Es difícil no cogerles cariño casi al momento a Los Campesinos! por todos los referentes que manejan. Sus letras están plagadas de citas al imaginario del indie pop más puro, y su sonido remite a la velocidad y a las melodías del primer álbum de The Delgados (sáquenle el polvo a esa joya que del pop rápido que es “Domestiques”) y al descaro ruidoso del debut de Urusei Yatsura (otros a recuperar con mayúsculas), discos y bandas que ahora parecen estar olvidados por el tiempo. El debut en formato largo de los de Cardiff, este resultón “Hold On Now Youngster…”, se encuadra en esa tradición, y la defiende con las armas que más utiliza el género: la honestidad, la inmediatez y un puñado de buenas canciones, que te llevan a esbozar una sonrisa en un segundo. Canciones como “Death To Los Campesinos!”, “Knee Deep At ATP”, “This Is How You Spell…”, “Don´t Tell Me To Do The Math(s)” o “You! Me! Dancing!”, estas dos últimas rescatadas de su Ep de presentación, son de lo mejor del lote. Sólo un pero, la no inclusión de la mejor canción de los galeses en el disco, la incendiaria “The International Tweexcore Underground”, toda una declaración de amor al legendario festival que K-Records montó a principios de los noventa en Olympia, a una serie de singles de vinilo que son tesoros de una época irrepetible, a una manera de hacer las cosas…
De las cenizas de dos bandas que han dejado su nombre marcado a fuego en la escena española, nace Mucho, una formación de indie anglófilo con dejes rollingstonianos. Mientras Jero Romero, el cantante de The Sunday Drivers, se embarca en su primer disco en solitario, el resto de la banda se une al ex-vocalista de Underwater Tea Party para conformar un primer disco homónimo en el que por fin se aventuran a cantar en su lengua con resultados muy notables. Las letras autoreferenciales, que citan a Keith Richards y a la Plastic Ono Band dan la clave de por dónde va el sonido de Mucho. Vas a Saturar los destapa como émulos de Radiohead y remata como una jam neopsicodélica cercana a los últimos Stone Roses, e incluso a The Seahorses. Corre Mi Reloj, la más stoniana del lote, se resuelve como un monstruo hard que invoca a Led Zeppelin y a Primal Scream. En Somos Más asoma incluso el piano boogie que envuelve a las guitarras achicharradas y la saturación del primer disco de John Lennon. Y en Los Hijos del Mal saben resolver la comercialidad con la influencia de las bandas sesenteras españolas. El debut de Mucho no es una promesa, sino la obra de un grupo perfectamente formado que entrega un trabajo apasionado e intenso. Rock del bueno sin caer en los manierismos de M Clan.
Flashback: primavera 2005. Un revuelo sacude el cibermentidero indie. Es Cycle, una extraña sociedad electrónica que, tras pasar de puntillas por una multi (EMI), debuta con un soberbio manifiesto de hedonismo oscuro, Weak on the rocks (Subterfuge). Su irrupción triunfal cambia un montón de cosas y prejuicios industriales y viene a normalizar en la música oficial lo que era ya normal a nivel alternativo. Himnos de pista como Confusión, Apple tree, etc, y un no menos demoledor directo, catapultan a Cycle a un éxito comercial insólito para una industria nacional entrando en crisis.
Tenían todas las bazas. Espectacular sonido. Un formato electrónico próximo al rock y surcado de estribillos magnéticos, deudor por igual de Garbage, New Order o Sisters of Mercy y coetaneo del electroclash en auge. Un curioso contraste entre Luke -su inicial vocalista- y el sinuoso erotismo y coreografía robótica de Silvia (La China Patino). Y hasta enigmático glamour canalla. Todo esto los aupó a sensación del momento, avalada por premios serios como el Ojo Crítico (RNE) o diversas candidaturas oficiales.
A Okkervil River se les podría meter en el mismo saco que grupos indie-folk americanos como My Morning Jacket, Band of horses, Fleet Foxes, o incluso, si me apuran, Arcade Fire. Pero eso sería una injusticia de proporciones. Es como si agrupas en un mismo saco al gazpacho, el ajo blanco, la vichyssoise o el salmorejo. Injustificable, ¿verdad?, pues la entidad de Okkervil River tampoco es justo reducirla a un grupo o etiqueta.
Porque la banda que lidera Will Sheff, a medida de ir construyendo una discografía mayúscula (y algo desapercibida), se han ganador un merecido puesto de honor dentro de la escena indie-rural americana. I am very far es el último testigo de ese viraje del country alternativo a un indie rock de carácter épico que empezó a asomar en su anterior The Stand is. En su último Lp la banda de Austin ha optado por un sonido más voluminoso ( con espacio reservado para las estrofas intimistas), con líneas instrumentales más elaboradas y con una producción más ambiciosa. Que no hayan terminado de conectar con una audiencia más amplia es un tema para ponérselo sobre la mesa a Iker Jiménez. Puede que sea por la lírica de sus canciones, que en lugar de lumínica, es algo críptica. Pero ni aún así, se entendería que alguien con un mínimo de educación musical se perdiese este I am very far.
Montevideo llevan haciendo sencillamente pop desde el 2002, año en que Damiana y Manu deciden dejar otros proyectos y concentrarse en este grupo que tiene a sus espaldas 4 trabajos discográficos, tres editados bajo el sello Jabalina Música: "Ella y Él" (ep 2005), "Transoceánico" (cd 2006), "Cuando miramos al sur" (cd 2008) y un LP editado bajo El Genio Equivocado Discos, "Vértigo y euforia" (2010).
La familia Montevideo crecieron desde entonces hasta los 5 componentes, con la incorporación de Arturo, Alexis y Miguel. Estos y otros cambios hicieron que Montevideo tomara nuevos rumbos y diera por finalizada su etapa y trilogía "transoceánica". Así, con las pilas cargadas, nuevas ideas, y nueva discográfica (El Genio Equivocado Discos), el grupo fue en la búsqueda de su propio espacio con canciones listas para el directo y los escenarios, lugares donde Montevideo es ahora más banda que nunca. A finales del 2010, Arturoabandona la formación, y el grupo pasa a ser cuarteto.
El nuevo trabajo se ha estado presentando en directo durante el 2010 y parte del 2011. El grupo ya está preparando nuevos temas para un posible nuevo LP para después del verano.
Veinte años han pasado desde el último disco de The Feelies, la banda que con aquel Crazy Rhythms influyó a la plana mayor del indie-rock de los ochenta: R.E.M., Pixies o Yo La Tengo, han reconocido la enorme influencia que ha tenido ese disco en su carrera, y prácticamente todos ellos hablan de él como el álbum clave de este tipo de música. No es para menos, ya que es bastante evidente que todos han mamado todo lo que han querido, y más, de canciones tan grandes como Fa Cé-La o The Boy With The Perpetual Nervousness.
Sin duda alguna, su vuelta está más que justificada, ya que al contrario que el 95% de los comebacks que estamos viviendo en los últimos años, ellos sí que tienen varias razones para subirse otra vez a un escenario: influencia; dos décadas separados, y por supuesto, la edición de un nuevo trabajo.
Here Before es su quinto disco, y el primer material nuevo que sacan desde 1991. Durante todos estos años, varios de su miembros han estado vinculados con la música, ya sea formando nuevos grupos (aquellos The Golden Palominos); tocando con bandas consagradas como Luna, o montándose una carrera en solitario, que es lo que ha hecho Glenn Mercer en los últimos tiempos. Hasta este 2011 no se habían decidido a grabar nuevo material como The Feelies, y la verdad es que estamos de enhorabuena, ya que es un muy buen trabajo.
Los que estén esperando una vuelta a sus comienzos, que se quiten la idea de la cabeza, ya que salvo When You Know y Time Is Right, no hay nada de la energía Post-Punk de sus primeros tiempos. Y es que han continuado donde lo dejaron – en Time For A Witness ya se quitaron la oscuridad de encima – , y han hecho un álbum bastante más clásico, y mucho menos acelerado. No pasa nada, porque está lleno de grandes temas, y suenan bastante frescos, algo no muy habitual en estos discos de vuelta. Lo único malo, es que pierde un poco de fuelle hacia el final, pero el comienzo con Nobody Knows, Should Be Gone y Again Today, es una maravilla.
La sombra de Devendra Banhart es alargada y no le será fácil a Andy Cabic librarse de ella, siendo un colaborador habitual del neo-hippie venezolano desde sus inicios. Sin embargo, este músico de San Francisco ha procurado crear con su proyecto personal, Vetiver, su propio camino disco a disco, siempre enmarcado en la música tradicional norteamericana. En ese sentido, Vetiver nunca se ha salido más de la cuenta de los estándares más ortodoxos y eso no les ha dejado salir de la segunda línea del folk-pop, pero ‘The Errant Charm’ muestra signos de que la suerte de Cabic puede cambiar.
En este quinto álbum de estudio (incluyendo aquel álbum de versiones, ‘Thing Of The Past’, de 2008), aún contando de nuevo en la producción con el Pernice Brother Tom Monahan, la banda de Cabic parece querer dar entrada, definitivamente, a los nuevos aires que se filtraban en cortes del previo ‘Tight Knit’ (pienso en ‘More Of This’ o ‘Another Reason To Go’) y perpetúan una mutación pop que recuerda a la que mostraron en su día los británicos Mojave 3. El inicio brumoso y atmosférico con ‘It’s Beyond Me’ y ‘Worse For Wear’ deja paso a una música, aún folkie pero más vigorosa y pop, en la que cajas de ritmo, teclados y loops de guitarras toman un inusitado protagonismo, recordando no pocas veces (como el propio Cabic ha confirmado) a los Fleetwood Mac de los primeros 80.
Esos (más o menos) nuevos Vetiver toman forma en los avances ‘Can’t You Tell‘ y ‘Wonder Why‘, con un toque optimista a lo Herman Dune o Little Joy, pero también en los momentos más Simon & Garfunkel (‘Hard To Break’, ‘Right Away’). Más versátiles que nunca, acogen igualmente pequeños homenajes a la Velvet Underground de ‘Load’ (en la vibrante ‘Ride Ride Ride’) y evocadoras baladas como ‘Faint Praise’, una belleza que no puede faltar en la banda sonora de este verano. Aunque adolece por momentos de cierta falta de ambición, ‘The Errant Charm’ es un disco encantador que se escucha bien y sin pereza, perfecto para el clima que nos espera en los próximos meses. Este viraje en su rumbo es lo suficientemente satisfactorio para afirmar que se trata del disco que necesitaba Vetiver para tomar nuevo valor como banda.
El supergrupo, aunque a ellos no les gusta definirse así, Chickenfoot publicará el próximo 27 de septiembre su segundo álbum de estudio: Chickenfoot III, porque eso de nombrar a los discos con números romanos consecutivos pasó de moda a principios de los setenta cuando Led Zeppelin publicó su Houses of the Holy.
Por si alguien no está familiarizado con la composición de este grupo, os diré que tenemos a Sammy Haggar a la voz (ex de Van Halen), Michael Anthony al bajo (también ex miembro de Van Halen), Joe Satriani a la guitarra (famoso por su carrera en solitario y colaboraciones varias) y Chad Smith a la batería (compaginando Chickenfoot con Red Hot Chili Peppers).
elgatodeescayola, todo junto y en minúsculas es Eduardo Marcos y su universo de poesía en palabras y música. sonidos_de_escayola, así, con guiones y también en minúsculas, un disco que ha estado gestándose mucho tiempo. Bastante más de lo que a él le hubiera gustado y también a los que hemos tenido la suerte de escuchar sus canciones.
Artesanía musical, todo hecho con mimo y un cuidado especial que sólo se pone en las cosas buenas. Los pequeños detalles marcan la diferencia y sonidos_de_escayola está repleto de brillos, matices y sorpresas. Las letras, íntimas, muestran un espíritu sensible, a veces atormentado y siempre sorprendente.
Pop bonito, 10 canciones de pop-indie en español, influencias variadas (algunas obvias), con carácter y estilo propio que nos hacen pensar en quinielas para los próximos meses (festivales tomad nota!) y un prometedor futuro.
Hay un chiste perverso entre los que quieren mal a The Horrors que dice que los londinenses pronto se quedarán sin décadas que saquear: si en su debut apuraron los sesenta, “Primary Colours” explotó los setenta por la vía del kraut y con “Skying” vienen a sacarle brillo a la épica romántica de grupos tan inequívocamente ochenteros como Echo & The Bunnymen, The Church o hasta Simple Minds. Reafirmarse en esta idea es en realidad el modo de negar -muy posiblemente llevado por los prejuicios- una serie de logros impepinables. A saber: que con sólo tres referencias han conseguido una voz propia e inconfundible; que su trayectoria muestra una vocación exploradora, inconformista y casi experimental (respaldada en todo momento y sorprendentemente por sus jóvenes fans); y que a pesar del peso de las influencias, los de Londres manejan un catálogo de referentes lo suficientemente amplio como para resultar mucho más escurridizos de lo que su cada vez más escaso número de detractores pretende. Es cierto que los ecos de los ochenta resuenan a lo largo de “Skying” -como por otra parte lo han hecho siempre en los discos de The Horrors-, pero también que si hubiera que tomarles medidas con alguna de aquellas bandas sería con los Teardrop Explodes de Julian Cope, fanáticos continuadores de la tradición psicodélica más “druggy” y sinuosa. Ajenos a presiones de la industria, se han refugiado en el estudio -registrado por la banda en el local de ensayo con mezcla final a cargo de Craig Silvey (Arcade Fire, Portishead, Pearl Jam)- para dar forma a un disco a la vieja usanza, con principio y final, de largo recorrido y en el que las reverencias también alcanzan a My Bloody Valentine, Primal Scream o 13th Floor Elevators. Un “trip” que se decía antes. Un “discazo”, que es como lo hemos dicho siempre.
Borja Laudo es el alumno calladito que pasa desapercibido y apenas levanta la mano ni sale al encerado, pero que año tras año saca unas notas increíbles. No sé hasta qué punto es buena esta desmesurada esquivez a promocionarse, pero desde luego su discografía hasta la fecha no tiene tacha alguna.
La fórmula parece bien sencilla cuando es él quien la aplica. Sin necesidad de chuletas en la calculadora, el zaragozano nos trae el folk y los aires fronterizos americanos ("Dead mum walking"), con influencias como las de los Byrds y sus guitarras ensoñadoras ("Cool single wedding") y, sobre todo, una honda añoranza y saudade, quién sabe si de tiempos mejores, de tardes en otro sitio o de caravanas de borrachos brindando sus petacas.
También encontramos en este nuevo trabajo canciones más pop, como la saltarina "Sparkle motion", muy Divine Comedy, o "Pachanga" en la que al bailar con los Ruby Suns nos demuestra que aunque no lo parezca, Bigott es de esta época, para disfrute de todos.
Una sucesión de pequeñas joyas delicadas sobre las que destacan "My my love", que con el complemento en la voz de Clara Carnicer huele a dueto clásico, como los de Jane Birkin y Serge Gainsbourg o el de Nico y la Velvet Underground. Borja Laudo... ¡presente!
La razón por la que Joseph Arthur a estas alturas no ha sido un éxito en todo el mundo se nos escapa. El cantautor eléctrico que Peter Gabriel fichó para su sello, el compositor que Michael Stipe elogió repetidas veces, el partícipe del proyecto Fistful of Mercy junto a Ben Harper y Dhani Harrison… Su sexto álbum, sin contar sus colaboraciones con The Lonely Astronauts, no será ninguna sorpresa para quienes lo conocen. Para los demás, aquí hay un fino orfebre del pop que se luce en un disco de ruptura no del todo triste, en la línea de Ed Harcourt, por ejemplo.
Gran descubrimiento gracias al blog Música Saludable, donde cuentan, a su vez, como supieron de esta banda:
"Descubrí esta banda ayer, a través de una entrevista de Nardwuar (un ídolo total, pronto armo un post para contarles más acerca de él) a Josh Homme de Queens of the stone age. En la entrevista, Nard le pregunta a Josh si es cierto que alguna vez dijo que Truckfighters es la mejor banda del planeta. El colorado grandulón le respondió que no sólo no se acordaba de semejante afirmación, sino que ni siquiera se acordaba de la banda. "No sé, seguro estaba muy borracho. Son buenos?". Sí, mi estimado Josh, está muy buena la banda. Y es OBVIO que te van a gustar, si hacen un stoner rock de la reputísima madre, como el que hacías en tus épocas con Kyuss."
"Ya tenemos el primer tema del nuevo trabajo de los murciano The Leadings. Se trata de Feel, un tema de pop electrónico, fresco y bailable, ideal para esta época de verano. El single viene acompañado con este fantástico videoclip dirigido por Under Creatives. ¡esperamos que os guste!" (Tsunami Music)
Tenemos una de las revelaciones del año. El dúo sueco formado por Maria Linden y Fredrik Balck ya tiene su ópera prima después de haber sonado durante gran parte del año. Y sí, se confirma: Hearts reafirma todos los elogios que I Break Horses había recibido durante este tiempo.
Incluso se quedan cortos después de paladear las 9 canciones que contiene el disco debut de estos escandinavos. Maria Linden con su voz nos va transportando a un universo paralelo donde la luz se intenta meter en atmósferas oscuras y el shoegaze forma un entramado perfecto con el synth pop para hacer necesarios todos y cada uno de los cortes.
Miman cada tema como si se tratase del único que han compuesto para encontrar exactamente el sonido que buscan. Un inconveniente para los 6 productores que no consiguieron hacer de Hearts lo que quería I Break Horses, hasta que Hans Olsson puso la guinda al pastel. Su talento no ha pasado desapercibido y ya empiezan a salir remixes de sus temas como el que ha hecho Tom Rowlands de Chemical Brothers del single.
Pocos debut han llenado tanto como Hearts y es que I Break Horses ha dado en el clavo a la primera.
El próximo mes de septiembre, el día 27, verá la luz el sexto disco de estudio de Marea, tras varios años sin presentarnos una nueva colección de canciones. Llevará por título En mi hambre mando yo y ya tenemos su single de adelanto, con videoclip incluido, la canción Bienvenido al secadero. Una canción 100% Marea en la que los navarros no sueltan el pie del acelerador y generan expectativas de un disco que no baje el nivel con respecto a su discografía.
Los chicos de Campingas han vuelto con nuevo EP, marcando en negrita una diéresis en cada una de sus letras, para que se pronuncien y bien alto. Felipe, Jano, Quique y Pablo vuelven a demostrar con cinco nuevos temas que lo suyo no se queda en un sencillo, sino que tienen material para rato, y que lo van dosificando poco a poco , soltando lastres en forma de canciones que les permita ascender en su particular viaje en globo propulsado por su combustión guitarrera.
La diéresis Del Pingüino, combina los sonidos que podíamos encontrar en su primer EP (Campingas.2009),y donde se cuelan influencias clásicas poperas, no podemos evitar nombrar a Los Planetas o Lagartija Nick, rock-punk de reminiscencias ochenteras o leves dosis de capas de post-punk letal mezcladas con noise a lo Sonic Youth, sin dejar de destacar una buena colección de letras hirientes y alejadas de caer en lo sencillo. Todo esto , como no, consecuencia de la confluencia de estilos que cada uno de sus componentes ha procesado en sus anteriores aventuras musicales.
Fieros, patalean y berrean escupiendo pentagramas llenos a charcas vacías en "No Existen Las Ranas", letras que nos dejan tremendamente ensimismados y donde experimentan con cuerdas oscurecidas en "De Media Vuelta", juegos de palabras e irónico romanticismo en 'Rop Roma', atmósferas sombrías presentes en los enfrentamientos de "Ander", y alimentan los paladares más exquisitos mediante un cierre para su segundo menú de degustación punteado a base de 'Recetas'.
Sin renunciar a su vocación de antihéroe romántico, David Carabén descubre su lado más poético y menos narrador en el quinto álbum de Mishima: Ordre i Aventura. Como quien busca un orden espiritual en la aventura de vivir, el artista barcelonés escribe por primera vez sobre “más allás” antes que sobre “más acás” y se pregunta, en un lenguaje llano y directo, por sus “para siempres”. En el plano musical, Mishima perseveran en esa manera única de decir que es ya su principal seña de identidad: la canción de autor hecha en banda, la técnica al servicio de la inspiración, un sonido a medio camino entre el rock, el pop y el folk que vuelve a cristalizar bajo la tutela de Paco Loco en los estudios que han hecho de El Puerto de Santa María el verdadero sancta sanctórum del indie ibérico.
Ya desde el propio título del disco, esta emergente banda de origen barcelonés parece querer dejar claro que su sonido es lo suficientemente personal y único como para sacudirse de etiquetas preestablecidas. Los Rotos practican una suerte de pop rock cargado de guitarras (‘Hoy Pueden Quemar La Ciudad’), ritmos bailables (‘Tu Perro Por Última Noche’) y letras certeras (‘En El Nombre De Alfred’ no deja de tener su coña y lo de ‘Selección Natural’ es mala leche pura y dura). Todo ello se conjuga para dar canciones que se quedan adheridas al oído y, con un poco de suerte, a la memoria. Entre todos ella destaca el tema que abre el álbum, ya que aglutina lo más destacable de la banda: ‘Muñecas Rusas’ tiene un ritmo endiablado, es pegadiza y necesariamente crítica. Sin duda un tema redondo. Roto’n’roll es por lo tanto un disco digno de alabanza, que aunque tampoco haya inventado su propio género, sí que cuenta con las suficientes virtudes como para considerarlo indispensable. ¡Larga vida al Roto’n’roll!
Aunque The War On Drugs sacaron un fantástico EP el año pasado, oficialmente, este Slave Ambient es el primer disco largo sin Kurt Vile, que fue uno de los fundadores de la banda allá por 2005. El grupo de Philadelphia ha sabido recomponerse la estampida que tuvieron a finales de 2008, en la que se fueron tres miembros del grupo, y lo demuestran con esta maravilla de segundo álbum, en el que pocas cosas han cambiado. El Boss, Bob Dylan, algo de Americana, y un poco de épica a lo Arcade Fire, siguen siendo sus sellos de identidad, y la verdad es que siguen funcionando muy bien.
Desde luego, este Slave Ambient no tienen ningún desperdicio, y hasta los paisajes más ambientales me gustan, y eso no me pasaba con su primer trabajo. La única pega que le puedo poner es que a veces hay canciones a las que les cuesta destacar, que es algo que ya pasaba en aquel Wagonwheel Blues, pero con unas cuantas escuchas se les termina cogiendo el tranquillo. Por lo demás, nos encontramos con alguno de esos temas llenos de energía que son lo que más me atrae de ellos – Your Love Is Calling My Name, el instrumental Original Slave y esa Baby Missiles que ya incluyeron en su anterior Ep, son una joya -; preciosas canciones folk como Best Night, Blackwater o Brothers, y varios de esos temas más ambientales que comentaba antes, y que son muy grandes: City Reprise y sobre todo la maravillosa Come To The City, me han dejado de piedra.
Séptima edición del Ecopop en Arenas de San Pedro, segunda consecutiva para el que escribe. Edición en la que el habitual cartel de dos días había sido reducido a una única jornada por diversos problemas. Una única jornada pero un buen cartel, con Alborotador Gomasio, Nacho Vegas, The Bright, Standstill y El Columpio Asesino.
Unas 1.000 personas se dieron cita en el Castillo Condestable Dávalos, donde se celebran los conciertos. Un escenario curioso para un festival modesto, con precios económicos en el que puedes ver los conciertos sin agobios pero donde por momentos se echa en falta el ambiente festivo de citas más masificadas.
Debido a la lluvia el festival empezó con una hora de retraso y, no sé si quizá fue culpa también del agua, pero el sonido no era todo lo bueno que cabría esperar. Algo que noté especialmente en el concierto de The Bright (quizá por ser el más acústico, quizá por ir más sereno), un grupo que me quedé con muchas ganas de ver en el pasado Low Cost y al que el directo le sienta muy bien. Al igual que a Standstill, el grupo que tocó a continuación, cuyas composiciones ganan mucha fuerza y musicalidad. Standstill es además un grupo que, a mi modo de ver, ha dado un gran paso adelante con su excelente Adelante Bonaparte. Cerró la jornada de conciertos El Columpio Asesino, el grupo nacional que no puedes acabar el año sin ver en directo, más allá de su hit Toro, que les ha hecho ganar popularidad, los pamplonicas tienen mucha fuerza sobre el escenario y un gran repertorio. Tras ellos Virgina Díaz y Vecinos DJs culminaron la noche.
Esta banda pacense nace a principios de junio de 2.008, caracterizados por la potencia de sus ritmos y guitarras y por la emotividad en sus melodías y letras. Apoyándose en unas melodías muy elaboradas y emotivas, consiguen completar unas composiciones inconformistas, que en algunos casos se acercan al Pop-rock británico y en otros, a estiloscomo el rock sinfónico o el rock clásico americano.
La magia llega a cargo de Alex Zhang Hungtai, quien salió de Taiwán para cocinar su arte en las calderas canadienses (de Montreal, para ser exactos), desde donde le ha dado una forma peculiar a lo que parece ser un frankenstein musical: experimentalidad, lo-fi, romanticismo y oscuridad. O terror, para ser precisos. Los tres primeros tracks de "Badlands" pueden ahuyentar a cualquier corazón sensible, a los que no salen de su cuadrado de normalidad y no son capaces de ver lo bello en lo diferente; y es que un músico que ha despertado el interés gracias a sus canciones de "amor y muerte" -como él las describe- sí que es diferente. La extraña creación tiene como esencia un lo-fi tan crudo que es imposible no trasladarnos a antiquísimos escenarios opacos y solitarios, donde los eternos sonidos de máquinas parecen ser el hilo conductor de la primera terna de temas. Lo primero que pensé al escucharla: Eraserhead; aquella película que parece retratar perfectamente a la música de Beaches, tanto por su surrealismo como por el ambiente cargado del estruendo de fábricas que parecen disfrutar del hecho de no dejar silencio en nuestras cabezas. Adivinen qué, pues... David Lynch, el creador de Eraserhead, es una de las grandes influencias de nuestro músico. A partir del cuarto tema (que parece ser una no tan alegre versión de la "nueva ola"), el escenario perturbador se empieza a mezclar de la forma más inexplicable con una onda romanticona, incomprendidamente dulce. "Lord Knows Best" puede ser la canción más jodidamente conmovedora que he escuchado, donde un piano y la gravísima voz de Zhang parecen afirmarnos que los raros también tienen corazón.
Radiohead ha colgado en su canal de YouTube la actuación que dieron en el programa “From the Basement“. Grabado en el mes de julio, la banda toca la completo su último trabajo “The King Of Limbs”, además de dos nuevas canciones, “Staircase” y “The Daily Mail”.
No se trata de seguir dándole vueltas al revival noventero. En su momento, poca fue la exposición que los Screaming Trees tuvieron – ni siquiera alcanzaron el disco de oro en su momento peak -, y habría que ser muy hipócrita para sugerir que (por así decirlo) “retornan discográficamente” en condición de referentes de una época.
Lo que sí podemos decir, con toda propiedad, es que Screaming Trees es de esas bandas que nunca debió haberse separado. Su oferta estaba lejos de agotarse, y cuesta hallar otro número que fundiera tan bien la melodía con la oscuridad y que su obra (de “Uncle Anesthesia” en adelante) proyectara tamaña sensación de trascendencia.
Vamos al grano. Casi de la nada, nos topamos con el aviso de que las “grabaciones perdidas” realizadas en 1998 y 1999 por el conjunto que encabezó Mark Lanegan saldrían a la luz. Primero en formato digital, y después en copia dura. La banda no parece cerca de una reunión, mas este material cae parado en el año en que el nombre de Seattle volvió al lenguaje popular, con los 20 años de “Nevermind”, el presente de Pearl Jam y la vuelta de Soundgarden.
Con un par de escuchas a este “Last Words”, cuesta explicarse cómo esta decena de temas se mantuvo por tanto tiempo oculta. Quizás no sea ni un nuevo “Sweet Oblivion” ni un “Dust”, pero el trabajo conserva todos los elementos que hicieron grande al conjunto.
Escuchado con atención, “Last Words” acusa que algunos de estos cortes pudieron recibir una última mano en post-producción (más allá de la conciente producción del batero Barrett Martin). Sin embargo, de este modo podemos darnos cuenta del potencial de estos temas. Más que un ejercicio de nostalgia, la sensación que generan los Screaming Trees es que en estos tiempos no hay nadie haciendo música como esta. Las fortalezas del pasado o las debilidades del presente. Sea cual sea el criterio, aquí hay una publicación que nadie puede dejar pasar. Imperdible.
A quien encuentre este escrito arrojado al azar del mar,
Año 2011, una serie de vicisitudes nos han conducido hacia un refugio situado en el eco más íntimo, amparo de aquellos que se hallan perdidos entre tantas aguas, océanos vivenciales capaces de abrazar y asfixiar al mismo tiempo.
El próximo mes de octubre publicaremos nuestras primeras memorias, un “manual de supervivencia” resultante de los diversos viajes realizados por seis tripulantes, todos ellos sumergidos en el abismo de una extraña melancolía que, constantemente, evoca instantes de otra vida. Hoy 20 de julio os presentamos un breve adelanto; 5 canciones que forman este EP – La tormenta que tienes entre manos. Lanzamos esta vieja botella en la necesidad de ser hallados y, así, poder emitir nuestro mensaje al resto del mundo.
Eladio Santos es un viejo conocido del panorama musical nacional. Tras su paso por diversas formaciones como Medusa, Foggy Mental o Los Tres Sudamaricones, en diciembre de 2007 y tras una larga espera, se publicó en soporte físico su primer álbum como Eladio y Los Seres Queridos.
Ya en 2011 inicia un nuevo viaje musical con Están Ustedes Unidos. Un ramillete de canciones llamadas a permanecer en nuestra retina durante mucho tiempo. Para muchos, Eladio es un artista imprescindible que milita en la liga del contra estilo, la contra tendencia y la atemporalidad. Con este trabajo el diamante en bruto se pule, sus temas ganan en peso, arreglos y matices sonoros que hasta ahora no había utilizado. Con todo, la intrasitable carretera del pop en español encuentra su recorrido natural con melodías adultas y letras que llenan los oídos de los más jóvenes y los más veteranos. Su naturalidad sin complejos hace que lo difícil resulte asequible para varias generaciones. Sin duda un artista que se convierte en la gran esperanza de la regeneración artística de la tantas veces maltratada escena nacional.
Llegaba el turno del sábado y tocaba arriesgarse a la lipotimia para ver a Dinero al mediodía en el escenario del pueblo. No exagero si digo que era uno de los grupos que más ganas tenía de ver, unos auténticos cracks que trasladaron por un rato el escenario principal a la Plaza del Trigo con las canciones de su imprescindible disco debut. Anteriormente a ellos Hola A Todo El Mundo se marcó un concierto divertidísimo.
Tras ellos, con el calor, las primeras cervezas y la resaca acumulada de días anteriores lo que el cuerpo pedía era piscina, donde pudimos ver en directo a Campingas (que me hizo mucha gracia cuando dedicaron una de sus canciones a "los que se están meando ahora mismo en la piscina") y Little Indian Rabbits. Posteriormente los DJs y, posiblemente, los "zumos" de la tierra llevaron la locura a la piscina con una auténtica fiesta/pista de baile improvisada, salpicones, bombas, cánticos y ganas de divertirse, sobre todo muchísimas ganas de divertirse.
Así las cosas decidimos saltarnos a Xoel López (¡Que vuelva Deluxe!) y La Orquesta Poligenora para llegar cuando La Habitación Roja a las 21:45. Íbamos por el lateral del recinto mientras sonaba la primera canción, "espero que la siguiente no sea Scandinavia" recé, ya que es mi favorita, pero la Ley de Murphy volvió a cumplirse. El siguiente concierto fue de Dos Bandas y Un Destino, geniales, da igual que conozcas las canciones o no, no podrás para de bailar con su country, surf, rock... Posteriormente Supersubmarina, que va a parecer que les tengo manía pero no acaban de engancharme en directo, disfruto porque me gustan mucho sus canciones pero les falta un punto.
A partir de ahí vinieron dos de las pocas bandas internacionales, « rinôçérôse » y Shout Out Louds como previa a El Columpio Asesino, otro de los platos fuertes, tremendísimo concierto que dejó uno de los grandes momentos del festival durante su cierre con Toro, brutal, apoteósico.
Extasiado tras el Columpio Asesino, ligeramente perjudicado por el alcohol, cansado tras un largo día y viendo que me costaba diferenciar las canciones de El Guincho llegó el momento de poner cierre al sábado, no sin rabia de que haya sido imposible ver a Nadadora, Ultimos Bañistas y Lüger.
Pero todavía quedaba la última jornada, el domingo, que además debía rivalizar con el enésimo Madrid-Barça. Mi sensación fue Sonorama 1 - Fútbol 0, aunque he de reconocer que yo vi la primera parte (y así de paso me perdía a La Bien Querida que no me va mucho) e hice acto de presencia durante Teenage Fanclub, a los que solo había oído por su último disco y por las canciones de los Vértigo. "Un grupo de los que hay que ver alguna vez en directo" o "los que inventaron el power pop" eran los argumentos a su favor que recibía entre canción y canción. Realmente buenos, con momentos instrumentales tremendamente absorventes, ¿Por qué he tardado tanto en prestarles atención? ¿Por qué?
Tras ellos, Cycle levantaba al personal con su electrónica para dar paso a Amaral en el cierre de festival, con bastante retraso, por cierto, algo habitual durante todo el festival. No me pegaba Amaral en este festival, y menos como cierre, pero no me quejaré mucho ya que me parecen unos currantes de la música como los que más, gente humilde, Eva es un encanto y además tengo su "Estrella de Mar" en mi estantería, disco que ya les había visto defender con acierto en directo. Su dedicatoria al Papa me hizo absolverlos definitivamente. Y su Revolución puso punto y final, en lo que a conciertos se refiere, al Sonorama 2.011. A partir de ahí los bares del pueblo, el camping e incluso la parte trasera de un camión se convirtieron en lugares perfectos para poner el broche final a un festival imprescindible.
Un año más llegó mi cita con el Sonorama de Aranda de Duero. Ya van unas cuantas... ¡Y las que quedan! Eso sí, este año por primera vez sin tirar de camping, que uno ya va teniendo una edad y ciertas comodidades se agradecen, y más en esta ocasión que el festival se alargaba un día más de lo habitual pasando a durar 4 noches. Prácticamente la única novedad con respecto a anteriores ediciones del festival por excelencia del indie patrio.
El horario del jueves tenía subrayado en rojo a Triángulo de Amor Bizarro, que no defraudaron, presentaron un tema nuevo y encendieron definitivamente el festival. Anteriormente ya habían dejado buenas sensaciones Miss Caffeina y La Frontera (¿Puedo decir esto sin miedo a ruborizarme?).
Para el viernes tocaba apurar los vinitos por el pueblo para llegar pronto al recinto: A las 19:40 tocaban Tachenko, unos clásicos del festival que volvían a los escenarios tras el susto que nos dieron. Con Tachenko no hay fallo, un gran repertorio, buen sonido en directo y encima son unos tíos majetes. Posteriormente se subieron al escenario principal Los Campesinos, para mi el típico grupo que has oido hablar muy bien de ellos pero que nunca te has puesto a escuchar. Me encantaron, y lo mismo me pasó con Catpeople. Para esta semana ya no hay dudas de qué hacer sonar en Spotify. Entre medias actuaron Niños Mutantes, un mutante convencido como yo salió muy contento tras verlos, aunque hay que admitir que sorprendió su tracklist, repleto de canciones de sus dos últimos discos y algo más tranquilo de lo que nos tienen acostumbrados. Ah! He de admitirlo, no soporto la versión de "como yo te amo", aunque viendo como reacciona siempre el público debo ser un bicho raro.
El resto del viernes era completado con un gran cartel en los dos escenarios principales, con Iván Ferreiro, Sexy Sadie (algo más flojos que en el pasado Low Cost) o Delorean, entre otros. Tal nivel hace difícil animarse a pasarse por la Carpa Future Stars que hace honor a su nombre con un buen número de propuestas interesantes como San Leon, Guadalupe Plata, Holywater, The Noises o The Casters (antes conocidos como Fuzzy White Casters).
Una última reflexión con respecto al viernes, no sin miedo a que se me echen al cuello hordas poperas. Nacho Vegas será un mito pero me aburre, me aburre muchísimo. Momento ideal para comprar sonos, pedir unas porciones de pizza y recargar los minis de ron.
¡Nos vamos al Sonorama! Y no podía faltar la playlist de Spotify, en esta ocasión a cargo de andrinete. No están todos los que son pero son todos los que están.
Nueva edición del Low Cost Festival en Beniyork, digo en Benidorm. Un festival que se está convirtiendo en una cita obligada para el verano, sol, playa y, sobre todo, buena música tienen la culpa. Este año el festival se presentaba nuevamente con un gran cartel, con un día más de festival (porque aunque el año pasado también hubo conciertos el jueves fue algo de última hora y enfocado como previa) y con un cambio de recinto.
El cambio de recinto ha sido sin duda una decisión excelente, mientras en la pasada edición tenías que echarte merienda si querías ir de un escenario a otro, en esta ocasión estaban prácticamente al lado, y sin que ningún escenario se coma el sonido de otro. Además se agradece que la típica arena festivalera haya sido sustituida por cesped. También a habido muchísima mayor oferta culinaria, con su correspondiente zona para echarte al suelo a tomar algo tranquilamente mientras esperas el próximo concierto y en ningún momento las colas han sido desesperantes. En el plano estrictamente musical, el sonido ha sido realmente espectacular, pese a las dificultades que plantea que sea al aire libre, y se agradece el tiempo que duran los conciertos, bastante superior a la hora, lo cual te permite disfrutar de tus grupos favoritos en mayor medida que otros festivales que te tienes que conformar con 50 minutos como mucho. Sin duda, una muy buena organización y un excelente recinto.
En cuanto a los grupos, en el plano nacional: Lori Meyers y Love of Lesbian son valores seguros, siempre consiguen enganchar con el público y tienen un repertorio genial, fiesta garantizada. Vetusta Morla dio un concierto excelente, pero está claro que no todo el mundo ha entendido su último disco, discazo, mejor dicho. Supersubmarina, exponentes del cambio generacional, van mejorando su directo, pero todavía les falta un punto para defender su gran álbum debut. Sidonie y Dos Bandas y un Destino, ¿era necesario que tocaran tan prontos?. Eric Fuentes es un grande. Fangoria, durante su actuación, me hizo pensar que de un momento a otro iba a aparecer Jose Luis Moreno. Sexy Sadie puso a tono a los más nostálgicos. Por lo demás me quedo con el mal sabor de boca de no haber podido estrenarme viendo en directo a The Bright, Maika Makovski y Standstill. Somos jóvenes, habrá tiempo.
En el plano internacional destacar las excelentes críticas que se ha llevado Crystal Castel (a los que he de reconocer que no vi), a Cut Copy (de los que esperaba más pero que finalmente dejé en un segundo plano frente a la conversación con mis amigos) y a Mika. Este último era presentado como uno de los platos fuertes del viernes pero, que me perdonen sus fans, si en vez de ellos hubieran venido Two Door Cinema Club o algo del estilo hubiera estado, sin duda, muchísimo mejor. Bueno, y por supuesto había muchas ganas de ver a Mando Diao (sobre todo ellas), un concierto divertidísimo sobre un coqueto e intimista escenario, aunque uno de mis compañeros de juerga no parara de recordarme que ya no tienen la fuerza y la rabia de cuando sus primeros discos.
Como guinda a tres días de música, el festival se cerró con una fiesta en la playa, con Dorian tocando en acústico y una sesión de DJ´s posterior pinchando indie y electrónica, un gran broche final a uno de mis festivales favoritos. ¡Nos vemos en 2.012!
Si finalmente, y tal y como todo apunta, se convierte en realidad ese futuro en que los sellos discográficos brillen por su ausencia y los grupos se autoediten colocando su música directamente en Internet, nos perderemos muchos datos que sirven para contextualizar la carrera de un artista. Pongamos por caso a Remate. En su deambular por lo más granado del sector discográfico nacional el asturiano ha parecido buscar un reconocimiento que se le resiste en su propio país. No tanto fuera de nuestras fronteras, donde su pop de autor con rasgos de americana (ayer. Hoy menos…) ha encontrado aplauso frecuentemente. Remate es lo que se podría decir un artista maldito, sí, y lo es en contra de su voluntad. No tengo claro si “Superluv” va a hacer algo por remediarlo –de hecho, y para ser sincero, me sorprendería mucho que así fuera- pero lo que resulta innegable es que su séptimo largo supone un notable salto de calidad, además de su, hasta la fecha, más importante pirueta creativa, con abrazo al castellano incluido. La ambición de Remate comienza por el aspecto conceptual -un álbum de canciones dedicadas a actrices porno que utilizan el “Superluv” como parte de su nombre artístico- y continúa por la compañía que se ha procurado para llevarlo a buen puerto –LD Beghtol como productor, y nombres tan atractivos como el de Julia Kent y Stephin Merritt jugando a las colaboraciones-. El resultado de todo ello es un disco de falso lo-fi, en el que el aire descacharrado y desganado que termina por imbuir al conjunto no es más que un recurso estético bajo el que laten canciones de una belleza extraña y estructuras bien distintas entre sí -no en vano Remate admite la influencia del “69 Love Songs” -, que transitan terrenos apenas explorados por el pop nacional y esplendorosas cuando dan en el clavo “Típico de California”, “Elvis Luv”, “Por lo que tiene de romántico” o “Gigante”.
