Lo más gratificante para el que escribe desde que comenzó este blog ha sido, sin duda, la gran cantidad de propuestas musicales recibidas al e-mail del blog. Es tremendo la gran cantidad de talento escondido a la sombra de la industria musical. Tal es el caso de Kramer, la enésima banda que opta por el camino de la autoproducción. Un grupo formado en 2.008 y ques nos presentan sus cinco nuevas canciones, tras casi un año de duro trabajo. En Mi faceta más cobarde y Despiertanos muestran su lado más pop, mientras que en LDF2 y De espaldas a mi las guitarras cogen el protagonismo para mostrar su vertiente más rockera, con riffs desenfrenados y toques de psicoedelia. Completa la colección de canciones Pienso que sí, con un épico final, al igual que en varios de los anteriores temas. En definitiva, un nuevo ejemplo de que autoproducción y calidad no están reñidas.
Por fin llega el debut de Cosmen Adelaida, uno de los grupos punteros de la escena independiente de Madrid. Tras dos maquetas y la inclusión en el recopilatorio de grupos emergentes de LaFonoteca, llega su primer referencia oficial: "7 Picos". 7 trallazos pop que abrazan con descaro las guitarrras y que colocan a Cosmen Adelaida como uno de los grupos con más personalidad y más inclasificables del panorama actual. (LaFonoteca)
Después de que El Genio Equivocado fichara a los madrileños Cosmen Adelaida el pasado verano, el objetivo estaba fijado en un álbum debut que prometía, tras la escucha de "Equis" (primer single), un importante salto hacia adelante. Hay que decir que la carrera de Cosmen Adelaida no empezó, como quien dice, ayer, sino que llevan currándose durante años y a golpe de conciertos, principalmente en los escenarios madrileños, y estupendas maquetas, la buena prensa que les precede. Ahora llega el momento de destapar definitivamente el potencial del grupo y creemos que con este álbum lo hacen con creces. La larga espera llegó al final, y "7 Picos" (el mismo nombre que tenía una conocida montaña rusa del Parque de Atracciones de Madrid) se nos presenta como la culminación de años de ilusiones, de mucho trabajo y, sobre todo, de buen gusto y buen hacer. El grupo madrileño, una de las formaciones más valoradas entre la pléyade de grupos que empiezan a despuntar en la Capital, presenta estas canciones disponibles a partir de ya. Un trabajo grabado en los estudios La Mina de Sevilla y masterizado por Joaquín Pascual.
Dayve Hawk, es el nombre del hombre que se esconde detrás del proyecto 'Memory Tapes'. Se trata de un músico y productor de New Jersey, que vuelve este año con su nuevo trabajo 'Player Piano'. Un disco esperadísimo para todos los que disfrutamos con el primer trabajo de 'Memory Tapes', 'Seek Magic', que nos sumerge en mundos de lo-fi, glo-fi y dream pop moderados. Y es que si por algo me llama la atención la banda en este nuevo trabajo, es por su excelente manera de dar forma a un álbum que resulta musicalmente bello y tentador a la escucha. Sonidos adaptados a los nuevos tiempos y ritmos dream y lo-fi, que recuerdan a bandas con esencia jazz y new wave, como Pat Metheny o Joe Jackson, por ejemplo en el tema 'Humming' o en 'Offers'.
El disco es una delicia y forma parte de aquellos pocos álbums de dream pop glo-fi, que se pueden escuchar de principio a fin sin resultar desesperantes y monótonos. Esto es sobretodo devido, al buen nivel de los temas de 'Player Piano', en el que destacan 'Today Is Our Life', 'Wait In The Dark', 'Worries', 'Sun Hits' y 'Offers'. Temas que se pueden degustar una y otra vez y que confirman el gran talento musical de Dayve Hawk, al que sigo desde aquella genial canción '50mph' de Memory Casseette.
Nada más y nada menos que décimo álbum del gurú Chris Hooson, alma mater del ente Dakota Suite. Esta última entrega supone el que es su encuentro más íntimo hasta la fecha con el jazz, es cierto, pero manteniendo de forma clara todos los cánones que conforman la marcada personalidad de la banda, esto es, trazos de música clásica, acercamientos a la vanguardia musical más relajada y reflexiva, jugueteo con la experimentación electrónica, y esa musicalidad sombría y triste que es una constante en todos sus trabajos. Nu-jazz, ambient, super lo-fi, neo-clásica, minimalismo instrumental, electrónica de salón… todo una mezcolanza de etiquetas al servicio de una base jazzística consistente en piano, contrabajo, batería y afinidades infinitas con todo lo grande que esta confluencia de estilos posee: las sublimes composiciones cinemáticas de Angelo Baladamenti, la sutileza y elegancia de Eleni Karaindrou, e incluso los flirteos con el ambient de tótems de la electrónica avanzada. Discazo de Dakota Suite, otra vez, y van…
Lo que comenzó siendo la unión eventual de dos grupos de distintas generaciones y con dispar visión musical, como son los madrileños Los Coronas y los vallisoletanos Arizona Baby, para realizar una gira conjunta bajo el sobrenombre de “Dos Bandas y un Destino” en la que tenían la insolencia de reinterpretar una catálogo variado de clásicos de la música contemporánea con un total descaro y acierto, parece haber degenerado en no solo el espectáculo de rock and roll más genuino, importante y de mayor calidad que actualmente pueda verse en los escenarios de nuestro país, sino que además parece que su unión tendrá continuidad en el tiempo como parece confirmar la publicación mañana martes veinticinco de octubre de “The News Today”, el primer disco con material propio de Corizonas, nombre que ha tomado la agrupación y que surge de la forma en que cariñosamente los miembros de ambas bandas llamaba en petit comité a su propuesta.
“The News Today” contiene doce temas, doce joyas de rock atemporal, que nos proponen un paseo por el country, el folk y el rock más fronterizo, entre cuyos referentes se encuentran bandas tan grandes y dispares como The White Stripes, Calexico o The Jayhawks, en una amalgama surgida de la confrontación y del encuentro de dos bandas que por separada se encontraban en un excelente estado de forma, y que ahora, juntos, nos muestran que la suma de sus partes ha sido capaz de crear un colectivo llamado a labrarse, sino lo han conseguido ya, un glorioso nombre entre lo mejor que ha dado nunca la música de nuestro país, tal y como atestiguan canciones del calado de “Run to the River” o “The Falcon Sleeps Tonight”, por citar dos de la composiciones que ya conocerá el público por haberse filtrado en Internet con anterioridad.
Hay talentos que resultan insultantes para el resto de los mortales, y no solo por los magníficos resultados obtenidos, sino también por la extrema sencillez con que parecen haberse desarrollado. Y sí, es verdad, llevamos unos cuantos años poniéndonos muy pesados con la sólida obra de este maño, pero parece que tanto clamar en el desierto empieza a servir para algo. Bigott atesoran una discografía envidiable que logra redondearse del todo con este “The Orinal Soundtrack”. Un quinto disco que sigue la senda trazada en el anterior, pero ampliando incluso la paleta de la variedad y el descaro. Apelativo este último indisociable al personaje creador que, con su mente pentapolar, es capaz de trazar melodías de esas que se quedan instaladas con facilidad en la mente del oyente, apuntaladas por un inglés tan macarrónico como simpático. Canciones inapelables que se sirven de texturas de lo más variadas como: el tecno-pop (“Cannibal Dinner”) el folk más poppie (“God Is Gay”) el ritmo sincopado de la conga (“Turkey Moon”), la épica pop (Endlessly), el lenguaje más cinemático y baladístico (“Bar Bacharach”), dando pie a un disco que pasa como un suspiro y al que quieres regresar en cuanto finaliza. Mención aparte merecen el sentido del humor de las letras y la descarada afición a los juegos de palabras en busca de la provocación o la sonrisa.
De las ascuas aún calientes de la hoguera de la extinta banda española The Sunday Drivers se han reincendiado por ahora tres nuevos proyectos; hacia un lado Lindon Parish se unió a la actriz Lluvia Rojo para presentar No Band For Lluvia, cuyo primer trabajo, Dead End, será presentado en Noviembre, hacia otro se unieron Fausto Pérez, Miguel de Lucas y Carlos Pinto para crear Mucho, y hoy mismo, 15 meses después de la última llama, se presenta Cabeza de León, el proyecto en solitario del ex-vocalista de dicho grupo. He aquí Jero Romero.
A través de correos electrónicos en cadena y la difusión de redes sociales hemos podido presenciar como iba fraguándose todo poco a poco, y con entusiasmo, de las propias huellas digitales de Jero hemos podido leer hacia donde se dirigía el proceso que hoy ya podemos degustar.
Ha sido un trabajo duro y financiado con las ayudas de los mecenas del siglo XXI, mediante “crowfounding” [sic], los que consiguieron juntar en dos días el dinero necesario para que este trabajo pudiera ser producido, 10.500 € nada más y nada menos.
Locos y no tan locos decidieron unirse ante la petición del artista tras la disolución de “los domingueros” y ya podemos escuchar el resultado desde su sitio web. Resultado agrupado en 12 temas de pop melódico, canciones bonitas de marcado carácter intimista e incisivo, esencia de Jero que nos traslada a universo particular a partir de ahora en castellano.
En este 2011 se cumplen 20 años de que los Porretas sacaran su primer disco, aquel lejano “Que se vayan a hacer puñetas” y aprovechando la ocasión los de Hortaleza se han sacado de la manga un disco a mitad camino entre un grandes éxitos y un tributo, es decir, han vuelto a grabar ellos mismos sus temas más conocidos pero cada canción la canta un amigo de diferentes grupos tan variados como Reincidentes, Koma, Pereza, Obús o Celtas Cortos.
De este modo estos madrileños han logrado que por ejemplo Melendi no destroce la canción de “Dos pulgas”, que Kutxi Romero saque su lado más punky en “Última Generación”, darle el placer a Evaristo de cantarle una a los curas o que el Drogas le haga un homenaje a un barrio conflictivo como “Hortaleza” (porros y cervezas).
Con este disco los Porretas hacen un repaso a toda su discografía ya que han metido por lo menos una canción de cada disco que tienen y el orden en el que están los temas va del más antiguo al más nuevo dejando para el final la canción que da nombre al grupo y con la que tantos conciertos han terminado.
Y para finalizar el disco dos sorpresas: una canción nueva titulada “En el quinto pino” dedicada a un bar de rock de su barrio y la de “Porretas” donde cada invitado canta una estrofa y que queda bastante chula.
Pues eso, felicidades a los Porretas por estos 20 años de rocanrol y que cumplan muchos más encima de los escenarios.
El revival que estamos viendo con la gran mayoría de las bandas que están saliendo en estos últimos años algunos lo explicarán como que está todo inventado y es el único camino que les queda. Otros dirán que se tienen que fijar en influencias de antaño porque cualquier música pasada fue mejor. La respuesta no es fácil de encontrar pero podría ser un hecho normal dado que las bandas de adolescentes que emergen nacieron y crecieron con los grupos de los 80 y 90.
Los jóvenes Gold-Bears dan buena muestras de ello y no se les rasgan las vestiduras cuando les comparan con Sugar o The Wedding Present. Estos chicos de Atlanta acaban de publicar su disco debut con el nombre de Are You Falling In Love? y haciendo un alegato del pop luminoso y enamoradizo, acelerado y distorsionado que tantos romances provocó entre bailes y movimientos de cabeza alucinógenos.
Gold-Bears han sabido recuperar lo mejor de aquella época y no dan respiro en la media hora que dura el álbum. Hit tras hit, crudo y directo, Are You Falling In Love? se va metiendo en la cabeza sin poder evitarlo. Es lo que tienen los buenos discos.
EP de adelanto del próximo disco de Manos de Topo, Escapar con el anticiclón... y volver con la boca roja, que será publicado a principios de noviembre. Tres canciones se incluyen en el EP: Tus siete diferencias, Maquillarse un antifaz y Mejor sin pijama.
El productor alemán Sascha Ring, conocido por Apparat, ha decidido dar un vuelco respecto a su carrera como referente del techno y la IDM, y adentrarse con paso firme hacía terrenos de pop efervescente, melodías acariciantes y actitud melancólica e introspectiva. El resultado es The Devil’s Walk.
Un caldo de melodías, arreglos y composturas vocales que se juntan para crear una masa firme e uniforme que te acaricia y te emociona, sin resultar empalagosa. Quedan atrás lo beats, ahora los arreglos electrónicos son un bello complemento pero no el motivo principal, y el propio Ring se vuelca en la apuesta con su voz sensible y emocional (con reflejos claros de Tom Yorke) que cuaja a la perfección con los pianos estremecedores, las cuerdas penetrantes y otros sonidos inesperados que dotan de tanto candor y magia al conjunto. Su máxima expresión es la invencible “Black Water”. Apparat ha logrado con The Devil’s Walk un inspirado, y estimulante ejercicio de pop candente, ideal para románticos entristecidos que no logran concilian el sueño hasta altas horas de la noche.
Séptimo disco de Yann Tiersen, llamado Skyline, para el que cuenta con la colaboración de Efterklang o Syd Matters. Ha sido grabado en París, San Francisco y Ouessant y ha sido producido por Ken Thomas (M83, Sigur Rós, David Bowie, Psychic TV).
El hecho de que este tercer álbum sea homónimo es signo de que los ex compinches de Justin Vernon (Bon Iver) son conscientes de que la definitiva explosión de todas sus potencialidades está aquí. Sus celestiales armonías vocales, su prístino arrullo acústico o su sedante tono pastoral son vetas de una forma de entender el folk rock que muestra su reverencia por las sagradas escrituras (Crosby, Stills & Nash, Grateful Dead, America) al tiempo que se explaya, y nunca mejor dicho (porque a ratos se les va la mano en minutaje), en vericuetos experimentales que a veces llegan a buen puerto, y otras no se sabe muy bien a dónde quieren llegar. No tiene mucho sentido, de cualquier forma, reparar en desvaríos puntuales cuando hay aquí al menos seis temas sobresalientes: el inapelable ímpetu neilyoungesco de “Get Right” y “Post/Script”, la preciosa balada al piano de “Hope You Know”, el hálito de McCartney en la cegadora “Second Friend”, la inasible ternura de “Kill The Horns” o una canónica “You Are The Light” que Wilco hubieran firmado con gusto. El trío de Carolina del Norte se muestra tan genuino como el kudzu, esa planta típica de la America interior cuyo vertiginoso crecimiento ellos mismos comparan con el de su ingente base de fans. Y que ya merece alcanzar, y que nadie se espante, los guarismos gozados por Fleet Foxes.
El nuevo EP de Lentejas los viernes ya está aquí, ¡y suena tremendamente bien! Cosas de la vida, han tenido que esperar a que se fuera el ex-presidente del Betis para poder lanzar este EP, el cual nos cuentan que estaba grabado hace más de un año. Nos comentan que han trabajado duro en las canciones que lo conforman, dejándolas tal como ellos querían que sonaran. Y la verdad es que suenan de auténtico lujo, como siempre nos tienen acostumbrados estos sevillanos de Alcalá de Guadaira. El diseño una vez más es obra de Alejandro Masferrer, y ha sido grabado en los estudios La Mina bajo la tutela de Raúl Pérez.
La verdad es que no se si le ha salido este disco tan resultón de chiripa o no, pero la verdad es que el debut de Ronnie Vannucci Jr. (sí, el batería de The Killers) con Big Talk está lleno de chispeante y ganador pop de guitarras. De las doce canciones que lo forman, al menos ocho canciones grandes como una casa de pagés que juegan con acierto y gancho melódico los mil y un terrenos transitados por el género maldito por excelencia, es decir, el power pop. Empezamos la lista de las más destacadas con la nuevaolera y muy The Cars “Getaways”, la euforia y el estribillo atemporal de “Under Water” (una especie de remedo del “You Get What You Give” de New Radicals realmente arrebatador), la beatleliana "The Next One Living"; el aire noventas a lo Gigolo Aunts de la luminosa “Girl At Sunrise”; el espíritu The Knack de “White Dove”; o ese guiño al AOR que importa que es “Replica”, primer single del disco. Ni decir tiene que el debut de Big Talk es, en conjunto, muy superior a cualquiera de los discos que Vannucci ha editado con The Killers.
Con los 40 años recién cumplidos Iván Ferreiro edita un álbum que repasa su carrera y muestra la evolución y madurez de un músico inconformista y sincero. Confesiones de un artista de mierda, título que ha cogido prestado a la novela homónima de Philip K. Dick y en el que hace un recorrido a una carrera musical que comenzó hace 20 años, pero que ha sabido evolucionar desde el Rock adolescente de su primera etapa con Piratas, al Pop más fresco y con letras comprometidas, oscuras y reflexivas de su carrera en solitario.
Un álbum en directo compuesto por un DVD, un Ep con seis temas en formato acústico y un CD que repasan los 20 años de carrera del músico. Colaboran en el disco grandes de la música como Xoel López (Deluxe), Santi Balmez (Love of Lesbian) o Rubén Pérez (Pereza) además del siempre presente Suso Saíz en la producción, Amaro Ferreiro y Emilio Sáiz a las guitarras, Pablo Novoa a los teclados y guitarras, Gael Pintos a la batería, Ricky Falkner al bajo, y en los metales de No Reply, Alex Serrano, Marcos Crespo y Frankie González.
Un disco necesario, para un artista que nos lleva acompañando los últimos 20 años, que ha crecido a la vez que las canas en nuestras sienes y del que aún nos quedan al menos, otros 20 años de grandes canciones y sorpresas.
Escuchar el sexto disco de Sidonie provoca evasión, fuga, huida y ganas de comerse el mundo y de volar... volar... Tuve la sensación de que se habían afilado los colmillos y habían ido a por todas con la herramienta que mejor manejan: la psicodelia. Pero, esta vez, con todo lo aprendido desde aquel Sidonie de hace diez años.
Hay mucha potencia en las canciones de El Fluido García y mucha carga sensual (y sexual). Lo avisan las melodías -gracias al sitar eléctrico, las guitarras y decenas de cachivaches sonoros- y lo corroboran las letras: "Voltios de electricidad sacuden tu cerebro al entrar dentro de ti..." ("El Aullido"). No hay más que añadir porque Marc Ros ha demostrado un dominio exquisito del uso de las metáforas.
Todas las canciones han sido escritas por Marc, que incluso, se atreve a cantar al revés en un momento dado ("No Mires Atrás"); y una la firma Jesús Senra ("La Huida"), en ella, la voz del bajista del grupo se desgarra.
La mayoría de estas canciones invitan al baile y al desenfreno, sin embargo, se permiten algunos respiros con títulos más atmosféricos como "El Aullido" o "Alma de Goma" (traducción de Rubber Soul, el sexto disco de The Beatles), que está escrita con versos de canciones del cuarteto de Liverpool como "Lucy Is In The Sky With Diamonds". También figura "Bajo Un Cielo Azul (De Papel Celofán)", que se divide en cuatro partes y es la más larga de los once cortes previstos.
Los juegos de voces y los coros vuelven a llamar la atención (Axel Pi hace sus pinitos en algunos de ellos) y esto me recuerda a que ellos ya nos dijeron en mayo de 2009 que eso lo cuidan como nadie en este país. Y sorprende porque hay solos de guitarra y de batería y las miradas puestas en estructuras atípicas (fuera del estrofa-estribillo- estrofa-estribillo), que se desenvuelven en un entorno altamente pegadizo.
Bueno... para los fans de El Incendio, un aviso: entramos en la máquina del tiempo, así que, agarraos, que vienen curvas.
2011 ha sido el año en el que los hermanos Gallagher han dado comienzo (o continuación, según se mire) a sus carreras musicales por separado tras el turbio fin de Oasis en 2009. Dos años cual partida de póker en los que Liam fue el primero en mostrar sus cartas con Beady Eye, rocanrolero proyecto junto a los restantes miembros de la mítica formación del que, pese a la ausencia de su hermano mayor, salió bastante airoso con un disfrutable álbum de debut (‘Different Gear, Still Speeding’). Ahora, según va entrando el año en su trimestre final, es cuando Noel despliega los naipes sobre el tapete con sus High Flying Birds y un disco de homónimo título, producido a medias entre el propio autor y Dave Sardy (quien también produjo los dos últimos discos de Oasis) y grabado entre Londres y Los Ángeles. Entre las filas de los High Flying Birds también hay viejos conocidos, como Mike Rowe, quien se encargaba de los teclados para los directos de la banda de Manchester.
Con una duración bastante concisa e ideal para las caras de un LP, estas diez canciones no introducen demasiadas novedades. Cabrían destacar los vientos estilo Nueva Orleans en ‘The Death Of You And Me’ o ‘Dream On’, pero todo lo demás lo hemos escuchado antes en mayor o menor medida. Todo es sin duda más personal, más original que lo que facturaron Beady Eye, quienes se quedaban en un homenaje al pop rock británico; pero no dista de la marca Oasis por ejemplo la épica de ‘Everybody’s On The Run’, ya presente en temas como ‘Falling Down’.
Sí que es cierto que, pese a jugar con unos parámetros de sobra conocidos y dominados, la tónica del álbum es menos rockera, más folkie, más relajada en definitiva. La canción más singular en cuanto a planteamiento y producción (y a la vez la que más destaca) es claramente ‘AKA…What A Life!’, con una base electrónica y dominada por un piano y la voz de Noel, mucho más expresiva y agradable que lo que queda de la de su hermano Liam (qué desperdicio, con el vozarrón que tenía el menor de los Gallagher en los 90).
Sin contar con este último tema, lo cierto es que un halo de melancolía sobrevuela la mayoría de cortes, lo cual no es una connotación negativa en absoluto, pues no cabe sino apreciar la belleza de ‘If I Had A Gun…’ o ‘AKA…Broken Arrow’, perfectas para ambientar y reconfortar al oyente en un sombrío día de rutina. Como con ganas de más, de un segundo LP que sea la cara opuesta de éste, llega el arrebato rockero de ‘(Stranded On) The Wrong Beach’ y la coda de ‘Stop The Clocks’, compuesta en 2001 y que finalmente ve la luz. Sin ser la revelación musical del año, el debut de Noel Gallagher en solitario se deja querer y demuestra que en una hipotética reunión de Oasis, nuestro protagonista seguiría teniendo sobradas razones para llevar la batuta de la banda.
El aluvión de noticias referidas a “Suck It And See” de Arctic Monkeys ha ensombrecido en gran medida la salida al mercado de “Submarine”, un exquisito EP acústico del talentoso Alex Turner que ha servido como discreta BSO de la película británica del mismo nombre. Este modesto compacto, representado por un total de 6 deliciosos temas, nos muestra la versión más atmosférica y desprovista de producciones de las melodías del pequeño genio de Sheffield.
La linealidad de su sonido es quizás el único y pequeño pecado de un disco que funciona precisamente por su capacidad fantasista; desde la intro (‘Stuck On The Puzzle’) hasta la oníricamente decadente ‘It’s Hard To Get Around The World’ se demuestra que Turner es plenamente capaz de lanzarse a probar de dar al salto a una hipotética carrera en solitario. Un ejemplo claro de esta efectividad “folkie” la encontramos en la versión algo primitiva de ‘Piledriver Waltz’, corte que nos atreveríamos a decir que suena incluso mejor que el escuchado en el último LP de Arctic Monkeys. Que nadie se atreva a echarle nada en cara al cerebro de discos como “Humbug”: Alex Turner es un todoterreno capaz de de poner el freno y labrar obras tan terrenales e íntimas como esta.
A estas alturas no hace falta presentar a toda una leyenda de la Americana más primigenia y la música fronteriza como Dave Alvin, pero, por si acaso, daremos un par de pinceladas para que todo el mundo sepa de qué clase de tipo estamos hablando. Alvin nació en California y desde que era un adolescente se dedicó a tocar la guitarra y frecuentar los locales Honky Tonk en compañía de su hermano, con el que formó la famosa banda de rock de raíces The Blasters con los que alcanzaron la categoría de grupo de culto en los ochenta. Tras esto varias aventuras en solitario hasta llegar a este “Eleven, Eleven”, su último disco, una verdadera joya de música tradicional americana, en concreto, rock, blues, rockabilly y country. Una imagen inmejorable, virtuosismo en la guitarra, voz grave y profunda que suena a Texas y a bourbon, excelencia en la producción y una gran colección de canciones entre las que brillan la eléctrica “Harlan County Lane”, el beat prestado de Bo Diddley en la animada “Run Conejo, Run”, el dueto con su hermano de “What’s Up With You Brother?” y la intensa “Murrieta’s Dead”.
En 2005 Sleater-Kinney editaron el que sería su último LP como banda, ‘The Woods’, separándose pocos meses después. Ahora, pasados casi seis años, llega el debut del supergrupo Wild Flag, capitaneado precisamente por Carrie Brownstein de Sleater-Kinney, y la herencia se nota.
Con miembros de Quasi, Helium y The Minders, este cuarteto de lujo firma uno de los discos de rock más memorables, adictivos y contundentes del año. Bastan los primeros acordes del clarísimo hit ‘Romance‘ para ponernos sobre aviso, con un riff de teclado galopante y un estribillo muy high-school. Irresistible comienzo que no se frena a continuación, con ‘Something Came Over Me‘ (a la altura de la Courtney Love más en forma) y ‘Boom‘, buena muestra de mala leche no impostada y en absoluto gratuita.
Pero pese a entrar bien a primeras escuchas, sus dotes de mayúsculo grower son aún mayores, con matices agazapados tras una aparente inmediatez. Lo mejor, ciertos trozos que cuando irrumpen son capaces de transformar y coronar una canción por sí solos, caso de la línea de teclado de ‘Future Crimes‘ o ese “Ok! Alright!” en mitad de ‘Short Version’. Remontándonos a otro supergrupo no muy lejano en el tiempo, Wild Flag acaban adelantando por la derecha a los Raconteurs de Jack White -lo bien que quedaría una aparición como artista invitado del ex-White Stripe en alguno de estos temas, a propósito-.
Con un debut como este, cuesta no ponerse a salivar al pensar en el directo. Y es que el rock maduro puede llegar a ser mucho más apabullante y hasta atrevido que el que haga cualquier post-adolescente recién avenido. La veteranía, aquí si, es un grado.
Al escuchar “The Shadow Of An Empire” ahora hace un año muchos se preguntaron qué había sido de aquel trovador irlandés que con su debut, “The End Of History”, se ganó las simpatías de los devotos a lo folk. Abandonando su anterior espejismo electrificado, Fionn Regan retoma el patrón de sus primigenias composiciones para convertirse por momentos en una suerte de Fleet Foxes embriagado por el soul como ocurre en la titular “100 Acres Of Sycamore”, donde los arreglos orquestales le acompañan para realzar su lamentosa verborrea. Ya sea con una percusión al galope (como ocurre en “The Horses Are Sleep”), agarrando con firmeza la bandera del menos es más (con un piano y una guitarra ya se basta en piezas como “The Lake District”) y edulcorando sus nuevas creaciones con instrumentos de cuerda de épica contenida, Regan vuelve a sus raíces para cantarle al amor. Las manidas comparaciones con Bob Dylan o Neil Young le siguen quedando grandes, pero con este disco (compuesto en la casa mallorquina de la actriz Anna Friel) recupera el encanto que le hizo merecedor de ser nominado a los Mercury Prize.
El sello británico Pebble Records presenta el single debut de los vigueses When Nalda Became Punk, grupo de indie pop con espíritu punk y un toque lo-fi. Con una tirada limitada de 500 copias en vinilo, estas dos canciones, exclusivas para este single (no estarán incluidas en el álbum que se publicará a finales de este año) e inspiradas en grupos como Heavenly, Ash, Helen Love o Belle and Sebastian, fueron grabadas y producidas por Eva Guilala e Iván Juniper del grupo Linda Guilala en sus estudios Kaiju, en Vigo y mezcladas y producidas por Ian Catt en Londres (productor de Saint Ettiene, The Field Mice, The School, Nosoträsh).
La influencia que James Blake alcanzó con su debut en largo es increíble, cada lanzamiento suyo, cada presentación, cada pequeño ejemplo son como la promulgación de una nueva ley para el dubstep, anteriormente Blake hizo hecho notar su disgusto por los abusos que ciertos compositores le originan al género, entonces quedo claro que el concepto que él le quiere otorgar al estilo es totalmente distinto de la idea que se tiene comercialmente.
Consciente de todo esto, Enough Thunder EP ha servido para plasmar todas las ideas y añoranzas que él tiene hacia uno de los movimientos con más fuerza de los últimos años, una nueva variable esta en camino, el exceso no es necesario, mucho menos la ayuda de efectos fríos por computadora, así que esta vez y como en sus inicios ha decidido prescindir de ellos para crear 6 canciones intimas y perturbadores, teniendo como prioridad el uso de un piano, la reducción del contraste ha convertido a esta nueva producción en un viaje más profundo y melancólico, otro logro definitivo en su corta carrera.
Gatomidi es una banda de Valencia que encuentra su fuente de inspiración en la corriente artística de la New Wave. Tras dos años desde su formación como grupo y algunas maquetas publicadas en internet, se encuentran en la actualidad en plena difusión de su primer álbum 'Facing destiny', autoproducido, y primer videoclip, de la canción que da nombre al disco.
Siguiendo, tal vez, los pasos de lo que fue el sonido Madchester a finales de los 80's, la promotora Cushion Records de la ciudad inglesa que dio vida a este escenario musical (Manchester) distribuyó 5000 copias de su primer single 'I believe' en Reino Unido e Irlanda, que se usan para la promoción del grupo en discotecas, revistas y radios. Creemos que llega el momento de que les conozcamos mucho más por aquí.
El cambio experimentado por Feist para su nuevo disco ya intuía tiempo atrás. En el DVD “Look What At The Light Did Now”, que vio la luz hace unos meses, nos dio algunas pistas de cómo podría ser la continuación al exitoso “The Reminder”. Quien espere singles de pop perfectos y radiables a todas horas o el desenfadado sonido que envolvía a aquel mágico álbum, que se olvide de Feist. Lo que aquí domina es la proliferación de ambientes casi hippies y un colchón de psicodelia en el que alimentar sueños y fobias. El guión trazado para este disco es sorprendente, con unas coordenadas parecidas a las utilizadas por Ennio Morricone o Angelo Baladamenti para sus bandas sonoras. Reinvención, experimentación, huir de lo fácil, crear canciones que sólo se pueden entender dentro del contexto general de una obra que se debe escuchar del tirón, concentrado al máximo y con las pulsaciones a muy bajas revoluciones, prestando atención a los pequeños detalles, y dejándose ir mientras los temas van y vienen como las olas en el mar. Una revolución personal, arriesgada, desconcertante, que ni ella misma sabe hasta dónde le va a llevar. Las expectativas eran altas antes de la edición de “Metals”. Su repercusión mediática parece que podría haber tocado techo para ella, y el único miedo es que, de cara a su siguiente obra, quienes se enamoraron de ella gracias a “The Reminder”, ya no le den una nueva oportunidad. O sí. En todo caso, el tiempo dirá.
01 - Folly Cub
02 - Two Matchsticks
03 - Cross My Heart
04 - Criminals Win
05 - Company Time
06 - Warm To The Blade
07 - Baby Jeans
08 - Too Pretty To Say Please
09 - Struck By Lightning
10 - Secrets
11 - Be No Lie
12 - Long Time To Lose It
Fascinado, esa es la palabra que mejor define lo que siento cuando escucho este disco. Y si esto dúo francés ya puso el listón bastante alto con su anterior disco "Saturdays = Youth" y temazos como "Kim & Jessie", ahora vuelven a cautivarnos con un doble album lleno a rebosar de matices electrónicos, shoegazers y melodías que rezuman años 80 por todas partes.
Para mí, este "Hurry Up!, We're Dreaming" está llamado a convertirse uno de los mejores de este 2011, y si no os lo creeis escuchad el temazo "Midnight City" y me entenderéis ;)
Un disco variado, conciliador y armonioso, que lo mismo te sumerge en melodías de corte más clásico pop o te transporta al dream pop, pero que en cuanto te das cuenta ya está cambiando sintetizadores por guitarras y todo el concepto anterior de album se transporta a otro totalmente nuevo que te sorprende por igual.
Y es que los 22 temas que forman este disco no decaen en ningún momento, es más, hasta los cortes de mas puro tipo ambient como "Where the boats go" o "Wait" son bienvenidos. Y es que ya se sabe, después de la tempestad siempre llega la calma :)
Un disco largo, lleno de sabores y matices que no paro de disfrutar y que os recomiendo 100%.
Ahora que ya se ha acabado el verano (aunque con este calor cualquiera se lo cree) desde el blog os presentamos una recopilación de 30 canciones seleccionadas de entre todos los discos que han aparecido en este blog durante el verano, obviando a los discos "clásicos".
Para gustos los colores así que se aceptan quejas y sugerencias, ¿cual creéis que debería haber entrado en esta lista? ¿cual sobra? A mi personalmente me falta una sin duda, que no está disponible en Spotify: Cortafuegos de Dolores, que podéis ver en el siguiente videoclip.
Para Jason y Callan eso de grabar los discos en su habitación no va con ellos. Prefieren la limpieza melódica, los finos arreglos y los temas directos frente a la corriente lo-fi que inunda nuestros oídos. La alianza de estos dos neoyorquinos se traduce en The Demos y su disco debut, haciendo honor a su nombre, Lovely.
Pocos títulos se amoldan tan bien a su contenido y es que la colección de 12 temas que nos ofrece este dúo es para quitarse el sombrero. Power pop de manual, del que hace tiempo que no escuchamos, con estribillos tarareables, con melodías pegadizas y con energía guitarrera para parar un tren.
A veces suenan a la cara más gamberra de The Cars o The Posies y otras veces a los resplandecientes Beach Boys, pero siempre con el pop por bandera. Con discos así es difícil no venirse arriba.
Aunque no fuera hasta el año pasado que vio la luz su debut en formato largo, “Meet Me At The Muster Station” (Paper Bag, 2010), la carrera de los indie-rockers canadienses PS I Love You se remonta a mediados de la década pasada. Antes de llegar al álbum, Paul Saulnier y Benjamin Nelson habían publicado un puñado de singles y temas desperdigados por discos recopilatorios que no todos sus fans más jóvenes conocen. Por eso, la pareja ha decidido reunir parte de su producción menos conocida y “apócrifa” en “Figure It Out (A Collection Of Singles And EPs By PS I Love You)”. El disco juntará once temas que no formaron parte de su álbum debut, como es el caso de su reciente colaboración con el andrógino John O’Regan (alias Diamond Rings) y alguna que otra versión de Madonna o Rush.
Stephen Malkmus siempre ha gustado de nadar a contracorriente. Esa inclinación hacia lo extravagante y una imaginativa inspiración le permitieron liderar Pavement hasta convertir a la banda en una de las más respetadas e influyentes de los noventa estadounidenses. La misma insistencia del vocalista por evitar lo convencional ha sido siempre un regalo para sus seguidores, que redescubren a cada pase detalles y variaciones imposibles incluidas en sus canciones. El californiano mantiene el don en su quinto disco de nuevo junto a The Jicks, reclutando a Beck Hansen como lujoso productor (palpable en acabados y arreglos) de quince nuevos temas entre los que despachar a gusto su peculiar tratamiento de texturas sonoras y bailes de punteos, sin renunciar a alumbrar singles potenciales como “Senator”, “Stick Figures In Love”, "Tune Grief" o la encantadora “Tigers” inaugurando la escucha. “Mirror Traffic” no es un disco de Pavement, pero se le parece lo suficiente como para argumentar que, por talento y fantasía, Malkmus es un tótem icónico dentro del indie norteamericano.
Ryan William Linch y Hannah Hunt se han convertido en una de las promesas más firmes del pop de esto días. Sus pegadizas canciones en las que apenas utilizan unas cajas de ritmos; unas guitarras, y unos teclados, han conseguido llamar la atención de los medios más cool de su país, y blogs como Stereogum los ponen por las nubes a las mínimas de cambio. No es para menos, ya que son uno de esos grupos a los que parece que no les cuesta nada hacerte una estupenda colección de canciones pop.
En Invitation se han tomado las cosas un poco más en serio, y han ampliado la banda hasta al quinteto, consiguiendo así llevar sus influencias más allá del pop ochentero de Aztec Camera o Felt. Eso sí, siempre con la década de los excesos estilísticos en el punto de mira. Esta vez, los de San Francisco suenan más compactos y engrasados, y eso se nota bastante en canciones como Where We Trip The Light, donde se fijan en esos artistas mainstream de aquella época que se dejaron seducir por el rollo más étnico – Peter Gabriel o Paul Simon -, y en The Hoop Of Love, que casi parece una canción firmada por Roddy Frame.
Lo que no me esperaba de este trabajo es que fuese tan ecléctico, y mucho menos que me sorprendieran con canciones como The One That You’re With, donde se descuelgan del resto del álbum, con unas guitarras de lo más sucias, y una base rítmica casi tecno. Como tampoco me esperaba que se les diese tan bien reivindicar los ochenta más petardos: Darling Girls, Lady Is Sleek and So Petite (esa parte tecnazo me vuelve loco) y Already Know That It’s Nice, son de lo mejor del disco. Además, nos dejan alguna que otra preciosa balada como Mike Time For The Boy, y por supuesto, temas que más tiran a lo que hacian en el estupendo Young At Love And Life Ep (She Can Boss Me Around o Take A Bow).
Grata sorpresa la que Grises, este grupo guipuzcoano, nos ha dado este año estrenándose con 'El hombre bolígrafo'. Este grupo compuesto por cuatro chicos y una chica, nos trasladan a esa fiesta nocturna en al ático de un misterioso conocido/desconocido en la que sólo nos dejamos llevar por el sonido brillante, el ambiente lúdico y las letras frescas de un álbum repleto de luz. Nueve canciones de una factura sorprendente para un primer disco; con reminiscencias al sonido de los ochenta y a grupos electro-pop; ambientes y texturas perfectamente transmitidas en lo que a lo instrumental se refiere; alimentadas de positivismo y un 'buenrrollismo' evidente y que cargarían la energía hasta del más desenchufado.
En la primera escucha corres el riesgo de quedar destrozado, y para cuando suene “Vomit” a la mitad del metraje es posible que hayas tirado la toalla. Por suerte para nuestra salud, “Father, Son, Holy Ghost” no es el disco doble que Girls habían anunciado. Sin embargo, suena pesado como si valiera por dos. Cuesta digerir sus crudos 54 minutos de una sentada, pero cuesta porque Girls no escriben canciones para oídos casuales sino para oyentes dispuestos a comulgar con su dolor hasta el fondo, a dejarse pinchar por cada espina. En ese sentido, es un álbum-religión. Un vía crucis o un valle de lágrimas en el que el arrollador talento como compositores de Christopher Owens y Chet Jr White no se doblega ante nada. Ni teme conceder a sus nuevas canciones lo que estas le pidan –desarrollos dilatados de gesto antipático–, ni necesita esforzarse en embellecerlas. A Girls la honestidad brutal parece desprendérseles de encima sin quererlo y su alcance expresivo triunfa sin máscaras. Magno, verdadero.
Rotos por dentro, aquí se resarcen de todos sus pesares. Lo hacen de forma visceral, huyendo del exotismo de “Broken Dreams Club” y del eclecticismo de aquel bombón llamado “Album”. Pero no teman: no se han olvidado de nosotros y se guardan de hacernos el tormento soportable con píldoras de pop amable que ayudan a no claudicar. Inteligentemente salteadas por el repertorio están la fabulosa “Honey Bunny” para coger aire –cumpliendo la misma función de apertura que “Lust For Life” en el disco anterior–, “Saying I Love You” o la sencillamente perfecta “Magic”, perfumada con un seductor aroma cincuentas. Son los temas menos graves del disco y los que hablan de posibilidades, aunque sean recónditas, de encontrar la felicidad. La mayoría del resto de cortes hereda el tono catártico y masoquista de “Hellhole Ratrace”. “Die”, “Vomit”, “Forgiveness” o “Just A Song” lo dicen prácticamente todo desde sus títulos. Hablan con letras secas sobre amores irrecuperables y su desidia se escucha con el corazón en un puño, como un quejido ajeno por el que sentir compasión.
Menos lustroso que en sus otros lanzamientos, el sonido del grupo ha ganado en ardor. Siguen presentes esas genialidades en forma de detalles que ya caracterizaron a su debut, entre otras, sonar importantes con apenas unos acordes y el vacío de por medio (“Jamie Marie”), unir milagrosamente los agresivos solos de guitarra de “Die” con la tierna “Saying I Love You” o permitirse despertar a “Forgiveness” de su bajona cuando ya lleva suplicando cinco minutos y medio. Pero lo mejor de las canciones es que, más o menos digestivas, todas purgan por igual. Son cuchillas cortavenas pero su filo se siente en la piel como el de una necesaria redención. El conjunto al completo suena como un rezo dirigido a alguien imposible de alcanzar, y el listado de letras, transcrito al completo en la portada, certifica dicho tono salmódico, además de servirnos para emparentar a los de San Francisco con los Spiritualized más gospel. También con el melancólico glamour de los Pulp más crepusculares o con la abisal desolación de Big Star. Girls conocen perfectamente esas sendas y, lo más importante, saben hasta donde pueden llegar al atravesarlas. No sólo se han crecido con once gigantes nuevos temas, sino que se han fortalecido instrumentalmente demostrando que su cancionero resiste mejor los envites cuanto más desnudos los enfrente. Sin maquillaje que valga para tapar las cicatrices.
Veronica Falls se han tomado con bastante calma lo de sacar su álbum de debut, pero por fin lo tenemos por aquí. La banda de Londres lleva más de un año sacando estupendos singles, y poniéndonos los dientes largos con canciones como Come On Over o Found Love In Graveyard. Gracias a eso, se han convertido en la gran esperanza del pop británico, que últimamente estaba un poco de capa caída, y este trabajo es una de los lanzamientos más esperados de este 2011. Algo que no me extraña en absoluto, ya que suenan estupendamente. Además, poco tienen que ver con el pop que se está haciendo en las islas en los últimos años, y es que ellos tiran más al rock americano de los cincuenta, y el pop británico que hacían algunos de los grupos del C-86.
En este álbum de debut han metido prácticamente todos los singles, con lo que tan solo nos encontramos con siete canciones nuevas, pero da igual, ya que todos esos sencillos son maravillosos, y era necesario recopilarlos en un disco largo.
A pesar de que los metamos en el carro del nuevo noise-pop y él lo-fi, no suenan como el resto de estos grupos. Su fuerte influencia del rock de los cincuenta y sesenta, les hace diferentes, y gracias a eso, consiguen sonar de lo más frescos. Canciones como Right Side Of My Brain, Misery o Wedding Day son de lo mejorcito que he podido escuchar en los últimos meses, y junto a esos singles, convierten a este homónimo trabajo, en uno de los grandes debuts de este año. A lo mejor pecan un poco de repetitivos, pero aun así, es uno de esos discos que se te pasan volando y que te dejan rendido a sus pies con un par de escuchas.
Estama semana recibía un e-mail de un colectivo de reciente formación denominado Víctimas del pop desde el que "queremos juntar y reivindicar la música underground maquetera española que tanto nos gusta y a la que aveces es tan dificil seguirle la pista".
Han realizado una selección con algunas de estas bandas y acaban de publicar el recopilatorio a través de Bandcamp en descarga gratuita. "Con gustos oscuros y reminiscencias de otras etapas musicales que ya pasaron a mejor vida, Volumen 1 tiene un poquito de cada casa; de cada sotano mas bien".
Dani Machín y Cris Santana cruzaron un día sus vidas para hacer música. El rock británico y la chanson francesa aparecían de manera espontánea en cada canción que escribían. En su camino se cruzaron dos almas con ganas de participar en elproceso de construcción de una banda que desde sus inicios apuntaba maneras y auguraba un futuro prometedor. Alby Ramírez (guitarra) y Sergio Miró (batería) se involucraron en la banda hasta la médula, y el camino emprendido desdeentonces les ha llevado a firmar una proyección envidiable y que tuvo su primer punto de inflexión tras su participación en el concurso de bandas Heineken Greenspace, que ganaron en 2009, que les permitió afrontar la grabación de su disco debut con garantías.
El grupo se completa con la presencia en los directos de dos músicos de largo recorrido en Canarias, el bajista Marco Valero (componente también de The Good Company) y Coré Ruiz (The Amaroses), quien se hará cargo de los teclados, bases y ruidos varios.
The Birkins se estrenaron con un single titulado Chloé, una sugerente propuesta musical, sustentada en sinuosas melodías cantadas en francés (uno de los dos idiomas elegidos por la banda para sus textos), en la contundencia de su manto de guitarras, en la sofisticación de sus arreglos, y en los latigazos puntuales de feedback y psicodelia. La Cara B de este single digital, Poptimist (Acoustimist version), es la versión desnuda de uno de los temas que podrá escucharse en todo su esplendor en su debut, interpretado para esta ocasión por los vocalistas de la banda –Daniel Machín y Cristina Santana- con la única compañía del teclista.
Frapuccino Lovers es el tema escogido como segundo single de los canarios, una canción que, a diferencia de su primer sencillo se presenta en inglés y con la colaboración de lujo de la cantante norteamericana Dayna Kurtz, que une su escalofriante voz a la de Daniel Machín. Los dos cantantes dan un toque melancólico a la melodía de pop colorista de la canción, sostenidos por un groove sólido, y por sutiles guiños a Ziggy Stardust, cortesía de la producción de Paco Loco. La Cara B de este segundo sencillo digital corresponde a una versión acústica del Come On Let’s Go de los ingleses Broadcast. Un tema inédito protagonizado por la voz de Cristina Santana que The Birkins grabaron con la ayuda de Álex Labao en un improvisado directo en los LSP Studios y que en principio iba destinado para el programa radiofónico de Miqui Puig, Bodegas Tuyus, y que al final han decido colocarlo como cara B del single.
El debut en largo de The Birkins, esperado tras estos dos singles, ha sido publicado esta semana con nombre homónimo.
