“Juegos de Invierno”, tercero en la carrera de los de Canals. Con un delicado, definido y muy cuidado arte final , grabado y mezclado en enero de 2011, ve la luz tras varios intentos fallidos y prudentemente desechados con la única intención de alumbrar un trabajo bien hecho y del que la banda se sintiera completamente satisfecha. El resultado es un total de siete canciones inteligentemente ordenadas, con las que Copo han firmado el que es su disco más exultante, denso y a la vez optimista de su trayectoria, y en el que se atisban nuevas trayectorias e intenciones, sin abandonar las líneas maestras sobre las que ya se movían.
Un sonido impecable, elegante, de un fulgor tenue y una luminosidad gris, respetuosa –y consecuente- con el carácter pretendidamente adusto del sonido Copo. Un nuevo disco de estos valencianos que debe colocarlos en el lugar que se merecen y en el que han apostado, una vez más, por la autoedición, única opción posible cuando el grupo quiere centrarse en lo que es su única responsabilidad: crear canciones. El resto, es industria, y a otros compete.
Tercer disco en solitario de Tyler Ramsey, guitarrista de Band of Horses, titulado The Valley Wind. Americana en estado puro en un proyecto con el que lleva desde que su banda publicara el exitoso Cease To Begin. Que nadie se asuste que esto no quiere decir que Band of Horses vayan a separarse, es más en principio están ya trabajando en canciones para un nuevo disco. Aún así que Tyler Ramsey no se despiste mucho, a sabiendas de lo que le ha pasado a Kele Okereke con Bloc Party.
Dieciséis años después de la publicación de su primer disco, que se dice pronto, ojo, es digno de elogio que The Ladybug Transistor, tras esa injusta etiqueta de simples artesanos del pop que parece querer rebajar sus logros, aun tengan cosas que decir. “Clutching Stems” es la prueba, un disco que reinventa la fórmula de los de Brooklyn al arropar su coqueto cancionero de inspiración sixties con guiños a los grupos británicos de los ochenta de más pedigrí y acabado preciosista. La sombra de Felt, House Of Love y The Bluebells, entre otros, es evidente a lo largo de todo el álbum, teniendo su cumbre en las guitarras cristalinas de canciones enormes como “Light On The Narrow Gauge”, “Fallen And Falling”, “Breaking Up On The Beat” y “Ignore The Bell” (esta última con guiño final al “Gypsy” de Fleetwood Mac”). Difícilmente se podrán quitar otra de las etiquetas que les persiguen, la de banda de culto, pero desde luego que este “Clutching Stems” deja bien a las claras que la banda capitaneada por Gary Olson es mucho más que una simple factoría de buenas canciones. Aquí, además de eso, hay emoción y un toque único.
Asumamoslo, los Marea de Besos de Perro (2.002) no volverán. Aquel disco, el tercero en su carrera, fue sin duda su momento cumbre y uno de los mejores discos de rock urbano que se han hecho en este país. Después le siguió 28.000 Puñaladas (2.004), otro disco excelente donde los pamplonicas, sin embargo, levantaban el pie del acelerador y ofrecían un disco con menos fuerza que los anteriores, ya no sonaban tan rabiosos.
Cinco años habían pasado desde la publicación de su debut con La Patera (1.999). Cuatro discos en el mercado y una carrera intachable a pesar de que no fueran pocas las voces, de la generación de Extremoduro, los Platero y compañía, que renegaban de la banda Navarra considerándoles una burda copia. Nadie dijo que pretendieran inventar un nuevo estilo musical, Marea simplemente hacían (y hacen, por supuesto) rock, muy buen rock, el rock que ellos habían escuchado toda su vida.
En 2.007 presentaban su quinto disco de estudio: Las aceras están llenas de piojos. Unas pocas canciones para incrementar el repertorio del grupo en directo y, para mi, poco más. No solo seguían con una marcha menos sino que a nivel compositivo habían dado un paso atrás.
Y prácticamente en la misma línea que el anterior continúa su nuevo disco, En mi hambre mando yo, publicado el pasado 27 de septiembre. Siguen sonando a Marea, siguen siendo muy rockeros, siguen haciendo buenas canciones... pero no acaban de enamorar. Y, por supuesto, siguen un nivel por debajo de lo que han mostrado hasta ahora. Me gustaría poder decir otra cosa, quien me conoce bien sabe que es una banda a la que tengo un gran aprecio, pero basta darle una nueva escucha a las antiguas Venas con humo y palabras, Canto de tierra seca II o Trasegando para darse cuenta de que no es lo mismo, ni en fondo ni forma.
Dicho esto, y tratando de ser justos, el problema viene por la comparativa con lo que Marea ha hecho en el pasado. A pesar de la desilusión que puede provocar este disco, sigue siendo un disco recomendable y sigue siendo mejor que la mayoría de discos de rock urbano que se han hecho en España en la última década.
Tras un gran debut, con una excelente acogida de público y crítica, vuelve Chickenfoot, el supergrupo formado por los ex-Van Halen Sammy Hagar y el bajista Michael Anthony, vocalista y bajista respectivamente, junto con el virtuoso guitarrista Joe Satriani y Chad Smith, batería de Red Hot Chili Peppers. Este último, por sus compromisos con los californianos, no podrá acudir a la gira de presentación del disco, donde el sustituto a las baquetas será Kenny Aronoff.
El disco en cuestión lo han bautizado como III pese a ser el segundo álbum de la banda. No me preguntéis por qué. Un álbum que he de reconocer que me ha decepcionado, pese a parecerme un buen disco con algunos momentos realmente brillantes, especialmente en los cortes Lighten Up, Up Next y Something going wrong. Aún así, como digo, esperaba más, me ha parecido demasiado plano, carente de emoción y falto de personalidad.
Si ayer hablaba de la reedición del Nevermind de Nirvana, hoy le toca a sus vecinos Pearl Jam que andan celebrando otro vigésimo cumpleaños. Concretamente de su álbum debut Ten, que ni que decir tiene que es otro de los discos imprescindibles de los noventa.
Entre los "festejos", la banda de Eddie Vedder nos presenta un documental sobre su carrera, llamado Pearl Jam Twenty, estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto el pasado 10 de septiembre y que saldrá a la venta en DVD a finales de octubre.
El documental ha sido realizado por Cameron Crowe, que como periodista musical puede presumir de ser el colaborador más joven de la prestigiosa revista Rolling Stone, pero que como director y guionista de cine ha sido el responsable de destrozar Abre los ojos de Amenábar (en Vanila Sky) o de ofrecernos otras "maravillosas" películas como por ejemplo Jerry Maguire. Al menos para el presente documental afirma haberse inspirado en la excepcional presentación que Martin Scorsese realiza de Bob Dylan en No Direction Home.
No puedo evitar mencionar que el documental cuenta con la colaboración de David Lynch, un director por el que siento especial debilidad, entrevistando a Eddie Vedder. No os podéis perder el momentazo en el que Eddie Vedder tiene que responder a una de las preguntas de David Lynch. Lo podéis ver en el trailer al final del post.
Si no estoy equivocado, el documental no será estrenado en cines en España como sí ha pasado en USA, Canadá y Argentina, por lo que hasta que salga el DVD podemos ir calentando motores con la BSO de la cinta.
Wilco es, por derecho propio , una de las formaciones en activo más serias y respetables que puedan encontrarse. A medio camino entre banda de culto y un clásico de la presente generación -si es que no son ya ambas cosas-, y a razón de un disco cada dos años, los de Chicago son todo un seguro en cuanto a calidad y regularidad.
Tras unas primeras escuchas, uno comprende que, lamentablemente, es muy dificil superar joyas como Yankee Hotel Foxtrot (2002) A Ghost Is Born (2004) o Sky Blue Sky (2007). Y es que seguramente The Whole Love, tal vez por ser un disco algo más lento y denso que sus predecesores, queda algo insípido en comparación. No hay, en todo el álbum, ningún tema tan directo y memorable como en su día lo fueron “Jesus Etc.”, “Via Chicago” o “Impossible Germany”. Tampoco encontramos piezas rompedoras y sorprendentes como “I’ll Fight” o “Ashes of American Flags”. Dicho esto, y despejado el enigma de si Wilco habían vuelto a superarse, no hay razón para no disfrutar con The Whole Love como el muy acertado disco de baladas folkies que es. Con una musicalidad trabajada hasta el mínimo detalle, los cortes del disco destacan por su variedad: temas simpáticos y coloristas como “I Might” (el primer single), “Dawned On Me” o la homónima “Whole Love” contrastan con piezas más tenues y delicadas como la romántica “Open Mind” o la casi instrumental “Black Moon”. Como cierre, destaca “One Sunday Morning (Song For Jane Smiley’s Boyfriend)”, una preciosa canción folk cuya agradable escucha únicamente se puede ver mermada por su duración (12 largos minutos).
En el momento de revival noventero que nos encontramos, Universal publica una reedición Super Deluxe (no lo digo yo, lo llaman ellos así) del considerado por muchos como disco más importante de rock de los noventa, el Nevermind de Nirvana, aprovechando que este mes se cumple el 20 aniversario del mismo. Suelo desconfiar de las reediciones, ya que me suenan a excusa para hacernos pasar por caja, pero acabo de darme cuenta que ningún disco de Nirvana ha aparecido en este blog y eso sí que tiene delito.
El pack en cuestión está formado por 4 cd's con 70 canciones, 35 de ellas supuestamente inéditas, un DVD del concierto en el Paramount Theatre de Seattle, un libro de 90 páginas y un póster. En los cd´s encontramos, además del propio disco, caras B, demos, directos, mezclas alternativas y demás rarezas. También se mantiene la portada, con el que me atrevería a decir que es el pene más visto del mundo, tras la polémica que tuvieron no hace mucho con Facebook.
Lo mejor de este pack es la "suciedad" de muchos de los nuevos cortes que ponen un contrapunto al sonido excesivamente pulcro que resultó de la mezcla definitiva del álbum. Lo peor es que vuelve a recordarnos que el grunge ha muerto.
Aurora nace en Granada a mediados del año 2011 formado por José Alberto Solana (batería y percusión), Javier Bolívar (guitarra, voz) Julio Bolívar (guitarra, coros) e Ignacio Buhigas (bajo). De momento han tocado junto a grupos como The Wave Pictures o Lêda Tres y ha actuado dentro del Ciclo Wild Weekend en Málaga compartiendo cartel con Pony Bravo y Nudozurdo entre otros. También han sido finalista en los concursos del Festival Contempopránea y el Festival Ojeando. También ha sido incluido en los recopilatorios del Contempopránea 2011 e IndieSpain Magazine.
A principios de 2011 pueblican el EP autoeditado Astromelia mezclado y producido por Jaime Beltrán (Pájaro Jack) y masterizado por Paul Grau (Lagartija Nick, LoriMeyers..) en los estudios Gismo 7. En verano de este mismo año la banda se autoproduce y publica una demo llamada Vértigo.
Suecia vuelve a asomarse por estos lares y no podía ser de otra forma que de la mano de Jens Lekman. The Swedish Crooner, como se le ha llamado alguna vez, lleva una carrera envidiable y sobre todo después de aquel Night Falls Over Kortedala de 2007 que tanto hemos escuchado.
Cuatro años han dado a Lekman tiempo para girar, descansar, colaborar y volver a crear. En concreto cinco canciones de una talla brillante donde el pop barroco se deja querer con los ritmos tropicales, recogidas en el EP An Argument With Myself. Pocos cantautores utilizan el talento y la ironía como este sueco, que juega como quiere en una liga donde compiten los más privilegiados.
Esto debería ser el aperitivo del próximo largo de Jens Lekman, aunque escuchando Waiting For Kirsten o la propia An Argument With Myself, tenemos tiempo para disfrutar.
Muy joven, dulce y con una cabellera dorada que atesora una voz madura. La tercera entrega discográfica de Laura Marling es algo más que la confirmación dentro del folk británico. “A Creature I Don’t Know” se cobija bajo las melodías calmadas y añejas que salen de la aterciopelada garganta de Marling. Cercano al recuerdo de Nick Drake, canciones como “Sophie” o “Salinas” beben directamente de la literatura de John Steinbeck y Robertson Davies asegurando así un rico contenido lírico en todas y cada una de las canciones. Sin embargo, y lejos de sonidos acústicos, “The Beast” es el contrapunto al colchón relajado de todo el cancionero que compone este álbum. Una historia en la que la propia Marling se reconoce como una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde. La ternura dramática también tiene su espacio con la sobrecogedora ‘Rest In The Bed’, narrando la historia de una madre hablándole a su hijo nonato. Y como no, el amor y la heroicidad al frente de ‘Don’t Ask Me’, una verdadera belleza vocal que atraviesa el cuerpo de punta a punta. Con grandes experiencias a tenor de su edad, Laura Marling se afianza como un nuevo bastión dentro de las voces femeninas.
Desde luego, a originales no les gana nadie! Hablamos del título elegido por los sevillanos Full, para su puesta de largo y presentación en sociedad. 7 meses en la caseta del perro, es el curioso título del primer Ep, de este quinteto andaluz, al que habrá que seguir de cerca.
Pero más allá de la originalidad del título, 7 meses en la caseta del perro, nos presenta a una banda seria, curtida, con estilo propio y con un sonido redondo adquirido con el paso de los años.
Y es que aunque lancen ahora su primer Ep, full -otrora La Fábrica-, llevan tiempo trabajándoselo sobre los escenarios. Precisamente de la búsqueda de ese nuevo sonido, surgió esta nueva formación, con mismos integrantes, pero con nuevo concepto e identidad.
El resultado, 5 enérgicas canciones, llenas de vitalidad y de energía, con acertados medios tiempos. 5 Canciones, que desprenden luz y color. Aire fresco para el indie nacional, con ritmos poperos que resultan cercanos y tintes rockeros que desprenden buen rollo. Letras accesibles, melodías pegadizas, buena instrumentación y una gran voz, es la carta de presentación de este grupo al que habrá que seguir de cerca.
Puede parecer que Florent y Banin se han desmarcado mucho de Los Planetas en este proyecto paralelo, una propuesta instrumental que combina texturas electrónicas y orgánicas. Suena diferente porque tiene distinta forma pero en el fondo comparte el mismo origen. Y es que ¿quién le pone vallas a la psicodelia? Spacemen 3 no están lejos de Suicide, New Order son Joy Division un año después, Death In Vegas, Primal Scream, Animal Collective, Can, Neu, el kraut-rock... todos tienen algo en común y eso es lo que sintetizan Los Pilotos.
Son pilotos, sí, pero no van a toda velocidad en Fórmula Uno, más bien conducen un simulador de vuelo en el que crean una realidad virtual como un paisaje circulando por la pantalla. No se trata de música decorativa, es música que crea un espacio propio, como una instalación de arte en la que te encuentras en el centro. De hecho, en ocasiones tiene un fortísimo poder visual que pide a gritos un trabajo plástico a la altura (el disco es una mina para el videoarte). Otras veces transmiten una euforia sin sobresaltos pero contagiosa, como la descarga eléctrica de meter los dedos dentro de un enchufe amortiguada por la serenidad de estar dentro de una nube narcótica. Porque el disco en el fondo es una propuesta eminentemente psicodélica, llena de laberintos, estratos de sonidos hipnotizantes y un fantástico trabajo cromático en el ritmo, sin abandonar en ningún caso la melodía, ni las armonías pegadizas ni siquiera el romanticismo del pop. Florent lleva muchos años pinchando música electrónica que derriba las barreras entre el pop de guitarras, la psicodelia shoegazer y el ambient-tecno. Banin es un amante del kraut-rock, los primeros sonidos electrónicos analógicos y la música de películas.
El tercer álbum entregado por la enigmática banda de Baltimore desde el año 1993 no resulta poseedor de ninguna dote grandilocuente que vaya a destacarlo forzosamente en las portadas de la prensa especializada. A cambio su escucha resulta accesible y francamente gratificante, con una equilibrada mezcla de delicado shoegaze, pop ensoñador y ramalazos folk que ensimisma y convence sin atisbo de duda. Es el excepcional valor de aquella obra creada con sentimiento y acierto, incluyendo nueve cortes cocinados a fuego muy lento, con especial cuidado en evitar que prisas y agobios estropeen una receta encantadora. Los norteamericanos logran seducir al oyente tras compartir esas sensaciones gracias a la belleza de composiciones engalanadas por las voces compartidas de Marc Ostermeier y Tanya Maus, principales artífices del proyecto. Un disco en el que apetece zambullirse una y otra vez para empapar la mente de su placidez latente, mientras se descubren detalles inéditos a cada nueva inmersión disfrutando de la herencia imprescindible de formaciones como Galaxie 500 o Yo La Tengo.
Doce canciones inspiradas en Edgar Allan Poe componen este álbum con la música de la obra que ha representado en el teatro en compañía de Juan Echanove. ‘A Dream Within A Dream’, que sirve de apertura al nuevo trabajo de la mallorquina, comienza con un precioso piano mientras la voz de una melancólica Maika permanece en un segundo plano. Con ‘Only Innocence is Capable of Pure’ Maika cambia radicalmente no solo de registro sino también de actitud. Mientras, en ‘We Are Alive’, la mallorquina seduce con un blues secundado por el piano. El disco se cierra con la titular ‘Disappear’, una canción que vuelve a mostrar que Maika no decepciona en las distancias cortas, en este caso cuando más vulnerable parece.
Tras la primera escucha de este trabajo, una sensación de optimismo destaca entre las demás, y no sólo por la composición de armonías y estructuras, por los arreglos cuidados y medidos, por su forma de evitar el exhibicionismo: es optimista porque entienden el trabajo de escribir canciones como una forma de unirse a la tradición. Hacen que la tradición de letristas y escritores de canciones se retroalimente y, de ahí, el optimismo.
El camino contemporáneo de los Rusos Blancos describe imágenes mimadas, lugares comunes desde el despertar de una generación. Uno puede encontrar la depresión de un hombre enamorado, algo así como una obsesión, de la que sólo puedes salir con el devenir del parte meteorológico.
El uso del tabú en los títulos esconde la delicadeza de un argumento sencillo: Carrera de lesbianas es una competencia sentimental en la que todos nos reconocemos y que termina con la sentencia clásica del “ya te llamaré yo”.
Su uso de las palabras y tendencias culturales no parece una pose, sino una evidente huida hacia delante, una vez más una forma de pasar por el tabú con el tamiz del Pop. Carrie y los malos pensamientos como atractivo esencial de los compañeros de clase y las eternas tardes de la infancia. Es como si las meriendas tuvieran bocadillos bomba, algo que te puede sacar de la monotonía infantil, una escapada que, de adultos, confundimos con el amor.
Una novia depresiva acompañada por un buscador de fallos de los compositores del siglo XX articula algo perverso. Una perversión que, mientras la gente que nos dedicamos a esto de hacer canciones ocultamos entre nuestros propios fallos, los que simplemente viven la disfrazan con trajes de color negro o en poemas de Nick Drake.
Mención especial al tema Tus padres, tu novio, tú y yo. Es la canción más elaborada, la de mejor producción, la que usa más recursos. Comienza con un ambiente propio de Los Tenenbaums. Fuera de plano surge una secuencia de arreglos bien cuidados y de armonías clásicas casi sacadas de Tri Phi Records. Luego, una idea fundamental: ante las situaciones incómodas, esas en las que sabes que vas a perder; sabes que cualquier palabra tuya bastará para condenarte, la estrofa reza “Tú y cuantos como Tú”. En otras palabras, la masculinidad puesta en evidencia. Ironía del momento de las grandes elecciones, restos de la historia de la mitad de los matrimonios que ya fueron y los que están por venir.
Comida para gatos supone una paradoja incómoda entre armonías de libro. Las ideas mal intencionadas son uno de los recursos fundamentales de los Rusos Blancos. ¿Por qué lo bueno se derrite sin dejar rastro y lo malo siempre deja pistas en habitaciones desordenadas?
El uso de iconos venidos a menos de la cultura Pop es algo fundamental, porque expresan la vergüenza de qué hacer con tu primera novia, la técnica del beso, la dualidad de “ojos abiertos o la osadía desubicada de abrirlos”. En resumidas cuentas, Gorka o Cabano. La vanidad hecha actualidad en el mero hecho de las chicas de “Física o Química” tarareando una estrofa de Supermodelo; en esta ocasión, iconos venidos a menos usando a los Rusos Blancos.
Otro de los atractivos constantes es el desamparo propio y generacional. Si dios no está, tiene que haber un guionista, por lo menos para momentos transcendentales como la primera vez.
Si quieres me quedo analiza la desazón de las esposas de los héroes. Nada nuevo bajo el sol, pero la forma de tratarlo alberga delicadeza, ejercicio de estilo y un contundente mensaje. Todo resumido en la tranquilizadora confidencia “no les dejo entrar cuando me traen de vuelta a casa”.
Y para terminar Normandía, porque siempre fue algo más que una playa.
La totalidad del disco es un compendio de piezas bien trazadas y mejor aconsejadas por la sabiduría de Paco Loco, lo que se nota en los colchones donde duermen las estrofas y, en definitiva, en el optimismo de soslayo. A veces, con arreglos de cuerda; a veces, en los coros mezclados entre chicos y chicas; a veces, en las inversiones originales de los acordes. En definitiva, en la maestría del “a veces”.
Si de algo se puede acusar a Kasabian, desde luego no es de cobardía. Los de Leicestershire han alardeado mucho de su música, de lo diferentes que son, de lo atrevido de su sonido, pero los que los hemos seguido desde el comienzo, aún con las decepciones que hayamos podido sufrir, podemos asegurar que su sonido siempre ha estado un paso por delante, innovando y reinventándose.
Y si; los dos primeros trabajos sonaron algo más similares, pero West Ryder Pauper Lunatic Asylum ya rompía en cierto moco con la línea general de aquellos y este cuarto, que han dado en titular Velociraptor! viene a confirmar que Serge Pizzorno y sus chicos no tienen complejo alguno, y que si hay que avanzar, se avanza, sin miedo a lo que ocurra después y aunque tengas una buena base de fieles a tu sonido. Y eso no es algo a lo que todas las bandas bien asentadas están dispuestas en estos días de crisis de ventas.
Lo mejor de todo en este caso es, por un lado, que los alardeos de Pizzorno no son pura verborrea vacua de significado: aquí hay motivos para sacar pecho, y por otro, que los seguidores de Kasabian no se sentirán defraudados en ningún momento, aunque sientan que les han dado un trabajo diferente, que sólo se acerca a los anteriores en momentos puntuales.
La espera tocó a su fin. Como fan de Rage Against The Machine y Audioslave, el tercer disco de estudio (sin contar el EP Union Town de este mismo año) de The Nightwatchman era una gran noticia, porque está visto que, a pesar de la vuelta de RATM, no nos van a ofrecer nada nuevo por el momento. Tras su debut en solitario en el año 2007 con One Man Revolution y su continuación en 2009, Fabled City, el gran guitarrista Tom Morello había dejado en una esquina a su alter ego más folk hasta el pasado 30 de agosto. Con World Wide Rebel Songs (New West Records, 2011), Morello vuelve con su música rebelde y combativa.
Hay una diferencia fundamental entre este y los dos anteriores trabajos del artista: la guitarra eléctrica. Parece que no pudo resistirse a incluirla, o quizás es que creía que con ella las canciones tendrían la fuerza necesaria para llegar a un público todavía mayor. Precisamente una de ellas es la rockera It Begins Tonight, de la cual ya teníamos un adelanto hace un par de semanas.
No obstante, este es el tercer corte del largo, pero antes hay otros dos grandes temas: Black Spartacus Heart Attack Machine y The Dogs Of Tijuana. En la primera podemos apreciar de nuevo el cambio: baterías y guitarras acústicas y eléctricas mezcladas con la armónica que tanta presencia tenía en One Man Revolution. Por otra parte, los perros de Tijuana son una vuelta a los comienzos de su carrera como solista. Con un cierto toque country, e incluso con algún aullido del propio Morello imitando a un cánido, nos cuenta una de las muchas historias que tan solo el sabe explicar. Porque Tom no canta, Tom habla. Te cuenta historias lejanas que te hace sentir como cercanas como siempre hizo, con ese aire reivindicativo que ya le viene de tiempo atrás.
Toro de El Columpio Asesino ha sido sin duda una de las canciones de este 2.011, canción incluida en el último disco, Diamantes, de la banda pamplonica. Ayer se publicaba Toro Remixes, que como su nombre indica incluye varias remezclas de la canción realizadas por varios artistas latinoamericanos.
Napoleón Solo, galardonados con el peremio Artista Revelación en LAMC este verano, tienen material nuevo. Dos canciones en formato demo de adelanto de lo que será su próximo disco, esperado para principios del año que viene y que debería confirmar las buenas sensaciones que dejaron en su disco debut. Desastre nº1 y Antes de que ocurriera son los títulos de las canciones. De momento tiene buena pinta.
Peachy Joke es el nombre de una banda afincada en Barcelona pero que proviene del País Vasco. Los descubrí cuando telonearon a The Gaslight Anthem el pasado 7 de julio y desde entonces no he podido dejar de escuchar sus discos. Estos cinco chicos, nos ofrecen un rock alternativo con aires 60′s y 70′s. Influenciados por el sonido de The White Stripes, tienen ese sonido americano de rock garajero.
Apenas han sacado este nuevo disco, Asian Tiger Mosquito. El 2011 lo tienen bien cargado de conciertos, no hace mucho telonearon a ZZ Top en Barcelona. La clara influencia americana se denota en sus guitarras y en esa armónica a cargo de Gere. Su tercer disco está grabado en Montreal y masterizado en Atlanta, en el estudio Rodney Mills Masterhouse donde han trabajado con bandas de rock como Lynyrd Skynyrd, Pearl Jam y Oasis.
El disco arranca con dos temas 100% rock Cracked Bones y You showed me How to do, con esas guitarras contundentes, dos auténticos pelotazos que dan a entender lo que vendrá a continuación. Pero es con Black Haired Women donde se desata la locura, con ese inicio guitarrero a ritmo de la batería, muy a lo The White Stripes. Con Mosquito y Straitjacket se pausa el ritmo para volver a despegar con Blue Eyes Blues y Red Lips, de ahí hasta el final del disco, con You, un tema que difiere un poco con el resto de temas, por tocar una vertiente más “bailable” pero sin abandonar esa batería y guitarras. Con Ready to go, Forked Tongue, Correct Me y The Bell volvemos al guitarreo.
El quinteto de Oklahoma The Other Lives fue formado en 2004 y empezó siendo un proyecto de post-rock instrumental. De sus comienzos conservan la calma, las atmósferas y las estructuras bien desarrolladas, fórmula que les ha valido de sobra para salir de gira este mismo año con grupos de la talla de The National y The Decemberists y para ser recomendados (de vez en cuando acierta) por el propio Thom Yorke en su blog.
Pese a llevar 7 años como grupo apenas han editado dos discos; El año pasado su debut homónimo hizo bastante menos ruido y no consiguió las buenas críticas de Tamer Animals, que sin duda está llamado a ser uno de los discos destacados del año. Es dificil quedarse con algún tema concreto, pero Dark Horse y Tamer Animals en dónde combinan los teclados con el xilofono merecen mención especial.
Es líneas generales es un trabajo que suena muy Mazzy Star, bastante oscuro, que tal vez nos pueda recordar en determinados momentos al también genial Feel It Break de Austra de este mismo año, pero sin la electrónica y la voz de los de Katie Stilmanis. Pop de cámara rico en instrumentación lejos de estar super producido. Mucho más que recomendable.
Parece que con este segundo trabajo Israel Nash Gripka se va a convertir en el nuevo niño mimado de la americana actual. De hecho ya hay quién afirma que su disco va a estar en lo más alto de las listas de este género, y es fácil que así sea. Tan sencillo y obvio como nombrar a Ryan Adams como una de esas referencias que puede ir muy bien para que, todos aquellos que desconocen su propuesta, se hagan una idea de como suena esta joven promesa. Folk-rock elegante aunque algo inocuo. Me explico: Israel no asume riesgos y tira de un sonido clásico a rabiar. No se come la olla como Conor Oberst, Jakob Dylan o Elvis Perkins, sino que más bien lo basa todo en unos acordes muy típicos y su dulce raspado tono vocal. Vaya que se puede afirmar sin riesgo a equivocarse, que Israel es mucho más resultón. Tan resultón que sus melodías rememoran a clásicos como el Bruce Springsteen de “Nebraska” o incluso a Steve Earle. Maestros de los que se ha empapado hasta la saciedad. Y todo este baile de referencias se hace obvio a lo largo de las once canciones de un disco que entra a la primera como una exhalación. Un álbum que a nivel lírico nos habla de vidas al borde del abismo, niños desamparados tras la muerte de su madre o las preocupaciones materiales, banales o estúpidas del ser humano que olvida lo que realmente importa: el amor. No en vano Israel es hijo de un pastor Baptista que le inculcó una férrea moral y un elevado sentido del deber. Una voluntad de hierro que le irá que ni pintada para afrontar una carrera que debe buscar, con los mismos mimbres, una voz propia. Una mayor personalidad que borre de un plumazo todos los referentes y que le empujen a complicarse bastante más la vida a la hora de componer más allá de unos cánones tantas veces ya establecidos.
David T. Ginzo es el nuevo fichaje del sello Subterfuge, aunque lo de “nuevo” es algo relativo si nos atenemos a su currículum: David ha sido músico de acompañamiento en directo de Anni B. Sweet –artista preeminente del sello–, El Hijo, Sidonie, Lüger y CatPeople, así como miembro fundador de la banda Templeton. Es un currículum de lo más nutrido teniendo en cuenta que este gijonés nació en 1985, pero nada sorprendente una vez se ha entrado en contacto con su talento como multiinstrumentista y compositor, un talento que ha decidido empezar a explorar por su cuenta con el que es su primer proyecto en solitario, Tuya.
Son seis temas y cerca de 20 minutos de canciones con una doble piel; por una parte, la sensible, que se demuestra en su talento para crear música acústica cercana al folk; por la otra, la intensa, en la que Ginzo se deshace en cataratas de ruido con las que expresa todas las emociones que lleva dentro
Si hubiera que buscarle un símil fotográfico a la banda californiana Wooden Shjips sería una fotografía desgarrada, con tonos psicodélicos, puntos de desenfoque y mucho grano. Desde el 2003 la banda de San Francisco va destilando cápsulas temporales donde el rock, la psicodelia, y el garage vuelve a fluir de las calles empinadas de la ciudad norteamericana.
Ahora regresan con West, su tercer álbum de estudio, en el que vuelven a deleitarnos con ritmos recargolados e intensos, guitarras fornidas y espesas, y torbellinos psicodélicos apisonados. Atmósferas densas, tullidas y estáticas que te transportan a unas alturas y a unos tiempos muy alejados de nuestros días.
Nombrados por Stereogum como una de las bandas a seguir en 2010, los Givers llamaron la atención de Dirty Projectors cuando abrieron uno de sus shows en su natal Lafayette, Louisiana. A raíz de este afortunado suceso los Projectors los invitaron a acompañarlos en su siguiente gira, lo cual les sirvió como escalón para darse a conocer y ganar un considerable número de seguidores.
¿Pero qué es lo que ha generado todo este buzz entorno a ellos? Principalmente su enorme talento, casi todos los miembros de este quinteto son multi-instrumentalistas, y han logrado crear un sonido fresco, ecléctico, extático, festivo, rico en texturas y vocales, pero sobre todo muy divertido, todo esto dentro de un género que podemos catalogar como Folk Avant-Pop.
Producido por Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter) y mezclado por Chris Coady (Grizzly Bear, Beach House), In Light es un álbum lleno de temas brillantes, carismáticos, con la energía suficiente para poner de buenas a cualquiera.
Hay discos que acaban resultando un auténtico bálsamo emocional. Obras etéreas y apocadas como el reciente disco de Bon Iver o la entrega de esa super banda que responde al nombre de Fistful Of Mercy. Pues bien, este “Gentle Spirit” es desde su propio título bastante explícito, es decir, que en él encontrarás amabilidad, belleza, pero también gotas de psicodelia muy bien trazadas y sobre todo un espíritu evocador de un clasicismo nada disimulado y un verdadero amor por los setenta, el pachuli y la bondad cargada de buenas intenciones. En ese sentido el disco de Jonathan Wilson (un veterano mercenario curtido al lado de grandes como Robbie Robertson, Jackson Browne o Elvis Costello) estaría mucho más cerca de la banda capitaneada por Ben Harper y Dhani Harrison (hijo de George Harrison) que de esa extraña magia evocadora que en forma de notas es capaz de tejer Justin Vernon, y aunque tiene de ambas, el efecto Laurel Canyon acaba por decantar la balanza en canciones como la delicada “Can We Really Party Today?” por la que el más peque de los Beattles hubiera elevado unas cuantas plegarias. Pero no todo son acústicas y bellas armonías vocales en el disco del cantautor de Carolina del Norte, también hay lugar para los elegantes devaneos de guitarra a lo David Gilmour (“Desert Raven” ), para evocar directamente a la banda de este (“Natural Rhapsody”) o incluso por incursiones que tiene que ver más con Midlake (“The Way I Feel”) o Grateful Dead (“Valley Of The Silver Moon”). Música perfecta para entornar los ojos y dejarse llevar en un largo viaje a través de las sonoridades que marcaron los primeros años setenta de la California más hippie-drogota y que van un paso más allá de la empanada demostrada por Fleet Foxes en su segundo disco.
Un trabajo serio, altamente autobiográfico, cargado de historias con un claro regusto a injusticia, romanticismo y crueldad. Abierto y cerrado con dos temas instrumentales, “A Call To Arms” y “The Returning”, que resumen una antítesis tan clara como el día y la noche: un arranque tranquilo y acompasado acaba convirtiéndose, diez canciones después, en una explosión eléctrica que parece no tener fín (no en vano, dura doce minutos). Entre medio, una joya como “Seven Horses Seen“, nuestros minutos favoritos del disco, en compañía de confesiones como “My God, My God” o “The Cross That Stole This Heart Away” y guateques rockeros como “Watchman, Tell Us Of The Night”. Envolviendo semejante repertorio, “Sweetness” y “Dear Ashley” muestran la cara más nostálgica y enamoradiza de este niño que ya ha cumplido 29 primaveras y que ha bebido hasta la saciedad del Dylan de Blood On The Tracks, del mejor Cash y del siempre áspero Tom Waits, amén del genial Woody Guthrie, por supuesto.
Las expectativas eran máximas después del buen sabor de boca que dejó Some Loud Thunder y los chicos de Brooklyn se han explayado para llevar su rock a otro nivel.
Alac Ounsworth y compañía siempre han huido de etiquetas y modas, han tenido los pies en el suelo (tarea difícil si David Bowie y David Byrne confiesan que son admiradores tuyos) y no han tenido las prisas primerizas por sacar un disco tras otro.
Esa prudencia les ha llevado a firmar Hysterical después de cuatro años de silencio para conseguir exactamente lo que querían: desmenuzar su pop rock sintético hasta dejarlo desnudo y nutrir a cada canción de los matices necesarios para ser imprescindible en el disco. Un trabajo de orfebrería brillante y alegre, otro gran disco de Clap Your Hands Say Yeah.
Otro paso más en la interesante discografía de Yo La Tengo. “Electr-O-Pura” es el séptimo álbum de estudio de Yo La Tengo, tras el aclamado “Painful”. Y en “Electr-O-Pura” siguen los caminos de “Painful” canciones hipnóticas y densas que juegan con el shoegaze y el dream pop, todo ello apoyado en las voces de Ira Kaplan y Georgia.
Desde el inicio del disco se puede comprobar esto, con “Decora” a la cabeza y seguido de la electricidad más violenta de “Flying Lesson (Hot Chicken #1)”, un tema en ascensión que recuerda mucho a Sonic Youth, sin la rabia que les caracteriza. No todo es eléctrico, también hacen aportaciones al estilo de “Fakebook” con acústicos apoyados de órganos, como en “The Hour Grows Late”, o “Don´t Say A Word (Hot Chicken #2)”.
Si bien “Electr-O-Pura” es un muy buen disco, le faltan esas grandes canciones que convertían a “Painful” en una obra maestra. Otro gran disco de Yo La Tengo en una discografía impecable que se supera disco a disco.
En sólo cinco temas y con una instrumentación más que exigua, Ramirez nos cautiva y logra que algo en nuestro interior se encoja. “Strangetown” nos transporta a las llanuras de Tejas, a las desoladoramente extensas carreteras que las atraviesan, al polvo de la tarde y al frío de la noche estrellada. Como el mejor Ryan Adams de “Cold Roses”, como el brutal Ryan Bingham y como abrigado por el manto de un hombre de negro al que muchos conocieron por el nombre de Johnny Cash, el de Austin desgrana una a una las historias que relatan su vida austera y entregada por completo a la pasión por la música.
“Wandering Man”, la carta de presentación de “Strangetown”, es el único corte de talante algo más eléctrico del disco, que posteriormente se transforma en una colección de delicadísimas joyas intimistas. Temas como “Argue With Heaven” sirven para que Ramírez exhiba una habilidad vocal sobrecogedora, digna de Damien Rice, que es sin duda la absoluta protagonista de este EP de consecuencias devastadoras para nuestro equilibrio musical.
La atmosfera del EP es, con total sinceridad, de las más auténticamente adictivas que nos hemos encontrado en mucho, mucho tiempo. No es exagerado decir que nos encontramos ante una obra maestra del género y que David Ramirez es un genio que el mundo merece conocer.
“Strangetown” destila soledad y sus temas son dignos de ser enmarcados uno a uno, compás a compás. Auténticas joyas de esas que hacen que merezca la pena perder tanto tiempo dando tumbos por tiendas de discos o extrañas latitudes cibernéticas.
Mr. Slow hand (Mano lenta como se le conoce por su peculiar modo de ejecutar la guitarra, ya que parece no mover las manos), graba este disco vivo el 16 de enero de 1992 en los estudios Bray Film de Windsor, Inglaterra, para la serie MTV Unplugged. Este álbum incluye la versión acústica de “Tears in heaven” y una versión especial para “Layla” con arreglos distintos. Presenta además interpretaciones de otros autores, que han influenciado bastante a Clapton, como Robert Johnson y Big Bill Broonzy.
En Unplugged, Eric conto con el apoyo de grandes músicos como Nathan East en el bajo y el percusionista Ray Cooper. Lo padre de este disco es que es uno de los pocos que se hizo com-ple-ta-men-te acústico, es decir, sin ningún instrumento electrico o electrónico (como se hicieron muchos porteriormente). El resultado: Seis premios Grammy, incluyendo mejor canción rock del año (Tears in heaven) y mejor album del año.
A casi 20 años de haberse grabado, me parece que conserva la frescura original. Un Clapton que, aunque devastado en ese entonces por la trágica muerte de su hijo Connor de apenas 4 años, el 20 de marzo de 1991, pudo plasmar su maestría, su arte, su música en este material. Salve Maestro Slow hand. Salve Clapton.
Grushenka son de Barcelona, jóvenes a rabiar (la media de edad de la banda roza los 20 años). Cuentan en su haber con dos maquetas, grabadas en apenas año y medio de trayectoria que se pueden escuchar y descargar en su Bandcamp. Como dicen ellos: 'No se trata de inventar nada, se trata de emocionar'. Recogiendo influencias de estilos varios, con un claro acento por el noise pop y shoegaze. Su carta de presentación llegó con poco ruido en los medios, pero con mucho y del bueno en sus canciones, demostrando una calidad bárbara para tratarse de su primera maqueta. Letras irónicas y canciones tan sugerentes como 'Punset ya me lo dijo' o 'Los chicos del futuro', toda una declaración de intenciones. En su continuación natural, con 'Demo II', los temas que suenan más efectivos en una primera escucha son 'Orgullo amordazante', que nos recuerda a los primeros Planetas o 'Feliz' con gusto a pop atemporal, atmósfera de guitarras con melodias sencillas y contagiosas.
Hete aquí el álbum más celta de Mike Oldfield. Voyager es un trabajo que evoca los paisajes más frescos, tranquilos y abiertos de esas naciones celtas que nos dejaron (y nos dejan) una gran cultura y una gran música. Incluye un buen número de temas propios, unos cuantos tradicionales y uno muy especial, que es The Song Of The Sun, una adaptación del magnífico O Son Do Ar de nuestros Luar Na Lubre.
Hard-Fi tuvieron la tremenda suerte de ser los padres de Stars of CCTV, aquel cúmulo de placeres que han aguantado impertérritos el paso del tiempo que los colocó en un lugar privilegiado en la plana musical inglesa, siempre ávida de comparaciones con sus dinosaurios que no todos aguantan. Los de Surrey, sin embargo, no mantuvieron sus buenas gracias entre los acólitos de la crítica con su segundo álbum.
Killing Sounds es ese escurridizo tercer disco que, tras un resbalón, tiene sobre sus espaldas la complicada tarea de salvarlos de la quema o tirar la primera cerilla al barril de gasolina. Lejos de adentrarse en el planteamiento que los llevó a ser considerados una de las bandas más interesantes que había salido en los últimos años de la pérfida Albión, han buscado la receta del éxito buceando entre los estilos que copan el panorama actual y les han dado un sutil barniz de propiedad que, sí, cuela. Y mucho.
Max McElligott lleva haciendo ruido durante todo este 2011 gracias a EPs como Wolf Gang o Dancing With The Devil donde dejó claras sus intenciones. Temas como el que da nombre al EP o Lions In Cages han suscitado elogios por doquier a los que se ha sumado la prensa especializada norteamericana.
Su puesta de largo se ha hecho esperar y es ahora cuando podemos escuchar Suego Faults, disco debut de Wolf Gang donde recolecta los temas que ya pudimos escuchar en sus dos EPs más otra serie de temas, menos pegadizos pero igual de bailongos. Porque, no nos engañemos, Wolf Gang no es el mesías del electropop pero si tiene una buena colección de canciones para mover los pies en la pista de baile.
The Waterboys podrían haber sido tan grandes como U2. "Sí", dice Mike Scott con una sonrisa. "Pero ¿a qué precio?".
Después de tres álbumes, Scott logró llevar sus siempre cambiantes cargas a lo más alto de la montaña. Su estiloso tema "Big Music" era épico y cinematográfico al mismo tiempo, y su estrella subió tan rápido como la espuma. Sin embargo, Scott renegaba de la industria musical, renegaba de que le dijesen lo que tenía que hacer y odiaba vivir en Londres. La última incorporación del grupo, el violinista Steve Wickham, les propuso ir a Irlanda. Ahí fue, según palabras de Scott, cuando "empezó la aventura".
Fisherman's Blues es un álbum que pretende unificar la música que crearon a lo largo de tres gloriosos años de retiro. Desde las calles de Dublín hasta los bares de Spiddal, encontramos ecos de Dylan y The Band en la naturaleza de las grabaciones: la sencillez musical, la fluidez intuitiva, y el perdurable sentido bucólico y de retiro.
Irlanda -sus gentes, su paisaje y su música- lo impregna todo, desde la alegre manifestación con que se abre el álbum hasta el homenaje final a Yeats. En medio, hay valses y temas rock y una tierna versión de "Sweet Thing" de Van Morrison. "A Band On The Ear", por otra parte, podría haber sido un tema novedoso, pero suena a tema tradicional.
Este álbum es un poderoso trabajo que evidencia una sencilla alegria y una inclasificable satisfacción. Surgió de centenares de horas de grabación en cintas; lo cual destaca a un tiempo su punto fuerte y su única debilidad. Soctt intentó realizar un segundo volumen en 2.003, pero la magia, al igual que la niebla de Galway, había desaparecido.
Mata tus idolos, es un grupo Madrileño, formado en el año 2004 por Roberto González, Ricardo Alonso, Alberto Robla y el recién incorporado Francisco Rojas. Después de haber grabado de manera casera tres maquetas en el local de ensayo, deciden en Noviembre de 2010 grabar un E.P. de 5 canciones, en los estudios "La mina" de Raúl Pérez, en Sevilla, dando asi otro paso más hacia delante, en la busqueda de un sonido más pulido, pero sin perder la frescura de sus composiciones, haciendo tomas en directo, con un sonido que está a medio camino entre las guitarras distorsionadas de los 90's y las melodías y armonías de los 60's.
Charlotte Gainsbourg ya tiene nuevo material. Cuando aún sigue dando coletazos en nuestros reproductores IRM (último disco de la francesa), la señorita Gainsbourg presenta un EP de adelanto a su próximo largo. Hace unas semanas pudimos escuchar Terrible Angels, canción que da título al EP, compuesta y producida por Beck (como su anterior álbum).
Además de este corte, en Terrible Angels encontramos una grabación en directo del tema IRM, un cover de Just Like A Woman de Bob Dylan y otra canción nueva que lleva por título Memoir.
No está nada mal para abrir boca pero tenemos ganas de escuchar el nuevo disco de Charlotte Gainsbourg, que si sigue la línea de su antecesor, y si vuelve a contar con Beck, lo tiene hecho.
El trío tejano White Denim diseña en su cuarto disco de estudio un inquietante, entrelazado y excéntrico rompecabezas sonoro, con el que certifica su obra definitiva tras aprovechar con extremada eficiencia los escasos cuarenta minutos aquí contenidos. Un viaje empapado en ácido y concretado a través de psicodelia, blues duro y rock progresivo que incluye piruetas sónicas, jugosos cambios de sentido, amplios desarrollos instrumentales y alucinadas e inquietantes capacidades evocadoras. Composiciones como “It's Him!”, “Burnished”, “Bess St.”, “At The Farm” o “Anvil Everything” motivan una intensidad y celeridad demoledora, sólo suavizada durante la maravillosa emotividad desprendida por “Street Joy” o “Keys” y el misticismo sixties latente en “Is And Is And Is”, completándose el conjunto con la colorida invitación de “River To Consider”. “D” es un álbum de enorme riqueza que invita a profundizar incansablemente entre sus diferentes estratos, hasta propiciar la absoluta satisfacción del oyente inquieto y alejado de convencionalismos.
