Calexico es una banda especial. Los saben ellos, sus fans y el sello que les lleva. Y como uno de los aspectos que mejor definen al grupo son sus directos, sus seguidores les pidieron poder tener compiladas todas y cada una de sus giras en una caja. El sueño se hizo realidad: “Road Atlas” vio la luz para deleite de todos. Ahora, para los que no pudieron acceder a ese material, se ha editado una selección con una parte de lo que se recogía ahí. Y claro, el resultado es excelente. Con un sonido de una calidad muy alta, el grupo repasa todas y cada una de las etapas de su carrera, pero no van a lo fácil puesto que hay temas desconocidos o oscuros que no son los que esperas. No faltan gemas como “All Pretty Horses”, “Crytal Frontier” o “Gift X-Change”, todas ellas pertenecientes a “Aerocalexico”, también tienen tiempo para recordar sus inicios con “Glowing Heart Of The World” y “El Morro”, o algunas instrumentales que utilizan para coger aire y oxigenarse. En “Lost In Space” demuestran toda la fuerza que tienen sobre las tablas, y “Man Made Lake”, la toma de su último directo en Bélgica, pone el punto y seguido a la trayectoria de una pareja, la formada por Joey Burns y John Convertino, a quienes les pedimos que nos entreguen material nuevo ya. De momento, abriremos boca con “Selections From Road Atlas”.
Oh Margot es una banda de Santiago de Chile formada el año 2009. Su música tiene influencias del rock and roll de los 50's y 60's de Elvis Presley y Buddy Holly, el punk de los 70`s de The Ramones y Television, y el noise de Jesus and Mary Chain y My Bloddy Valentine. "Son canciones plantadas sobre una guitarra eléctrica, un teclado que proporciona cuotas extra de brillo y una base de bajo y batería bien definida. Las cuatro primeras son ligeras y la última más pausada, pero en todas ellas Oh Margot demuestran que no sólo les gusta la melodía, sino que también saben manejarla”. David Ponce, reseña EP “Margot”, EMOL 2011. Sus letras en inglés y estética post punk, apoyados de un eléctrico show en vivo, consolidan a Oh Margot como una de las mas interesantes propuestas de rock & roll que Santiago ha visto en los últimos años.
Cada vez está más extendida la sensación de que el fin de semana empieza el jueves (para algunos incluso el miércoles) y apetece un poco de energía extra para afrontar lo que se avecina. Para eso, los chicos de Japanther están sobrados y su nuevo disco es una inyección de adrenalina con el que te vienes arriba desde el minuto 1.
Para los que no les suene, Japanther es un dúo de Brooklyn formado por Ian Vanek y Matt Reilly hace 10 años y están muy locos. Su dance punk contundente y frenético ha sido su seña de identidad a lo largo de sus 8 discos, así que en Beets, Limes & Rice no iba a ser menos. Nos encontramos un álbum de 14 temas que no dura ni media hora, lo que significa que cada tema es un frenesí de dos minutos de desparrame.
No es el álbum que cambiará nuestras vidas pero para empezar el fin de semana a golpe de beats y sucios sintetizadores viene perfectamente.
No se puede comenzar sin hacer mención al gran título del octavo disco de los escoceses, toda una declaración de principios rockeros. Aunque mucho de eso no hay, porque esta vez los Mogwai disminuyen la intensidad de las guitarras y los subidones y bajadas a las que nos tienen acostumbrados, en pos de una prevalencia de melodías y un desarrollo algo diferente a lo que venían mostrando en sus últimos trabajos.
Vuelven a contar con la producción de Paul Savage, el mismo que les produjo Young team (Imperial Records, 1997) y se nota el fiato que alcanzan bajo su mando, sonando muy prolijos en la cohesión grupal, más que en la ejecución, que es una característica permanente en ellos. Cierto, puede ser más trabajado que inspirado, como por ahí deslizaron algunas críticas, pero demanda una oída diferente a lo hecho desde Mr. beast (Matador, 2006) en adelante, pues Hardcore will never die, but you will reserva sus cartas y no va al ataque de inmediato, parodiando estrategias futbolísticas.
Por otro lado, la inclusión de sintetizadores intenta darle un adicional a su sonido, además del uso de voces distorsionadas como en “Mexican grand prix”, donde suenan como Lali Puna. Por un camino más tradicional a su estilo, tenemos al single “Rano pano”, potente y enérgico por dar un ejemplo, y también la suavidad de “Letters to the metro” por dar otro. Así se conjuga una mezcla interesante que, aunque tiene méritos, no supera lo hecho en sus discografía elemental.
Vienen de Oakland, aunque su líder se llame Mario Hernandez y en realidad sea sueco. El chico no es nuevo en esto, ya que fue el líder de From Bubblegum To Sky; una banda que sacó unos cuantos discos la década pasada, que desafortunadamente, pasaron sin pena ni gloria. Con su nueva banda nos deja un largo ep con ocho canciones en las que los hermanos Reid vuelven a estar más que presentes, pero no son los únicos: Phil Spector también se deja ver en canciones como Trumpets Of Death o Dead Ripe. Eso sí, cuando más aciertan es cuando se fijan en los escoceses, y ahí es donde entran Sweet Tooth y sobre todo I Don’t Want To Call You, Baby, Baby.
Crystal Stilts son rock’n‘roll: sus canciones no están hechas de nada de eso, sino del espíritu primerizo, rebelde y bastante inocente de que la música es una válvula de escape, no una manera de seguir aumentando la presión de la olla interior que cada uno llevamos.
Por eso, cuando suenan ‘Through The Floor‘ o ‘Silver Sun‘, entre otras, la sensación nunca es de que te están contando algo más grande que la vida, sino más bien que te están invitando a su fiesta y es cervecera, y en la playa, y te lo pasarás bien. Pasárselo bien: ¿recuerdas que el objetivo era principalmente ese?
Cierto que a veces parecen tender a otras maneras. La épica del Oeste que tocan en ‘Alien Rivers‘ les acerca a Nick Cave, pero son mucho menos tremendistas que éste, y, además, el Western siempre fue un género donde lo épico y lo inocente iban de la mano.
Lo demás son canciones muy grandes: la frenética, muy C-86, ‘Half a Moon’; las perlas que salen de las sepultadas guitarras en ‘Flying Into The Sun’; los arpegios de ‘Precarious Stair’; las percusiones, siempre primitivas y eficaces.
Todo en Crystal Stilts trae el aroma de lo hecho barato, con cariño y bien. La serie B, que hace tiempo que dejó de ser algo peyorativo para convertirse, primero, en un refugio y, después, en una forma de vida. In Love With Oblivion es un señor discazo de un grupo que hay que empezar a tomar como bandera. De esos que si llevas sus camisetas, no sólo les reivindicas a ellos, sino que te reivindicas a ti mismo.
Pachi García (quien se esconde tras Alis) firma “Material de disección”, un cuarto trabajo al que le preceden grandes títulos, por lo que el listón está muy alto y la meta era complicada de alcanzar. Complicada, pero no imposible, pues el jiennense se ha acompañado del maestro de ceremonia Suso Saiz en la producción y de otros compañeros de oficio, como Leiva (Pereza) en “Telescopio” y la aportación del ex–Pirata Fon Román en “Contraseñas”. Por cierto, segunda vez que este último colabora en un disco de Alis. “Material de disección” es un álbum que sobrevive por las melodías sixties de “Boomerang” y por el sonido más añejo de “Irritable”. El pop sosegado es parada obligatoria, pues los teclados de Raúl Quílez en “Canción Popular” abastecen de melancolía esta parte del cancionero. La a veces excesiva desnudez deja puertas abiertas a la interpretación de los textos, fundidos entre sí por la melodía reinante en “Viaje en zeppelin”, entreabriendo de manera pausada el conjunto de las diez canciones que configuran una colección de cortes elaborados con parsimonia pero de gran labor sustancial que forman parte de una ligera colección de piezas.
Después de la gran acogida de “Te Vas con Cualquiera” (Lixo Urbano / Rumble, 2009) esperábamos con ansia el nuevo largo de Novedades Carminha. En abril del 2011 por fin llega “Jódete y Baila” (Lixo Urbano, 2011). Con la misma mala leche de siempre pero enfocando su sonido a ritmos más garage y bailones, rozando el lo-fi por momentos y aproximándose a las bandas americanas de la nueva ola del garage como los Black Lips, Jacuzzi Boys o Harlem.
La grabación transcurre en los estudios Tigruss de Gandia (Valencia) con Pepe Gomar y es masterizado por Michael Tucci en los estudios Masterdisk de Nueva York. De la edición se encarga el sello compostelano Lixo Urbano –Samesugas, The Homens- y de la distribución Munster. Los esquemas son los de siempre: punk old school, mala leche, simpleza incendiaria en las guitarras y estribillos mordaces.
Comienzan con nostalgia, pagando las copas con “Pesetas” –“Ya sé que soy un antiguo / y odio el minimalismo / yo solo pago en pesetas / en mis antiguas pesetas”- y continúan con “Jódete y baila” retozando a pie de playa y declarándose “extranjeros de corazón cubano”.
En “Asociación de amigos del Islam” repasan la doctrina religiosa desde su harén entre promesas de no comer cerdo más y en “Amor rural” y “F.O.L.L.A.R.” nos dejan claro que en el fondo son unos románticos, pero macarras a la vez. “Follar está sobrevalorado / hay mucho vicio y es muy arriesgado clavar / yo no te follaré más” cantan en esta última.
El sonido mas sucio y acelerado llega con “No corras papá” y uno de los hits del disco con “Santiago Apóstol” –incluido en el recopilatorio en 12” “Galician Bizarre” (Galician Bizarre, 2010)-... “Ya lo sabes soy gallego amor / el Año Santo va en el corazón”. Un anti-himno del Xacobeo con vocación de clásico.
En “Miami Beach (no volveré a Samil)” renuncian al arenal vigués a favor de Miami –“Desde Florida para que lo bailes / quien dijo miedo habiendo hospitales” y en “Non saímos do lixo” se acercan al gallego. Cierran desde la playa, cantando en lo-fi con las olas del mar de fondo… “Playas, marisco y sol”.
Cinco años de conciertos y tres álbumes avalan a esta banda. Además, las giras por Estados Unidos, la publicación de sus dos primeros discos a nivel internacional, y su presencia habitual en salas, festivales, e incluso reuniones de moteros del país. Y todo esto alrededor del Lower Side Studios, donde graban a amigos y nuevas bandas.
Estamos hablando de The Right Ons, que ahora publican su tercer trabajo, 'Get out'. Los anteriores se grabaron en el Puerto de Santa María y en Boston. Esta vez han grabado cerca de sus casas, con sus propios amplis e instrumentos, en Madrid aunque el estudio se llame Reno. Han afilado las guitarras, les han sacado punta. Han bajado del piso del soul funk al garaje del rock y han hecho su mejor disco.
Como en el atletismo, más lejos más alto y más rápido, este disco es uno de los pasos del triple salto que les lleva a otro lugar, más fuertes. Son siete canciones, rock and roll. Sólido, oscuro, serpenteante, sexy, luminoso, cerdo.
Palpitation son una de las bandas suecas más desconocidas, y es una pena, ya que estas dos chicas sacaron un excelente disco el año pasado, y este nos han obsequiado con un precioso Ep de seis canciones. Maria Vedje y Ebba Carlén saben cómo emocionarnos con su pop delicado, que bebe tanto de Beach House, como de sus compañeros de escena. Suyas son We Don’t Need To, We Don’t Have To y New Mexico, dos de las mejores canciones de 2011, sobre todo la segunda. A ver si entre todos logramos que llamen un poco más la atención.
Nadie podrá acusar a James Lavelle de falta de ambición. Desde el año cero de Unkle la intención siempre ha sido trascender los métodos habituales, rebasar los límites estrictos de la electrónica, el hip hop y el rock. En ese contexto, el doble “Where Did The Night Fall/Another Night Out” supone un avance lógico: Lavelle y su socio Pablo Clements se sumergen en la psicodelia tenebrosa de la mano de Nick Cave, Mark Lanegan, The Black Angels y Katrina Ford, entre otros colaboradores, y con el “The Contino Sessions” de Death In Vegas consciente o inconscientemente como objetivo a batir. Y Lavelle nunca hace las cosas a medias. Como ya sucedía con “War Stories” (Surrender All, 07), el resultado desborda cualquier noción de mesura, carece de contención alguna. Todo aquí es grandilocuente: las canciones, la atmósfera, el metraje individual y global… Incluso demasiado. Lo que no significa que este sea un mal disco, en absoluto. El conjunto funciona cohesivamente, en parte por el trabajo de banda en estudio, pero también por la naturaleza sugestiva de los temas, situándolos en algún punto entre Radiohead, David Holmes y Primal Scream.
Arcade Fire no renuncian a su loada capacidad de crear ambientes misteriosos y oníricos, pero evitan la emotividad y la inmediatez. Win Butler canta relajado, o mejor dicho, reflexivo; ni hablar de himnos épicos ni de coros gigantes, ni de correr maratones al sprint. Aprovechando esa nítida rebaja de la tensión, se añade minutaje a un ciclo de canciones que dura más de una hora y que plantea, eso sí, los temas de siempre. La pérdida de la inocencia durante la juventud, los sueños como último espacio de esa inocencia, el poder de los recuerdos, el alma vacía del espacio urbano (con los suburbios como metáfora, en este caso), la necesidad de una espiritualidad enfrentada al dolor y al miedo. Una diferencia trascendental: Butler no ha sonado nunca tan pesimista siguiendo la estela de sus preguntas, tan abrumado por las dudas y la aflicción. Neil Young, Bruce Springsteen o Depeche Mode se suceden como hipotéticas referencias sonoras de un disco hondo, rico y, de momento, inagotable.
Después de unos meses en los que han teloneado a bandas como Club 8, The Bitter Springs o LCMDF, han participado en eventos como el Día de la Música y han publicado dos canciones en Estados Unidos con el sello de Miami Cloudberry Records, Carlos y Matilde van ahora un paso más allá y presentan de la mano de Fikasound su primer disco largo.
Las 12 canciones de 'Vidas ejemplares' dejan bien claro desde el principio lo que son: canciones pop con melodías directas y unas letras que no dan puntada sin hilo. Acercándose en ocasiones a la ruidosa sencillez de The Vaselines o a la chispeante sofisticación de The Magnetic Fields, Los lagos de Hinault no pierden nunca marcada personalidad, tan elegante como gamberra que hace de los ritmos programados, las guitarras eléctricas y el contraste vocal entre Carlos y Matilde, el entramado perfecto sobre el que construir unas canciones que buscan huir del conformismo y del aburrimiento a través de unos textos cargados de ingenio y sensibilidad a partes iguales.
El duo ingles emigró hace unos años a Los Angeles. Lo suyo es el pop británico de los ochenta y noventa, y su música se da un aire a grupos como Lush o incluso Echobelly. Este Better Days Ep es su vuelta tras unos cuantos años en los que cada uno se dedico a sus historias – con gran éxito, ya que incluso ella tiene un Oscar por alguna película de Pixar -. Lo que no sé es la razón por la que han vuelto ahora, pero la verdad es que tras escuchar temas como Better Days o In The Coac Stationery Line, me da bastante igual, ya que son fantásticos.
Cuando se forma una agrupación cogiendo los frontman de otras bandas no siempre sale bien. Los egos y las ganas de ser el líder muchas veces provoca que lo que se fraguó como un bonito proyecto se quede en una mala experiencia musical y personal para el músico. Pero Middle Brother ha conseguido el equilibrio entre sus tres integrantes.
John McCauley de Deer Tick, Matt Vasquez de Delta Spirit y Taylor Goldsmith, precisamente de Dawes son unos extraordinarios músicos y así lo han reflejado en sus bandas originales. Pero para esta ocasión, la sinergia ha sido perfecta y a multiplicado el talento de los tres para hacer uno de los mejores discos de folk-country del año.
Su disco debut homónimo lo han publicado hace unos días y suena brillante. Parece mentira que estos tres señores lleven tocando juntos menos de un año porque las virguerías, la compenetración y la soltura es digna de un grupo veterano y curtido.
Solo una mezcla de talentos y experiencia de tal calibre puede ser capaz de hacer un disco de tan alta calidad. De lo mejorcito en el género.
El grupo Facto y los Amigos del Norte (F.A.N.) han compuesto un single en exclusiva para PlanB!, que se presenta en directo los próximos días 14 y 15 de diciembre en Barcelona y Madrid, respectivamente.
Facto y los Amigos del Norte, lo componen Marc Barrachina -, junto con el trío que forman Roger Rodés, Nubla y Ms Maiko. Este proyecto musical nacido en 2011 publica nuevo disco, F.A.N., bajo el sello Warner, una compilación que ellos mismos definen como “un disco tan bombástico como didáctico que milita bajo el epígrafe 'para todos los públicos'”.
Dentro de este nuevo disco, se presenta el single que el grupo ha creado en exclusiva para PlanB!, las cajas de regalos de planes y experiencias del Grupo Barceló. El videoclip narra con estética naif, la historia de una pareja que busca alternativas a los planes más comunes.
En el vídeo podemos ver a Facto, convertido en protagonista masculino, sugiriéndole planes aburridos a su pareja. Ella sin embargo, le propone una serie de experiencias PlanB!, que van desde practicar buceo a conducir un Ferrari en un circuito, pasando por todo tipo de planes de “capricho” como disfrutar una jornada relajante en un spa, escapar a un hotel pintoresco o navegar en velero… Todas ellas actividades que pueden realizarse con las cajas PlanB!
En el vídeo, Facto comienza con una imagen un tanto “nerd” que cambia a medida que sus planes cambian. En la letra nos encontramos con un guiño al “Equipo A”, con Facto convertido en el coronel Hannibal Smith, parodiando su mítica frase: “Me encanta que los planes salgan bien!” , que refuerza la idea principal del vídeo de probar los planes diferentes y exclusivos que ofrece PlanB!
El single PlanB! comparte como denominador común con el resto del disco, versos deslenguados y golfos, dotados de una cierta ironía, y una mezcla de ritmos y bases que van del pop al hip hop pasando por el reggae y otros ritmos caribeños . No te lo pierdas!
Puede que Mendetz hayan cambiado algunos de los temas finales desde que nos los adelantaran hace unos meses (“Creepshow” ahora se divide en “2012” y “Phantotheque”) o que enterradas bajo decenas de capas no notemos esas guitarras a lo Phoenix, tan presentes durante la grabación. Pero al final, fiarse de la intuición y de los sentidos tiene su recompensa. “Silly Symphonies” resume la esencia de Mendetz. Son los temas de su debut, pero también esas melodías de piano bar de su segundo –y tan poco reivindicado- disco, “Souvenir”. Desde la grandilocuente intro de “2012”, al glitch de “Plasticine”, pasando por la histriónica “Escalera” junto a su venerada Gala. Así transcurre la primera mitad del disco, con sonidos más duro y fríos, electrónica más potente que nos mantiene en tensión y con ganas de más, como "Hap Your Clands", de la que repetirás el estribillo una y otra vez. ¿Pero qué sería de Mendetz si no nos hicieran bailar? Mientras suena “Spam” es difícil contener la emoción y las ganas de lanzarse a quemar la noche. “Tie-break” o “Between sleep and awake” chocan con esa dureza de los primeros temas y recurren a puestas de sol cálidas y melodías de una década que no paramos de exprimir. Los de Barcelona vuelven para reclamar su sitio en la fiesta y traen madera suficiente como para mantenernos bailando hasta el amanecer. El disco finaliza con “B.Y.E”, tema que bien podría resumir la dualidad de “Silly Symphonies”; robots y alcornoques -escuchen con atención los samplers de la frase de despedida. Futurismo vs naturaleza. Mendetz han conseguido experimentar con nuevas texturas y sonidos, sin haber renunciado por ello a su reinado sobre la pista de baile.
Voyage se mueve en esa fina línea que separa el pop electrónico más elegante – no es fácil ser los Pet Shop Boys -, y el petardeo más evidente. De hecho, es lo que venden con esa imagen de sueco aniñado y gayfriendly - no son tontos y saben dónde está su público -.
Desde luego, lo que hay que hacer es quitarse los prejuicios a la hora de escuchar este disco, ya que lo tiene todo para ser la gran horterada del año, eso sí, una horterada con clase. Aquí encontramos teclados eurodance de lo más chirriantes; coros infantiles que sonrojarían a más de uno, y una clara devoción por esos ritmos reggae de plástico que practicaban sus compatriotas de Ace Of Base (al parecer está de moda reivindicar a esta puta mierda de grupo). Lo bueno es que ellos no lo esconden, y además, lo reivindican con talento y no se quedan en un mero popurrí de esas bandas. Además, también tienen bastante del synth-pop de los ochenta, y una clara influencia de Erasure.
Lo malo de este trabajo, es que termina resultando un poco cansino, ya que es demasiado sintético y si quitamos Nova, Wonder, Magic y un par de canciones más, nos quedamos con cuatro o cinco canciones bastante normalitas. Para colmo, el instrumental del final tiene un tufillo bastante importante a Jean Michel Jarre, y algunas baladas me recuerdan a mis odiados Hurts.
Vamos, que aprobar sí que aprueban, además con un notable, pero ni de coña son la leche como nos quieren hacer creer unos cuantos.
Después de tres años de la publicación de 'Boogie beach days', su sorprendente primer trabajo, aparece 'M oo D', el nuevo disco de Elastic Band. La espera ha sido larga y la sorpresa mayor. Los primeros compases de 'Giving advice' provocan desconcierto. ¿Son Elastic Band? Miras la carátula no ayuda a salir de dudas, el nombre del grupo no aparece por ningún sitio. ¿Modestia o camuflaje? Son ellos, aunque está claro que algo ha cambiado en estos tres años.
'M oo D', como ya nos anticipa la preciosa portada de Bjorn Copeland, tiene vocación de celebración. La historia de la música pop-rock se une para hacer una fiesta. Décadas de música se miran y piensan al unísono: 'Let's dance!'. Es un disco del tiempo que nos ha tocado vivir. Ejemplifica la cultura del DIY ('Do it yourself'), pero también de la generación del ipod y la selección aleatoria de canciones. Destaca la producción, la búsqueda de sonidos y matices, los cambios de ritmo, las melodías... Y sin dejar de reírse de si mismos, como en el repaso que hacen de todos los estilos en 'The way she move me', desde el reggae, al hip-hop, pasando por el conutry o la balada más melódica, teniendo a un matasuegras como maestro de ceremonias.
Elastic Band dejan atrás los sonidos particulares de su anterior trabajo y afrontan este 'M oo D' en búsqueda de la totalidad, de cualquier estilo, cualquier grupo, el que se te ocurra: Todos están en 'M oo D'.
Hace diez años los argentinos Gotan Project irrumpieron con fuerza en el escenario mundial merced a una fusión entre tango y música electrónica que en su momento (breve) se convirtió en paradigma de lo cool y se hartó de sonar, primero a nivel alternativo, después en Café del Mar y similares, y finalmente, en todos los santos lugares, tanto que algunos se hartaron de su propuesta y la tildaron de repetitiva y pesada. Pues bien, en este “La revancha en cumbia”, la banda deja su trabajo más célebre en manos de varios Dj’s y músicos punteros para que revisen su cancionero adaptándolo a las nuevas tendencias musicales del país, y lo que más pega ahora mismo es ni más ni menos que la cumbia, efectivamente. El resultado final es un curioso pastiche de temas que, si bien en todo momento mantienen el esqueleto bastante intacto y las versiones se basan en simples arreglos, vocoders, coros, etcétera, sí que dan un aire nuevo y más festivo a la edición original. Un trabajo curioso, pero tampoco mucho más.
Boots Electric es el nuevo alias de un viejo conocido Jesse "The Devil" Hughes. Hasta ahora había publicado tres álbumes con su compañero de instituto Josh Homme (Queens of the Stone Age) como Eagles Of Death Metal pero ha decidido seguir en solitario y cambiar de cara aunque no de sonido para seguir siendo el rey rock de Hollywood. Co-escrito con Money Mark (Beastie Boys) y producido por Tony Hoffer (Beck, Depeche Mode) 'Honkey Kong' es una mezcla de glam-pop con teclados de pista de baile y su firma r'n'r. Little Richard es su mayor influencia....y 'Honkey Kong' es algo así como George Clinton, Gary Numan, Keith Richards y Captain Beefheart haciendo una fiesta. 'Boots Electric Theme' el primer single cuenta con la colaboración de Juliette Lewis Y Brody Dalle.
Detras de este nombre se esconde Louis Jones, un joven talento obsesionado por Emma Watson (su musa como él la denomina) y amante del pop sesentero de Phil Spector. Desde el 2009 lleva ofreciéndonos singles y EPs de rock en baja fidelidad con una gran aceptación que le valió para telonear a Real Estate (que buen disco han sacado este año, a todo esto) y Best Coast.
Hace unos meses Spectrals publicó su primer largo y la cosa a cambiado: ha limpiado su sonido, suena menos roquero que en sus EPs pero ha conseguido firmar una serie de temas para quitarse el sombrero. A primera vista, lo que más sorprende de Bad Penny es la inmediatez de sus temas y lo disfrutable que son cada una de sus piezas que, en ocasiones, hacen recordar a The Last Shadow Puppets o incluso a los últimos Arctic Monkeys.
Temas como Doing Time, Get a Grip o Big Baby son buena muestra de la clase que tiene el joven británico que, con su primer disco, nos ha hecho disfrutar de lo lindo.
Un nuevo día amanece y la resaca se entremezcla con el griterío de la gente, así que lo mejor es aislarse de todo ello y echar la vista atrás para ver que el principio de todo fue generado por una serie de ritmos tribales compenetrados con sintetizadores en un lugar que si mal no recuerdo se llamaba ‘Juno’, el cual precedió a ‘Space Dust’, en donde todo parecía dar vueltas alrededor de nuestra cabeza a un ritmo tal, que el paso de una locomotora podría definirlo perfectamente. Pero ya no estamos allí, sino más bien, cerca de la estación ‘Mountains’, en donde el último tren debió pasar hace millones de años luz, lo que nos va a ayudar en nuestra búsqueda de la calma que nuestro cuerpo y mente necesita.
Un calma que se hace tangible cuando lo único que nuestros sentidos perciben, es una sonoridad creada a través de una superposición de ideas, similar a la que se genera al mirar directamente al ‘Solar System’, y que en el fondo todavía tiene resquicios de lo que debemos demostrar el día de hoy, que no es más que dejar claro que quedan muchas noches y que ésta no nos va a dejar ‘Out of phase’.
Vuelve a caer el sol al igual que lo hizo en ‘Before I fall’ y los rasgos asiáticos nos amedrentan haciendo gala de si los dos integrantes que nos acompañaban siguieron su camino hacia un ‘Awake’ moderado, o si por el contrario, llegaron con fuerzas hasta ‘Tech-Noir’, hecho que queda zanjado al descubrir que su mano derecha está limpia de todo rastro del sello Irregular.
Los barceloneses Megaafonía se adelantan a los Reyes Magos y nos regalan su último EP “Alta Atención” que nos podemos descargar completamente gratis y empezar a disfrutar hoy mismo.
“Alta Atención” lo componen tres nuevos temas, algunos de los cuales creo que ya han sido rodados en directo, a cada cual mejor y una versión disco “Cliente un millón honoris causa” que ya aparecía en Tutto. Megaafonía mantienen esa mirada lúcida y divertida sobre la sociedad que ya demostraron en temas como “No soy Carrefour” o “Han tapiado la puerta del Razzmataz”.
“Vivo al fin” es un tema irónico con un cierto rollo retro, “El gran colectivo”, con ese tono western, repasa en escasos dos minutos lo que supone ser uno más en la gran masa de gente que cada ciudad. Y, finalmente, mi canción favorita, “Teleoperador” que refleja con gran acierto esos problemas del primer mundo que nos agobian al tratar con los servicios de atención al cliente.
Los miembros de Grushenka son realmente jóvenes – están al principio de la veintena – , pero eso no les ha impedido montar un grupo en el que se pueden ver clarísimas influencias de The Jesus & Mary Chain, Ride o Los Planetas. La banda de Barcelona apuesta por el shoegaze y al C-86, para su debut en El Genio Equivocado, y la verdad es que a pesar su juventud, lo hace realmente bien.
En estos tiempos en los que cualquiera coge una guitarra, y se pone a hacer ruido como si no hubiera un mañana, es bastante complicado hacer algo interesante en este tipo de música, sin caer que en la parodia o la imitación más cutre. Grushenka lo han conseguido con un Ep que les augura un futuro de lo más prometedor.
Aunque empiezan fuerte, y ruidosos, con Mi estrategia vital – y a mí que esta canción me recuerda Sigue Sigue Sputnik –, lo suyo, y la parte que más me gusta de su música, es cuando se fijan en los hermanos Reid. Y ahí es donde entran Feliz y La magnitud de la tragedia; dos canciones que nos recuerdan a los Jesus & Mary Chain más dispares. Si en la primera se dejan llevar por el pop ruidoso que practicaban los escoceses en temas como Reverence o Snakedriver, en La magnitud de la tragedia se van directamente a su vertiente más pop y acústica. Y es que esta joya hace que me acuerde de Sometimes Always, ese temazo que hicieron con Hope Sandoval hace casi veinte años, y que todavía me chifla.
Esto no significa que no tengan un ápice de personalidad, todo lo contrario, suenan frescos y son de lo más entretenidos. Evidentemente, y como ya he dico antes, sus influencias están ahí, y son más que evidentes, al igual que el 99% de los grupos que empiezan. Además, la producción de Joaquín Pascual es excelente, ya que les ha sacado un sonido bastante limpio, sin dejar de lado su actitud de shoegazers. Yo, de momento, veo bastante futuro en su propuesta.
Los vientos sureños americanos cada vez soplan más fuerte por estos lares. Se ha visto recientemente con el exitazo de El Camino de The Black Keys o con otros discos aparentemente menores pero con un encanto que ya les gustaría a muchos como los primeros trabajos de Gardens & Villa, Jonathan Wilson o Vetiver y en nuestro país gente como Bigott o Corizonas. Solo son ejemplos de como el folk, el rock & roll, el country y todo lo que engloba el género americana, lejos de ir desapareciendo, está cogiendo fuerza o al menos se mantiene presente en estos tiempos de sintetizadores, beats electrónicos y vocoders.
Así que hemos decidido dedicar el día de hoy para recoger esos discos que se han publicado este año de este género y que merecen la pena, salir de Brooklyn para meternos en Austin y ver los encantos musicales (que los hay) de la América profunda.
Y para empezar hemos escogido a Dawes, un grupo de formado por los hermanos Goldsmith que han deslumbrado con su segundo disco. Con el talento de cada una de las patas de esta mesa sonora, nos traen en Nothing Is Wrong, su segundo disco, un folk sureño con reminiscencias country de lo más atractivo.
Maynard James Keenan es un tipo aparentemente excéntrico, extraño. Al menos a primera vista (fijaos en la portada de este disco). Es complicado encontrar dos fotos suyas en las que tenga la misma pinta. Si no es una peluca es un sombrero, pero también podemos hablar de esos directos de Tool en los que salía en calzoncillos al escenario con el cuerpo recubierto de pintura fosforescente. Siempre parece querer dar la nota a través de su imagen.
Bajo esa fachada de tipo raro se esconde un tío inteligente. No hay más que escucharle para darse cuenta de que, aunque parezca lo contrario, es capaz hablar muy en serio sobre cualquier tema que tenga que ver con la industria musical. Una teoría que se ve reforzada con tan solo echar un vistazo a toda su discografía, el último trabajo de la cual es este Conditions of My Parole de Puscifer. Un disco sorprendentemente redondo y estimulante en el que han participado muchos músicos (el batería Jon Theodore o la cantante Juliette Commagere, por ejemplo) y que ha sido grabado entre los barriles de vino de Caduceus Cellars, propiedad de Maynard. Él es así.
En general Conditions of My Parole es un disco muy uniforme y coherente en todo momento que, en contra de lo que esto podría indicar, huye del aburrimiento y de las fórmulas convencionales. Y no quiero acabar la crítica sin hacer referencia a ‘Tubleweed’, el corte que se encarga de cerrar el álbum. Ojo a esas voces, a ese banjo y a la cantidad de elementos que empiezan a sumarse a medida que avanza el tema.
Este jovencísimo quinteto me ha dejado bastante impresionado con este CoCo Beware, y eso que ya no me esperaba ninguna sorpresa más en este año. Y es que suenan un poco a todo, y a la vez no suenan a nadie en particular. Se les podría meter en el carro del indie-pop más melancólico – el que puede hacer The Antlers – o en el dream-pop más asequible, pero ninguna de las dos descripciones sería del todo cierta.
Les van bastante las percusiones, y los teclados oscuros, y prácticamente casi todo el disco tira hacia un rollo más que tranquilo, aunque a veces se vayan un poco hacia lo que hacen compañeros de barrio como Here We Go Magic – a los que han teloneado – o los The Drums menos festivos. La verdad es que es complicado describirles, así que lo mejor es plantarse ante este CoCo Beware; disfrutar de maravillas como Old Friend, Decide, My Time o Thankful, y sacar vuestras propias conclusiones, que seguro que son mejores que las mías. Yo solo puedo añadir que es un disco bastante melancólico, y que no es de los que entran fácilmente, pero también es un disco ideal para esta época del año.
Mucho tiempo ha pasado desde que los británicos Bush irrumpieron en el escenario musical en plena resaca post Grunge con "Sisteen Stone", un disco que aunque con notable respuesta del público inmediatamente pasó a formar parte de toda una caterva de bandas que surgieron al calor del éxito del movimiento de Seattle. Injustamente o no, se les colgó en sambenito de "imitadores de", pero Bush siguieron adelante e incluso lograron colar más de un single en las listas de éxitos hasta que en el año 2002 la banda decidió separarse. Ocho años después se anunció su regreso, aunque no con todos los miembros originales en el barco, y tras lo que parece un difícil parto (las sesiones les han llevado alrededor de un año), aquí nos llega su quinto álbum, "The Sea of Memories".
Producido por el célebre Bob Rock, la bada ha sido la encargada de editar el álbum a través de su propio sello (aunque con un acuerdo de distribución con el sello alemán Ear Music). El resultado de este su primer disco de estudio en una década es bastante satisfactorio. La banda parece no olvidar sus orígenes, aunque los usa con una mirada que está claramente enfocada hacia delante. Los elementos característicos de Bush están ahí, pero dotados de un barniz quizás más actual. No todo lo que contiene "The Sea of Memories" es, haciendo un chusco juego de palabras, memorable, pero sí que hay temas que los reconciliarán con muchos de sus antiguos fans.
New Navy ha recorrido un largo camino desde el lanzamiento de sus tres primeros demos estrenados el año pasado, temas que mantuvieron a la banda como la número uno en Australia.
Antes de la publicación de su tan esperado EP debut, la banda lanzó el single "Zimbabwe", en abril pasado con excelentes críticas. Es una de esas canciones con la cual uno se siente inmediatamente familiarizado desde la primera vez que lo escuchas, es como si lo hubieras escuchado cien veces antes. Desde las primeras notas de su introducción con ese silbido y esa guitarra tropical, "Zimbabwe" es sin duda el himno del verano.
De los grupos de Getxo orientados al rock americano, The Fakeband representan ahora mismo la variable más significativa, manufacturando en “Too Late, Too Bad” un disco de calidad exponencial. Aunque, ciertamente, no hace falta más que una escucha para darse cuenta que este no es un trabajo cualquiera, y que el vello de la piel se va erizando progresivamente mientras se desengranan las doce canciones que lo componen. De las filas de John Wayne, su compositor y vocalista Txomin Guzman redefine y redirige con un toque maestro los postulados hacia el country, el folk y aledaños y lo envuelve en corrientes de electricidad que nos retrotraen por un lado al pasado de Crosby, Stills, Nash & Young (¡esos coros a cuatro voces!) y al maduro presente de The Jayhawks o Blue Rodeo. Tonadas cálidas (plasmadas en parte en los fraseos de armónica o los arreglos de piano, tratadas con mimo y denotando una innata capacidad captando sonidos e imágenes allende el Atlántico, para después materializarlos en melodías preciosistas. Para sentirse orgulloso.
En primer lugar, porque huyen del recurso fácil de copiar a Joy Division que, aunque les adoramos, hay una saturación de bandas en este sentido. En segundo lugar, no solo se quedan en el post punk tradicional si no que introducen píldoras de shoegaze y psicodelia que les da un toque diferenciador. Y por último, tienen buenos temas como Days Untrue o Faith Unfolds que ponen los pelos de punta.
Again Into Eyes es su carta de presentación bajo el sello Mute (aunque su primer single es de 2008) y cuenta con el apoyo de Portishead que les han incluido en su ATP (All Tomorrow’s Parties) de 2011.
Un buen primer disco de S.C.U.M. que les distancia de la amalgama de grupos oscuros que han salido últimamente de su país.
Cuando alguien me pide que le recomiende algún grupo diferente y poco conocido, la primera referencia que me viene a la cabeza es Primus. A pesar de su altísima calidad no es en absoluto una banda de masas, y puede que sea precisamente su excesiva creatividad y su completa ausencia de complejos lo que les aleje en cierto modo de las atenciones del gran público.
¿Cómo definir la música de esta formación? ¿Es rock o metal? Desde luego tiene un evidente espíritu funk, caracterizado por el inconfundible sello del bajo de Les Claypool, pero sus miras son tantas y tan dispersas, que cualquier intento de encasillarlos es inútil. Lo único que está claro es que, de una forma de otra, son un grupo que enamora.
Es innegable que han tenido sus altibajos, y todos estamos de acuerdo en que Antipop, sin ser un mal disco, no dejó un gran recuerdo. Desde dicho lanzamiento han pasado doce largos años, que se dice pronto. Afortunadamente, después de tan larga espera Green Naugahyde nos devuelve los momentos más brillantes del inefable y ya veterano trío californiano.
La década y poco que separa este álbum de su antecesor ha venido salpicada por un pequeño hiato, el regreso de Jay Lane a la batería, diversas giras de conciertos, un disco recopilatorio y varios DVD, siendo un EP lo único realmente nuevo que han creado en este periodo. Parece que este tiempo les ha venido bien para expansionarse, recuperar su creatividad y volver a parir un disco cargado de locura, pegada y energía. Primus reencontrándose con ellos mismos.
Las letras del disco, como no podía ser de otra forma, son un reflejo más del surrealismo y la originalidad que impregna todo lo que Primus tocan, pero sin perder por ello el mensaje. Irónicas premoniciones del fin del mundo, irreverentes críticas al consumismo americano o el delirante intento de reivindicar a Lee Van Cleef por encima de Clint Eastwood, tienen cabida todos por igual en este álbum.
También como de costumbre, no será un trabajo fácil para iniciarse en el universo de este trío, pero creo que ninguno de los que han lanzado es realmente bueno para eso. A pesar de lo cautivador de canciones como ‘Last Salmon Man’, ‘Tragedy’s A’ Comin’ o ‘Moron TV’, seguimos estando ante un disco donde las concesiones a lo convencional son nulas, y donde buscar paralelismos con otras bandas es una utopía. Eso sí, quien ya esté hecho a su sonido disfrutará desde el primer momento con estos temas.
Queda claro que Green Naugahyde es un disco con el que no da tiempo a aburrirse, porque todo fluye de forma dinámica y ágil para demostrar que a esta banda aún le queda cuerda para rato. Tan absurdo como genial, tan cañero como profundo y tan consistente como variado. Un nuevo desafío a las etiquetas musicales donde la banda ha sabido recuperar lo mejor de su cosecha y seguir creciendo sin una meta concreta, más que la de dar rienda suelta a sus imposibles inquietudes.
En 2011 nos llega Money and Celebrity [Warner Bros.], una colección de una docena de canciones con las que la formación inglesa pretende ingresar definitivamente en la primera división del rock internacional. Bien pueden conseguirlo, pero de lo que estoy seguro es que seguirán ocupando una porción del corazón de cualquier seguidor nostálgico del rock de los años 90s.
El trío que comenzó en su garaje haciendo versiones de Nirvana y Green Day hace tiempo que se ha crecidor y aspira a llegar hasta llegar a la cima, pero sin perder la frescura de su sonido. Money and Celebrity es un álbum en el que The Subways siguen ofreciendo un rock sencillo, directo, fresco, en el que vocalmente explotan el binomio chico-chica [Billy Lunn-Charlotte Cooper] para facturar algunas canciones muy pegadizas como “Kiss Kiss Bang Bang”, “It’s a Party”, “I Wanna Dance with You” o “Like I Love You”.
Voces, melodías y coros perfectamente arreglados y unidos a una buena dosis de rock guitarrero así como a un desenfado punk rock que les permiten componer canciones potentes como “Money”, “We Don’t Need Money To Have A Good Time”, “Rumour”, “Money” o “Friday”.
The Subways no han querido ‘madurar’ y siguen sonando frescos, conjugando influencias tanto del rock alternativo estadounidense como de la tradición musical británica porque, aunque miren más al otro lado del Atlántico, en Money & Celebrity encontramos rastros de los primeros The Jam –“Down Our Street”-, Buzzcocks –“We Don’t Need Money To Have A Good Time”- y lo más granado de las Islas.
Formada por Steffen Huber and André Rauhofer en 2.009, Fragile Tom es una banda alemana de sonido synth-pop con clara influencia de grupos como Tears For Fears, OMD, New Order o Echo & The Bunnymen. Tras grabar cuatro canciones en sus incios la banda desafortunadamente se separó, pero ya tenemos aquí su primer larga duración.
Gracias a DJ Andrinete que ha compartido con el blog la playlist FlY mE tO tHe MoOn! - Otoño 2011, con grupos como The Horrors, Veronica Falls, Summer Camp, M83 o The Black Keys, entre otros. Como siempre "todo temazos... aunque alguna mierda caerá!". Si os gusta podéis seguir a Andrinete en su grupo de Facebook.
Otro dúo se acerca por aquí. Joy Williams y John Paul White, California y Nashville, pop y country. En un tira y afloja se halla The Civil Wars acercándonos la americana a un lugar más cercano y accesible. La unión entre estilos, voces e instrumentos juega a favor de la pareja que ha debutado a lo grande con Barton Hollow.
Folk pop soleado y country americana nostálgico a partes iguales, a través de cada una de sus sencillas canciones y minuciosos arreglos acústicos. De esta manera el debut de The Civil Wars se traduce en un disco ligero de escuchar y agradable para amenizar, juntando una colección de canciones preciosas.
Bangor, además de una ciudad capital en la literatura de Stephen King, es el nombre bajo el cual David Miranda (The Cripple and the Tramp y Nouvelle Cuisine) acaba de editar un nuevo disco, en el que adapta los poemas de María do Cebreiro. Se llama 'Lembrarás este cuarto?', y en él la propia María do Cebreiro pone su dulce voz en la mayoría de las canciones. Su escucha nos lleva a un mundo de acordes entre alegres y melancólicos, y de letras cándidas. Es una música luminosa, un folk pop tranquilo y sin pretensiones, con arreglos sencillos y que avanza despacio entre canciones cortas y un poco naif como los propios poemas de los que se originan. El disco es homogéneo, pero a pesar de ello yo destacaría por encima de las demás 'Eu nunca', 'A dialéctica', o 'Dentro', la canción que cierra el disco.
Vivimos tiempos ruidosos y en los que se produce más música de la que podemos escuchar con calma. Como dicen en aregueifanetlabel.blogspot.com, 'Lembrarás este cuarto?' es un disco contra la aceleración del mundo, y ciertamente, es un disco para escuchar desde la calma y la paz, quizá la de un domingo frío y despejado dando un paseo por un parque. El contrapunto a una vida de estrés y en la que las emociones se amontonan porque no tenemos tiempo para sentirlas. 'Lembrarás este cuarto?' es uno de esos discos que se paladean y se disfrutan.
No son ni vanguardia, ni probablemente marcarán un antes y un después en esto de la música, pero el disco emana sinceridad y buen gusto. Recomendados.
