el disco es bastante lineal.

Al principio cuesta un poco encontrar temas con los que identificarse, y es que como ya he dicho antes, suenan un poco lineales. Eso sí, a medida que las escuchas van pasando, van saliendo los estribillos contagiosos y las melodías pop que tanto me gustan a mí. Temas como Gone All Summer, Ruby, Communication Blues, Right Way o esa Pacer tan Buffalo Tom, pueden alegrar la mañana a más de uno. Además, de vez en cuando se olvidan de la distorsion y se cuelgan al hombro la acústica, y lo hacen muy bien Cored To Empty. Vamos, que no van a cambiar tu vida, pero tampoco creo que sea su meta.

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Reseña de: Don't Eat The Yellow Snow

Los Evangelistas - Homenaje a Enrique Morente (2.012)

Ha pasado más de un año de la muerte de Enrique Morente y por fin se publica ese secreto a voces que sus discípulos, Los Evangelistas, han grabado a modo de tributo. Homenaje a Enrique Morente es uno de esos discos que cualquier artista podía sentirse orgulloso de publicar y será sin duda un referente en el futuro de la fusión flamenca como en su día lo fue Omega.

Porque bajo el abrigo de Omega, la visión del maestro del Albaicín de Poeta en Nueva York de Federico García Lorca al que le añadió algunos temas míticos de Leonard Cohen y en la que participó Lagartija Nick, es donde se han resguardado Antonio Arias, líder de la banda granadina, J y Florent de Los Planetas y el bateria de ambas bandas, Erik Jiménez.

Lo que pretendían, hacer suyas una serie de cantes de Enrique Morente, lo han conseguido y con una nota altísima con el calor y el arte de Soleá Morente, Carmen Linares, la producción de Pablo Sánchez y Martin ‘Youth’ Glover, de Killing Joke, encargado de las mezclas. Aurora Carbonell, ‘La Pelota’, compañera y confidente de Morente, también se sumó al proyecto aportando las reproducciones de algunos de sus ‘matéricos’ cuadros que aparecen en la portada y en el libreto del álbum.

El repertorio elegido no es el más conocido de Enrique Morente, aunque sí están algunos de sus clásicos, todos ellos pasados por el tamiz rockero de estos músicos que se sintieron huérfanos tras su triste partida. No ha sido una empresa improvisada, han tenido que pasar muchos meses hasta que la idea original, en principio un concierto para La Noche Blanca de Flamenco de Córdoba, tomara forma.

Y por fin tenemos aquí Homenaje a Enrique Morente, once temas del repertorio morentiano más uno más, ‘El loco’, que según Antonio Arias es resultado de lo que Lagartija Nick aprendieron con él. Si bien es lo más flojo de un álbum que crece con cada escucha y en el que no cabe duda que se redimensionan los cantes originales.

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Reseña de: Hipersonica

La Habitación Roja - Fue Eléctrico (2.012)

Hubo un tiempo en el que La Habitación Roja estaba entre los tres mejores grupos de pop en castellano, tocando el cielo en 2005 con Nuevos Tiempos, personalmente uno de los discos que dio sentido al pop en una época en decandencia. De eso ya hace siete años y todo lo que ha venido posteriormente firmado por LHR ha sido intranscendente, sin que se asomasen minimamente a lo que fue aquella obra culmen.

Pero parece ser que la cosa puede cambiar con Fue Eléctrico. Los valencianos han vuelto a recuperar aquellas raíces de finales de los 90, de sus primeros discos, de aquellos estribillos que se grababan a fuego y se coreaban cuando todavía tocaban en salas pequeñas. Pero con la experiencia adquirida durante la última década.

Vuelven a recuperar el pulso perdido y a emocionar como sabían hacerlo aunque muchos creíamos que ya se les había olvidado. Ellos lo saben: “queríamos hacer un disco en el que cualquiera de las canciones sirviera para empezar un concierto”. Y nosotros lo agradecemos.

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Reseña de: Indiecaciones

McEnroe - Las Orillas (2.012)

Ayer salio a la venta "Las Orillas" de McEnroe, su cuarto álbum de estudio que ya ha cosechado muy buenas críticas de la prensa especializada nacional. Los medios han dicho de "Las Orillas":

"Mcenroe, el grupo de Getxo confirma su estado de gracia con su disco "Las Orillas", que se edita este martes próximo. "Su pop tranquilo e introspectivo está repleto de salitre, nostalgia, playas, discos, paseos en vespa, poesía, pasión, dolor y esperanza". "El grupo de Getxo confirma su estado de gracia con Las orillas” Disco de la Semana para Deia - Andrés Portero

"De nuevo, McEnroe ha escrito, grabado y publicado un disco corajudo. Es difícil de equiparar a cualquier otra propuesta, autóctona o foránea; pasada, presente o futura. Las orillas llega a la belleza tomando el camino opuesto a la autocomplacencia” Jose Manuel Sebastian en la Web de Radio 3

“ Hay que asegurar desde este preciso momento que estamos ante uno de los títulos de la temporada (..)“Son un grupo elegantísimo, sutil, personalísimo” (…) “Son unos tipos que elevan la melancolía a la catergoría de arte” Manuel de la Fuente en Abc.es

“El cuarto trabajo de los vizcaínos McEnroe se presenta como la perfecta continuación del brutal (por descorazonadoramente brillante) “Tú Nunca Morirás”, o, lo que es lo mismo, un puñado de canciones que se revuelven, se consuelan y se mecen al ritmo de un profundo (hondísimo) folk de melancólico pasado “. Laura en Playground

“ Un álbum repleto de mimados detalles que les confirma como una apuesta segura del indie español” Pablo Martínez Pita en ABC

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Reseña de: El Mundo de Tulsa

Febrero - Altos Vuelos (2.012)

Buenas noches señores pasajeros.

Nuestras aerolíneas les dan la bienvenida y les agradecen haber elegido este vuelo pop indie con destino: Febrero. La duración de "Altos vuelos" será de, aproximadamente, 30 minutos. Les recordamos que nuestra música puede producir intensidad emocional sin previo aviso. Debido a sus contundentes ritmos, sus melodías vocales y sus letras sinceras e ingeniosas, les aconsejamos se dejen llevar por las turbulencias. Por motivos de pura satisfacción, les recomendamos desabrochar sus cinturones y conectar dispositivos electrónicos para compartir fotos y vídeos del evento. En caso de emergencia, cante a voz en grito las canciones, haga palmas, salte y disfrute del aterrizaje forzoso.

Las azafatas de vuelo Xavi C., Adrián, Xavi E., Gerard y Álvaro les desean un feliz vuelo.

Escúchalo en: Web oficial

Mañana - Se acabó la rabia (2.012)

"Se acabó la rabia", el nuevo disco de los sevillanos Mañana ya está disponible para escucha gracias a la colaboración de la revista PlayGround, que ofrece en streaming y en exclusiva los 9 temas del CD comentados por Cristóbal Colom. También está disponible el pre-order de la edición física desde la web de Sello Salvaje. El disco sale a la venta oficialmente el 21 de febrero, momento en el que, como el resto de música editada hasta ahora en Sello Salvaje, estará disponible en descarga gratuita.

Si conoces la esperanzadora trayectoria previa del grupo sevillano no te sorprenderá la puntería de “Se acabó la rabia”, su segundo álbum. O tal vez sí. Al fin y al cabo, han pasado dos años desde la publicación de “A ver quién llega antes al fin”, su revelador estreno en largo, y, durante este tiempo, Mañana ha consolidado los rasgos de un carácter que, ahora mismo, se antoja indiscutible. Aquel disco autoeditado –este lo publicará el hispalense Sello Salvaje– descollaba por la ambición, finura instrumental y arrojo lírico de sus diez canciones. El aplomo de las mismas, impropio de un debutante, allanó el camino del grupo hacia los escenarios y festivales de todo el país, gracias a la habilidosa combinatoria de retranca sureña y folk-rock a la americana que poblaba sus surcos. Mañana hacía honor a su nombre. Se intuía un futuro. .

Grabado, como su predecesor, en los estudios La Mina de la capital andaluza, “Se acabó la rabia” supone un oportuno replanteamiento de ideas y actitudes que se hace notar ya desde el título, digno de posibles referentes patrios como Sr. Chinarro o Grupo de Expertos Solynieve. Sabiduría popular al servicio de composiciones más certeras, directas y fáciles de asimilar. .

Canciones tachonadas de estrofas que parecen estribillos, aunque no exentas de dobles lecturas –cuidado con el texto del tema titular: quema– y acertados detalles de producción. Te pongas como te pongas, terminarás tarareando piezas irresistibles como “Desiste”, que será la avanzadilla en formato sencillo. Entre el latir ternario de “Vals de la autoayuda” –hipnótica y valiente apertura de aire planetario– y la amenazante introspección de “Buenas intenciones” median siete partituras más, que confirman la depuración expresiva y melódica del quinteto. A la intrépida política de arreglos de “Cataratas”, el arrebato de aire sesentero de “La pena máxima” o el imprevisible remate de “El vendaval” –tapiz de armonías vocales y extensa coda instrumental– te remitimos. Se confirman las sospechas: sí hay camino.

Escúchalo en: PlayGround

Hospitality - Hospitality (2.012)

No es su originalidad lo que los hace destacar, ya que practican un indie pop de guitarras del de toda la vida, con bonitas melodías vocales, ritmo sencillo y ocasionales arreglos (teclado, viento, cuerda) espolvoreados aquí y allá. Lo que merece la pena de ellos, como sucede con otros grupos talentosos actuales que recuerdan a otros en mayor o menor medida, es que dan la vuelta de tuerca necesaria a cada tema que evita el mero homenaje y toca todas las fibras sensibles que nos hagan volver a darle al play una y otra vez.

La preciosa voz de Amber Papini (quien también se encarga de la guitarra) se pasea como una caricia por los melancólicos aires de cortes como ‘Eighth Avenue’, ‘Betty Wang’, ‘Julie’ o ‘Sleepover’; una mitad del álbum ensoñadora y dulce que muestra una de las caras del grupo. La otra es menos recatada, pues Amber y sus chicos enseñan (un poco) los dientes e imprimen energía y vitalidad a canciones como el single ‘Friends of Friends’, la breve y efectiva ‘The Right Profession’ o ‘The Birthday’. Un estupendo debut que prueba (como afortunadamente hacen tantos otros) que no hace falta ser el último grito en modernidad ni un esperpento para tener que decir algo hoy en día.

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Reseña de: Jenesaispop

Los Ingenieros Alemanes - Efecto Campo EP (2.012)

"Último EP de Los Ingenieros Alemanes. Con esto nos despedimos como banda. Esperamos haber conseguido que os intereséis por nuestra música y esperamos que os lo hayáis pasado tan bien escuchándonos como nosotros haciendo estas canciones.

Gracias a todos los que nos habéis apoyado y a los que habéis estado siempre a nuestro lado. Sin vosotros no habría sido posible."

Azure Blue - Rule of Thirds (2.011)

No hay nada en Rule of thirds que constituya ni por asomo una novedad desde ningún punto de vista. Ni en su sonido (pop electrónico de autor con un aire dream), ni en el nombre de su proyecto (inspirado en Pacific Ocean Blue de Dennis Wilson), ni en sus manidas referencias temáticas (El guardián entre el centeno, amor peterpanesco, melancolía general), ni en sus homenajes melódicos, algunos tan evidentes como el de Seasons , que clava la melodía de Angeleyes de ABBA, o el de la fantástica Dreamy Eyes, que rememora el clasicazo de Another Sunny Day, You should all be murdered . Lugares comunes a los que el oyente de este hermoso, humilde y por momentos arrebatador debut querrá regresar una y otra vez como si se tratase de la primera experiencia adolescente.

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Reseña de: El País

Exsonvaldes - B​-​sides and demos (2.011)

Royal Baths – Better Luck Next Life (2.012)

Jeremy Cox y Jigmae Baer nunca tuvieron un plan pero sí muchas ideas en común acerca de lo que querían hacer. Intereses mutuos que iban desde el blues de Chicago hasta el rock oscuro pasando por ritmos africanos, contando historias, problemas y reflexiones que les sucedían con un toque de humor negro e ironía.

Sobre esas bases se sostuvo su primer siete pulgadas que les llevó a hacer su primer concierto como Royal Baths en un sótano del barrio chino de San Francisco. Esto les impulsó para empezar a trabajar en su primer álbum que vió la luz en 2010 bajo el título Litanies y que antes de que saliese ya presentaron junto a Ty Segall y Thee Oh Sees (bandas de las que Jigmae Baer había formado parte), The Fresh and Onlys y Wild Flag.

Ahora es el momento de ver como recoge la escena este segundo disco que visto como se desarrolla, seguro gusta y mucho. Better Luck Next Life es la continuación natural de Litanies, con ese rock oscuro y sucio, a veces psicodélico y otras atmosférico pero siempre contundente.

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Reseña de: Indiecaciones

Neuman - The Family Plot (.2.011)

Los propios Neuman describen su segundo trabajo, 'The Family Plot', como ‘sencillamente emocionante’. Tras un debut arrollador con 'Plastic Heaven', el pasado verano los murcianos se metieron en el estudio y grabaron ajustándose lo máximo posible a la realidad del directo, apenas un año después de la salida de su primer largo.

Encajonados de alguna forma entre el rock, el post-rock y el shoegaze, Neuman son un grupo diferente y difícilmente catalogable (puestos a comparar, algunos dicen que se parecen a Arcade Fire, otros a My Bloody Valentine o Mercury Rev; yo, personalmente, veo difícil compararlos con nada), pero que ha recogido un éxito increíble con su primero trabajo, y que empieza a girar con el segundo.

Como en 'Plastic Heaven', las canciones cuentan con mucho minutaje, un sonido alejado del indie más habitual en España, incluso lejos de lo que en términos de indie-rock suele escucharse. Es un plus a su valentía. El ritmo es más pausado en 'The Family Plot', y si bien en 'Plastic Heaven' destacaban 'Brighton', 'Plastic Heaven' y sobre todo, la insuperable 'Sil Fono', en 'The Family Plot' nos encontramos con 'Jane', 'Wandoworld' y una de mis piezas favoritas, 'West Silvertown'.

Neuman son una banda diferente, animo a que la descubráis, a que os dejéis llevar por las atmósferas envolventes y épicas, y si todavía no os he convencido, añado que la Rolling Stone incluye a Neuman en su lista de 25 grupos españoles a conocer, y que en Radio 3 dicen que 'The Family Plot' es uno de los discos de año. Para mí son de 10.

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Reseña de: Ernesto Dieguez (Para Indie-Spain Magazine)

The Love Me Nots - Demon

Cloud Nothings - Attack On Memory (2.012)

Suena ‘No Future/No Past‘, primer tema de ‘Attack On Memory’, y, de una patada, Dylan Baldi cambia radicalmente la imagen que teníamos de su banda Cloud Nothings. Hasta ahora, el de Cleveland había publicado un buen puñado de 7″s y dos álbumes (‘Turning On’ y ‘Cloud Nothings’) que, desde una perspectiva lo-fi y amateur, jugueteaban con el indie noventero de Dinosaur Jr. y Pavement, sazonado con el power pop y el hardcore más lúdico del sello Epitaph y bandas abiertamente comerciales como Offspring o Green Day. Más allá de algunos singles con gran gancho, como los fantásticos ‘Should Have‘ o ‘Hey Cool Kid‘, eran un entretenimiento no demasiado trascendente.

Decidido a dar un nuevo empaque a su música, Baldi recurrió al sonido único que proporciona el estudio del ínclito Steve Albini y los resultados han sido significativos. A pesar de la dejadez que, dicen, mantiene el ex Big Black a los mandos, parece inevitable pensar que algo, aunque solo sea por mero contagio al pensar la cantidad de discos míticos que se grabaron allí, ha tenido que ver en el endurecimiento y madurez que Cloud Nothings demuestran aquí. Se palpa ese genuino y característico ambiente sonoro y, sobre todo, se hace manifiesta una notable fiereza en las guitarras y un inusitado músculo en bajo y batería, que en sus grabaciones previas parecían casi inexistentes. Y, desde luego, algo tendrán que ver un compacto grupo de canciones con el que el apenas veinteañero de Ohio se ha propuesto dar un paso adelante y sacar a su banda del batallón de grupos secundarios del panorama indie norteamericano.

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Reseña de: Jenesaispop

The Leadings - Stars (2.012)

"The Leadings son una banda de pop electrónico cuyo único objetivo es hacer de cada canción un single rompepistas, de cada letra un mensaje en cada uno de sus temas, y de cada concierto una autentica fiesta en la que no dejar de bailar un instante. Tras la gran acogida de su álbum debut "Don't Stop Till You Get Enough!!" (Tsunami Music) lanzado en 2009 y presentarlo por los distintos festivales indies del país SOS 4.8, LOW COST, TREMENDO POP, ARENAL SOUND, SONORAMA.. la banda ha convertido la reacción del público en su principal inspiración.

A principios de este 2012 lanzan su nuevo trabajo, "Stars" que definen como una combinación de composiciones con mucha más fuerza y ritmos totalmente adictivos junto con la experimentación inteligente de los sintetizadores,y a pesar de que la electrónica ha salido reforzada en este nuevo trabajo, el álbum aún conserva su espíritu indie pop y hedonista de sus comienzos donde cada tema es un descubrimiento.

La imparable proyección de esta joven banda no se limita únicamente a la presentación de sus temas en directo, sino que ya al mismo tiempo y debido a sus inicios como dj’s, ofrecen habitualmente sesiones como The Leadings Djs, realizando incluso numerosos remixes para otras bandas."

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Klaus & Kinski - Herreros y Fatigas (2.012)

Klaus & Kinski han sabido hacer del eclecticismo su seña de identidad. Desde que Alejandro Martínez y Marina Gómez Carruthers se sumaran a la historia del pop español en 2008 con ‘Tu hoguera está ardiendo‘, tocando el bolero, el noise o el country, son pocos los que esperan de ellos que se concentren en un estilo concreto. Si ‘Tierra, trágalos‘ en 2010 añadía la música disco o el pasodoble, siempre espléndidamente ejecutados, ‘Herreros y fatigas’ sigue abriendo nuevas vías como la habanera o el krautpop, y además perfecciona su sonido más convencional en las pistas que podríamos considerar más cercanas al indiepop. No es su disco más orquestado, ni el más guitarrero, ni el más electrónico, ni el más clásico, pero cada una de estas vertientes toma más protagonismo en algún momento durante el desarrollo de este nuevo larga duración.

Klaus & Kinski habían puesto el nivel demasiado alto y hasta podríamos haber pensado que les iba tocando tropezar, pero en absoluto. Quizá beneficiados porque han empezado en esto sin ser precisamente unos adolescentes, vuelven a sorprender desde los primeros segundos del disco. ‘Contrato’, su canción más Stereolab, contiene un sonido que no puede ser más adecuado para su temática política y para la portada diseñada por Marina con inspiración “soviet”. Mientras, el corte inicial, ‘La duda ofende’, desde ya uno de sus grandes himnos, mantiene la inspiración disco de ‘Forma, sentido y realidad’, pero en este caso de manera más comedida, menos petarda y más elegante. Antes de su segundo estribillo, las cuerdas de Pilar Crespo, sólo un aviso de las grandes emociones que se nos vienen encima durante la siguiente hora de álbum, dan lugar a uno de los momentos más espectaculares de la carrera del grupo. Eso, a estas alturas ya es mucho decir.

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Reseña de: Jenesaispop

Joe Crepúsculo - El Caldero (2.012)

Se podría decir que Joe Crepúsculo lleva un par de años buscando reinventarse tras esos dos celebrados estallidos de talento que fueron “Escuela de zebras” y “Supercrepus”. Primero el notable “Chill Out” y después el irregular “Nuevo ritmo”, presentaban a un Joël Iriarte que apostaba claramente por sonidos más orgánicos, dejando un poco de lado las cajas de ritmos y los pregrabados que le convirtieron en la gran esperanza blanca del indie patrio más inclasificable. En el caso de “El caldero”, el catalán ha regresado a su época de Juan Palomo, encargándose al parecer él solo de la producción y grabación del disco, y ha armado un trabajo que es capaz de sonar diferente a todo lo que ha hecho antes y, a la vez, terriblemente personal y reconocible dentro de su cáustico imaginario, ese que va de la canción romántica a lo José Luis Perales (ojo a las increíbles “Enséñame a amar” y “Si tú no estás”), a las enigmáticas divagaciones existenciales ( “La higuera”), pasando por el costumbrismo más bizarre (“La Sagrera”, “Una semana con los polis”). Y es que el Joe Crepúsculo de “El caldero” viene a ser una versión slowcore del que disfrutamos en “Supercrepus”, pero con menos canciones y más concentrado en dar a cada tema lo que necesita. Aquí ganan las composiciones y no la pose freak (a excepción, eso sí, del experimento con el catalán en “Quan tothom ja s’ha marxat”). Una suerte de renacimiento que debería volver a colocarle en primera línea.

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Reseña de: Xavi Sánchez Pons (Para Mondosonoro)

Django Django – Django Django (2.012)

Las prisas no son buenas consejeras, o así lo entendieron Django Django que en 2009 sacaron su primer single y es ahora cuando finalmente publican su álbum debut. Como otros tantos grupos, este cuarteto se formó en una escuela de arte (de Edimburgo) por las inquietudes musicales de sus integrantes y se trasladaron a Londres para ver que podían sacar en claro.

Con un rock bailable impregnado de psicodelia, los chicos de Django Django fueron sacando temas como Storm, Waveforms o Default y la cosa comenzó a rodar, captando la atención de otros artistas que se lanzaron a remezclar este último corte. Walls y Dan Carey, de Hot Chip les dieron otro enfoque a ese rock divertido que más tarde se plasmaría en su vertiente original en este disco homónimo.

Con personalidad y ofreciéndonos algo distinto, más allá de sus influencias de Hot Chip o de The Beta Band (el batería, programador y líder de Django Django David Maclean es hermano del teclista de los Beta), han conseguido crear un disco ecléctico, variado y entretenido hecho para el disfrute.

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Reseña de: Indiecaciones

The Seihos - Two (2.011)

No pienso nombrar a Martí Maymó (Manel) en toda la crítica -¡mierda!-, ya que su popularidad, sus otros proyectos, poco o nada tienen que ver con The Seihos como banda, como él dice: la pregunta es, ¿por qué empecé con Manel estando con The Seihos? Superen la tentación de considerar a The Seihos a algo parecido a pop-folk en catalán. Los barceloneses (demoscópicos de esta publicación hace dos años) cantan en inglés, sueñan con Syd Barrett, hace más de diez años que tocan y han prosperado a base de Internet o colaboraciones con bandas y salas madrileñas. Este número “Two” (producción de Arnau Vallvé) es una locura: sucesión de referentes británicos (dígase Strokes), mezclados con algo de guitarras juguetonas y mucha soltura, “Sunday” o “Particle Collision” son buena muestra. También viajan fuera de las islas para rescatar algo de indie rock (¿por qué no Vampire Weekend?) espacial y marciano: “Where Did The Love Go?”. Se atreven en “Childo” (Childo Tomás a los mandos) con un rompepistas, a emular el lado más africanista de los neoyorkinos. Suman “Any Day Now”, buena muestra de que no sólo de electricidad vive el hombre, toda una prueba de la versatilidad: una más.

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Reseña de: Yerai S. Iborra (Para mondosonoro)

Leonard Cohen – Old Ideas (2.012)

El viejo trovador de las almas rotas, el galán derrotado, la voz de Montreal, regresa a casa para arroparnos durante los tristes días de invierno. Al viejo Cohen nada le queda para demostrar en esta vida, pero lejos de despedirse ( eso parecía indicar esa gira que lo llevó a la carretera durante dos años), ha decidido embarcarse en su duodécimo álbum de estudio planchando este Old Ideas. A diferencia de otros músicos que se avanzaron a su tiempo, y otros que se vieron forzados a cambiar para adaptarse a los nuevos tiempos, el canadiense siempre se ha mantenido invariable, fiel a sí mismo, destapando como nadie, y mediante esa voz irrepetible con la que le ha dotado la naturaleza, las pasiones humanas más profundas. Por todo eso, difícilmente su último trabajo podría decepcionar, como difícilmente vaya a sorprender a estas alturas.

En Old ideas Leonard Cohen sigue seduciendo con sus dotes líricas y vocales al alcance de pocos…muy pocos. Su mente y su corazón siguen explorando los entresijos del amor, el paso del tiempo, la vejez, y el estado de las cosas. Su último disco respira un aire eminentemente blues, con algún toque gospel (de forma clara en el canto espiritual que supone “Come Healing”), por los que circulan sus versos cargados de sentimiento, profundidad, y lucidez. Cohen sigue aprovechando su prodigiosa voz como si de un instrumento propio se tratará, y mediante su poderío penetra en las capas más profundas de las epidermis que se exponen ante ella. A través de los habituales coros femeninos consigue un bello contrapunto, que en ocasiones, se usa en desmedida. Old ideas representa otra fascinante muestra del talento que atesora el canadiense para conmover con sus susurros musicales. Es un trabajo que no defraudará a sus fieles, pero tampoco es la obra de su carrera. Mientras el humilde bastardo siga puliendo cortes como “Going home”, el maldito diablo tendrá que esperar para llevárselo. Y cuando lo haga, lo que nunca podrá llevarse es su imborrable y extensa marca. Leonard paséate por las casas siempre que quieras.

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Reseña de: El Destilador Cultural

Imperial Teen – Feel The Sound (2.012)

Poco caso les habíamos hecho a Imperial Teen, aquella banda de pop de los noventa formada por Roddy Bottum, después de desvincularse de Faith No More, junto a otros artistas y amigos de San Francisco. El señor Bottum parece que se cansó del hard rock y el metal y se metió en el pop rock, donde el primer género fue ganando peso a costa del segundo.

Después de cinco años sin publicar un nuevo trabajo, Imperial Teen dan la campanada con Feel The Sound, su quinto disco de estudio y una oda al pop directo y de calidad. Juegos vocales de voces masculinas y femeninas, temas de pop brillante con alguna referencia al pop oscuro de los ochenta e incluso al krautrock.

Así, sin comerlo ni beberlo, los californianos se meten de lleno en la liga de los grandes del pop con un disco donde mantienen el listón altísimo, donde no encontramos ni una canción mala y, no solo eso, si no que además hay un gran puñado de hits como son Out From Inside, Runaway o All The Same.

Una gran sorpresa Feel The Sound que, si ya suena así de bien en invierno, cuando pasen los meses y llegue el calor, va a ganar muchos enteros.

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Reseña de: Indiecaciones

We Have Band - Ternion (2.012)

Hablamos bastante bien del trío de Manchester We Have Band a propósito de su debut homónimo, pero aun faltaba un paso adelante para que fuesen algo más de su promesa. Esperábamos un segundo disco continuista, que volviese a hilar canciones en su línea, pero –mira por dónde- “Ternion” es distinto, no sé decirles si más directo o sencillamente más redondo. We Have Band no es un grupo claro en intenciones, ni prácticamente en nada, porque uno no sabe del todo dónde ubicarles más allá de apuntar que lo suyo es el pop y el rock para bailar. Cuando uno espera luz no la hay, cuando uno espera oscuridad, esta desaparece. Sus canciones son algo densas a la primera escucha, pero dejan de serlo a la tercera. ¿Llegará por tanto su momento con “Ternion”? Tampoco diría que cuentan con los temas o el potencial para convertirse en el grupo de moda, pero sí tienen canciones como “Where Are Your People?” o “Visionary” (con una línea muy New Order), vacilonas, bailables y muy efectivas. En 2012, We Have Band suenan menos oscuros, más cercanos quizás a la rítmica de Friendly Fires o Out Hud, aunque no se olviden tampoco de los bajos asesinos a lo Liquid Liquid (si ven la comparación excesiva, pongan a Talking Heads en su lugar) en la adictiva “After All”.

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Reseña de: Joan S. Luna (para Mondosonoro)

"Desiste", adelanto del próximo disco de Mañana

Los sevillanos Mañana publicarán el próximo 21 de febrero su nuevo disco titulado "Se acabó la rabia", con altas expectativas tras su más que recomendable "A ver quien llega antes al fin". De momento podemos escuchar como adelanto la canción "Desiste", un tema más marcadamente pop en comparación con el estilo sureño al que nos tienen acostumbrados.

Mark Lanegan Band – Blues Funeral (2.012)

Resulta bastante curioso ver como de toda la generación Grunge, el único que ha sobrevivido haciendo cosas realmente interesantes, y distintas, es Mark Lanegan, que no fue de los más famosos. Evidentemente no cuento a Pearl Jam que hace años que están más cerca del AOR que de otra cosa. O a Mudhoney que siempre han ido a su puta bola. El que fuera líder de Screaming Trees, se ha labrado una carrera que no tiene ningún desperdicio, y todo gracias a su mente abierta, y a su forma de ver la música. El de Washington nunca ha tenido ningún problema en abrirse a otros estilos musicales o colaborar con gente tan dispar con el como Isobel Campbell, y acabar haciendo verdaderas joyas.

Ocho años después de Bubblegum – su último disco en solitario -, vuelve con un nuevo proyecto en han colaborado amigos suyos y compañeros de carrera como Josh Homme o Greg Dulli. En un acto de originalidad, lo ha llamado Mark Lanegan Band, y la verdad es que parece que a este hombre no se le acaba el talento nunca, y es capaz de facturar grandes discos constantemente.

En Blues Funeral, Lanegan nos propone un viaje por todos esos mundos musicales que ha visitado en estos últimos años, y lo hace con una soltura y un talento inmensos. Quizás, a los más puristas, las bases electrónicas de canciones como Ode To Sad Disco, Harboview Hospital – estas dos son de lo mejor de todo el álbum – o Gray Goes Black les den bastante grima, pero no deja de ser otro denso y oscuro disco de Mark Lanegan.

Como ya os podéis imaginar por el titulo, en este disco hay mucho blues, con muchos elementos de este siglo, pero al fin y al cabo no deja de ser blues. The Gravedigger’s Song o Riot In My House son buenos ejemplos de ese blues garajeo, denso y guitarrero que hacia con The Gutter Twins, y en St Louis Elegy lo lleva casi al soul gracias a una tranquila base electrónica . Por supuesto, también hay folk con una fuerte influencia de Leonard Cohen – Deep Black Vanishing Train suena al músico canadiense por todos los lados -. Y evidentemente, tampoco olvida su pasado en el mundo del Rock Alternativo, y lo demuestra en un tema tan grande como Quiver Syndrome.

Quizás le ha quedado un poco largo, y se ha pasado con la duración de alguno de los temas – esa Bleeding Muddy Water que suena bastante a esos temas que hacia Horace Andy con Massive Attack, se me hace muy pesada -, pero es una gran vuelta a su carrera en solitario, y la verdad es que suena estupendamente.

Escúchalo en: Antiquiet

Reseña de: Don't Eat The Yellow Snow