PS I Love You - Meet me at the Muster Station (2.010)

El ruido, debió decir alguien a finales de los ochenta, os hará libres. Y así como My Bloody Valentine, Dinosaur Jr. y demás bárbaros del pop acorazado se entregaron en cuerpo, alma y orejas a propagar tan estruendosa palabra, encontramos hoy no pocas bandas que han recuperado el ruido, la distorsión y el amplificador como arma de destrucción masiva. Ahí tienen a The Pains Of Being Pure At Heat, No Age o Wavves. Y ahí tienen también a PS I Love You, dúo de Ontario que hace cualquier cosa menos dar sentido a su nombre con un debut volcánico, frenético y, faltaría más, gloriosamente ruidoso.

Son solo dos, sí, pero la ecuación voz + guitarra + batería es todo lo que necesitan Paul Saulnier y Benjamin Nelson para calcinar el rock, arrimarse a Dinosaur Jr. por la derecha y a los primeros Les Savy Fav por la izquierda e incluso invocar el espíritu selvático del rock despachando mandobles de frustración rebozada en feedback. Sirva el monumental desarrollo de “Butterflies & Boners”, una montaña rusa de ruido, distorsión, ritmo apabullante y cuerdas vocales fuera de sí, para resumir el sonido de una banda que no se conforma con exhibir su monumental cabreo contra el mundo, sino que lo hace en apenas media hora y con detonaciones inapelables como “Breadends”, “Facelove” y “2012”.

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Reseña de: Rockdeluxe

Jane Joyd - Jane Joyd EP (2.010)

"Jane Joyd es el proyecto musical de Elba Fernández (A Coruña SP). Elba siempre ha estado tocando en bandas de diferentes estilos, rock, pop, funk,…y desde hace dos años ha desempolvado sus canciones para mostrarselas al mundo, esas canciones escondidas en la habitación y que algunas casi han crecido con ella. En el verano del 2010 graba 4 temas en Abrigueiro Estudios (Lugo) a cargo de Arturo Vaquero. El estilo musical se balancea entre un acústico folk americano y otros estilos en mayor o menor medida. Jane Joyd comenzó su actividad de directo en la segunda mitad del 2010 y hasta la fecha ya ha compartido cartel con artistas como James Yuill, Matt Elliot, Greg Dulli, Emma Pollock, Basia Bulat, DePedro… y ha tocado en lugares curiosos como una sala de un museo o un escaparate de una tienda de ropa." (MySpace)

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Foster The People - Torches (2.011)

Foster The People es sin lugar a dudas una de las bandas revelación de este año 2011. Su Ep de nombre homónimo lanzado este mismo año, con tan solo tres canciones, ha cosechado buenísimas críticas y les ha llevado a ser una de las bandas más esperadas y adictivas del momento. Y no es para menos, ya que los tres temas de ese Ep (Helena Beat, Houdini y Pumped Up Kicks) recuerdan en su hacer, a muchas de las bandas más de moda dentro del panorama indie actual (MGMT, Empire Of The Sun, Passion Pit...)

Ahora vuelven para presentarnos su primer larga duración, 'Torches', un disco que continua con la fórmula de aquél Ep, y cuyo resultado no podía ser mejor. Buenos temas, genial fusión de los elementos del pop-rock con los del synth pop, y ritmos realmente pegadizos que hacen de este álbum una obra muy cercana a todos los públicos. Y es que la banda parece saber moverse con suma facilidad entre la música alternativa y la comercial, convenciendo a los amantes de ambos estilos a partes iguales, con temas frescos que entran desde la primera escucha.

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Reseña de: Indiespensables

Los Últimos Bañistas - Los Últimos Bañistas (2.011)

Debutar en el mes de junio, con unas temperaturas cada vez más altas de manera generalizada, y esa sensación en el ambiente de que el verano ya se puede tocar con la punta de los dedos (los que puedan disfrutarlo en plenitud, claro), y llamarse Los Últimos Bañistas, ya de por sí, genera sensaciones encontradas. Quizá sea una buena forma de llamar la atención y empujarte a escucharlos. Si ha funcionado, enhorabuena. De lo contrario, a continuación irás encontrando motivos para hacerlo, porque es uno de los debuts con mejor forma y fondo de lo que llevamos de año.

Es posible que te sobren grupos de cabecera dentro del pop alternativo, palo melódico y de guitarras. Pero, y esto es importante, ¿cuántos de ellos están en su mejor momento? Por eso se agradecen estas 10 canciones del grupo, que publica Ernie Records, y que comparten muchos aciertos, aún sin compartir atributos estilísticos, con Wiggum, o con sus compañeros de sello, La Familia.

El arranque del álbum, encadenando las brillantes ‘Nadia‘, ‘El gran apagón‘ y ‘El centro‘, además de condenarte a unas expectativas altísimas (y a levantarte de la silla, mirar el nombre del grupo, y procurar no olvidarlo), centran las coordenadas por las que se dirigirá el disco: intimismo pop, melodía sin perder dinamismo, cuidadas guitarras eléctricas que decoran el esqueleto de unas canciones sólidas, aportando simultáneamente rabia y luminosidad, fuerza y textura para conformar una espléndida colección de temas.

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Reseña de: Hipersónica

Lüger - Concrete Light (2.011)

Si se atiende únicamente a su sonido, Lüger es una banda que parece sacada de una comuna hippy alemana de los años setenta. Uno de esos lugares de Hamburgo dónde una pandilla de melenudos bigotones se reunía para fumar porros, leer a Castaneda y convertir el rock progresivo y psicodélico de San Francisco en algo tan cósmico como marcial llamado Kraut-rock.

Son por lo tanto hijos confesos de Neu, Faust o Hawkind, referencias todas bastante curiosas para una banda de Madrid compuesta, en sus propias palabras "por cuatro seres humanos de buenos modales y un hobbit saltocantarín de mejores modales, si cabe".

El hecho es que Lüger está compuesto por músicos que rondan la treintena, que se han bregado en mil batallas con otras tantas bandas, en ocasiones por idealismo y en otras como mercenarios, y que haciendo lo que les viene en gana se han convertido en una de las sensaciones del underground madrileño.

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Reseña de: El País

Her Only Presence - You're never back (2.011)

Este conjunto, formado por el mallorquín Luis Cifré, el bajista Víctor Jiménez y el batería Rafa Rodriguez, posee aquellos alicientes que unen de forma única la esencia post rock de Explosions In The Sky con el dinamismo y la energía de bandas de indie rock como Mineral o Penfold. Este es uno de esos trí­os musicales que con bien poco consiguen generar mucho. Todos y cada uno de los 10 temas que componen el LP poseen una vidriosidad y una meticulosidad en su conjunto melódico que los hacen ser únicos. Con cortes como ‘Goodnight’, el single ‘I Wonder If There Will Ever Be…’ o ‘Bathrooms’ nos permiten realizar un viaje ultrasensorial de lo más idóneo para la época del año que justo acaba de empezar. Cristalinos punteos de guitarra, unas sinuosas vocales y las características delicadas harmonías instrumentales de H.O.P son las que definen a una propuesta que, con un poco de apoyo mediático, podría crear una modesta revolución en la música de nuestra tierra.

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Reseña de: Binaural

Herman Düne - Strange Mossic (2.011)

La inclusión del tema que abría “Giant” (07) en un veraniego spot cervecero y la edición de este “Strange Moosic” han sido todo uno. Pero maldita la falta que les hace el accésit popular publicitario, cuando se esgrime un álbum tan radiante como este. Sin acusar el desgaste del carrusel non-stop en que llevaban tiempo embarcados sobre los escenarios, el trío sueco-francés abre fuego con la irresistible “Tell Me Something I Don’t Know” (uno de los temas del año), hasta despachar con extrema fluidez otras once viñetas extraídas de una paleta folk rock más oxigenada, diáfana y contagiosa que nunca. Prima el equilibrio entre amargura y dulzura, entre caricias acústicas e interferencias eléctricas. La cercanía de unos textos reconocibles y la sencillez formal elevada a orfebrería fina. Y, sobre todo, el convencimiento de que, más allá de su habitual estela de acólitos, estas canciones serían pasto de FM en un mundo perfecto: escuchen “Be A Fool and Take My Heart” y díganme si no es el “Learning To Fly” (Tom Petty) de su generación.

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Reseña de: Carlos Pérez de Ziriza (para Mondosonoro)

Kurt Vile - Smoke ring for my halo (2.011)

Ese jovencito nació en Filadelfia, lleva el pelo largo y se llama Kurt Vile. “Smoke Ring for My Halo” (2011) es su cuarto trabajo en solitario. Y hace el segundo para el sello Matador tras el fantástico “Childish Prodigy” (2009), auténtica revelación de una perspicacia desmesurada para manipular los patrones clásicos del blues, el rock y la psicodelia, adaptándolos a los tiempos sin mutilarlos. Con aquel disco, que asombró a propios y extraños y le hizo entrar por la puerta grande en el salón de los nuevos grandes talentos, Vile patentó su mezcla. Con este nuevo disco la comercializa y la vende al por mayor. Es un disco de creciente resistencia y cercanía, apto para un público más amplio. En él se echan de menos las armónicas y saxofones que arañaban los oídos en sus anteriores grabaciones, aunque la atmósfera sea igual de hipnótica y abrumadora. Y es que el también guitarrista de The War On Drugs no es solo mago, también ingeniero. Ha logrado diseñar un sonido propio, sin parangón, dejando una marca de agua inconfundible en sus canciones.

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Reseña de: My Fleet In Flames

Digitalism - I love you, dude (2.011)

Después del Álbum Idealism, donde se encontraba uno de los singles mas escuchados en esos años, "Pogo" una de las canciones mas sobadas y remezcladas que yo recuerde, parecía que se hubieran estancado en una simple canción y vivir de ella como hacen muchos grupos, pero no, 4 años han necesitado para buscar sonidos y melodías nuevas que diesen un aire fresco al grupo. " I Love You, Dude " es el nombre que da el nuevo Álbum de Digitalism, 4 años muy bien aprovechados donde se puede escuchar una esencia musical muy elaborada, donde se nota el recorrido que ha tenido el grupo por todo el mundo pequeñas dosis que recuerdan a ese gran single como "Pogo" y mezclas que dan un aire a grupos como "Soulwax" "Vitalic" hasta un poco a "Cut Copy".

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Reseña de: Indiespensbles

Disco Las Palmeras! - Nihil Obstat (2.011)

No sé si es cuestión de la genética o es algo ambiental, si se debe a algo impreso a fuego en nuestro carácter o se debe a algo que comemos, bebemos, inhalamos o a la radiación del ambiente, pero la familia del rock y el noise gallega tiene un nuevo miembro, y aunque es muy pronto para aventurarme, es tan prometedor como fue en su momento el debut de una banda que ya se ha consagrado: Triángulo de Amor Bizarro (sí, ya sé que quemo demasiado pronto este cartucho).

La portada es representativa del sonido del grupo: violento, afilado, rebelde, contundente. Si te pilla desprevenido, te tumba sobre la lona. No especula, va directo a la mandíbula; no se defiende ni rehuye los golpes, los ataca sin piedad. Ambicioso, te arrincona en el cuadrilátero y no te deja un segundo de respiro, sólo concede dos canciones que separan el asalto mientras el árbitro cuenta hasta 10 para decidir si es K.O. (las más lisérgicas, simbólicas y planeteras, pero, a pesar de los títulos, no es rock cristiano: ‘Testigos de Dios’, y ‘Estados emocionales (y vaticanos)’.

Ahora que ya ha pasado el Año Santo de TAB, que parece que Lagartija Nick se han estancado, que Los Planetas no tienen intención de volver al rock, y que se van a cumplir dos décadas del cenit del rock alternativo de Sonic Youth y del auge de grupos como My Bloody Valentine o Ride, llega el momento de DLP!, de recoger toda esa herencia e invertirla en el mejor disco nacional de rock de lo que va de año, y firme candidato a grupo y álbum revelación del año. El tiempo me dará o no la razón, y los situará en el mapa nacional, pero lo que depende de ellos es incuestionablemente supremo.

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Reseña de: Hipersónica

Bon Iver - Bon Iver (2.011)

La vida da muchas vueltas, para lo bueno y para lo malo, pero el corazón sigue siempre ahí, en algún lugar entre la carne y los huesos, empapándose de todas las experiencias que vivimos. Quizás allí se esconda el alma de las personas, y por eso cuando duele, todo parece hundirse, por eso cuando está alegre, todo es luz brillante. Ahora mismo Justin Vernon parece ver la vida con esperanza, pero sin dejar de abrazar una melancolía vital que provoca cariño, complicidad, y no compasión. Porque “Bon Iver”, la continuación a “For Emma: Forever Ago” (08) suena melancólico, sentido, como aquellos tiempos pausados que Peter Gabriel firmaba a principios de los ochenta (qué ilusión poderle citar de nuevo como referencia de otro artista fantástico; escuchen “Beth/Rest” para hacerse una idea), pero transmite ganas de vivir. Si cada segundo de su increíble debut se convertía en un lamento poético, usualmente críptico, ahora Vernon marca más el tono y la luz del disco al jugar con los instrumentos, con una paleta que amplía con sutilidad su abanico musical, consciente de que la vida son millares de detalles y lo mejor que una canción puede hacer es recogerlos en unos pocos y epidérmicos minutos. Para conseguirlo le acompañan buenos amigos (sus compañeros Sean Carey, Mike Noyce y Matt McCaughan, pero también músicos que han trabajado con The National, Lucinda Williams, Arcade Fire, Andrew Bird o Sufjan Stevens) y aún así parece que solamente le tengamos a él frente a nosotros, cantando sus canciones, susurrándolas como nadie. La música de Justin Vernon tiene algo especial que no tiene la de ese cantautor, y la aquel otro, y la de aquel de más allá o la de buena parte de los que aparecen en nuestras páginas, y eso es algo que, en contra de lo que puedan imaginar, me hace sentir cómodo, muy cómodo escuchándole, feliz por escuchar algo que vale la pena escuchar. Quizás a ustedes tanta palabrería sobre un disco les traiga sin cuidado, pero yo tengo claro que si los poco más de dos minutos y medio de “Hinnom TX” me dejan tan aturtido, tan perdido, es por algo que vale la pena. Mucho la pena.

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Reseña de: Joan S. Luna (para Mondosonoro)

Dolores - Dolores EP (2.011)

Los conocíamos de oídas, de verlos en algún cartel de festival undergrond o de tu amigo más enterado de la actualidad. Se llaman Dolores, son de Madrid y han fichado por Origami Records, casa de Havalina, Edredón o Maika Makovski entre otros. Su indie oscuro e hipnótico está haciéndose sonar desde que colgasen “Cortafuegos y “Fiebre” en su Bandcamp. El Ep debut, está en la calle desde enero.

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Reseña de: Rated-muzik.com

Chernóbil - Nacer y otros problemas EP (2.011)

"Desde algunos de los rincones más introspectivos, alternativos y autoalimentados del submundo musical de la Bahía de Cádiz llega Chernóbil, con intención de tomar por asalto los blandos cerebros de la población e instaurar en ellos un nuevo régimen basado en el pensamiento propio y la observación de la realidad. Con A. en la vóz y guitarra, J.M. al bajo, coros y diseños, M. a la batería y F. a la voz y guitarra, Chernóbil viaja del pasado al futuro en sus letras, practicando el noble arte de la melancolia cuando es debido, labrando sobre un presente incierto y gris, con actitud crítica y sentimental mientras vaticinan revoluciones sociales por venir. Chernóbil es música para los que nacieron en los ochenta, disfrutaron los noventa y padecieron parte de los dos mil, deseando estar en los cincuenta." (Web oficial)

Descargar: Megaupload

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Woods - Sun & Shade (2.011)

Estamos con otro de esos grupos que sacaron un gran disco en 2010 y vuelven este año para publicar un nuevo trabajo. Woods deslumbró con At Echo Lake después de cuatro intentos más que notables. Los de Brooklyn supieron plasmar en su quinto álbum el pop psicodélico de baja fidelidad que tan bien sienta en estas fechas.

Pero justo un año han tardado en ofrecernos una secuela de esa colección de canciones y ya podemos disfrutar de Sun & Shade. Sin duda, estamos ante uno de los discos más veraniegos que nos podemos echar a la cara, brillante, cálido y fácil de escuchar. Estos calificativos no le hacen un disco menor, al contrario, es un pequeño oasis en estas tardes de calor sofocante.

Cuanto más se escucha Sun & Shade, mejor suenan esas guitarras rotas, ese garage que se te mete en el cuerpo y es difícil no esbozar una sonrisa cuando empieza a sonar Pushing Onlys o Who Do I Think I Am. Todavía no sabemos dónde está el límite de Woods, pero lo que sí sabemos es que todavía no conocemos un disco malo de estos neoyorquinos.

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Reseña de: Indiecaciones

Ladytron - Best of 00-10 (2.011)

Un recopilatorio de Ladytron era necesario. El grupo sobrevivió a la moda electropop de los tiempos en que abrieron el Razz, el Ocho y Medio y se emitía Viaje a los Sueños Polares perfeccionando su sonido (más en cuanto a técnica que cambiando de estilo), pasando de ser un grupo más de la escena que se mostraba obsesionada con Depeche Mode a encontrar su propio lugar, revelándose como favorito de todo aquel seguidor del synth-pop más oscuro. Sin que muchos medios se dieran cuenta, fueron construyendo una carrera llena de hits, con canciones tan antológicas y bailadas como ‘Playgirl’, ‘Seventeen’, ‘Discotraxx’ o ‘Destroy Everything You Touch’, que no en vano ha sido la escogida para abrir este primer ‘Best Of’, que no sigue orden cronológico.

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Reseña de: Jenesaispop

Queens of the Stone Age - Queens of the Stone Age (Reedición) (2.011)

Hay que reconocer que, pasado por el tamiz del tiempo, el estreno discográfico de QOTSA se disfruta bastante más que cuando la banda de Josh Homme lo dio a conocer en 1998. En ese momento, Homme se hallaba recomponiendo su carrera tras la reciente disolución de Kyuss, en una época en que el nu metal de Korn y Limp Bizkit triunfaba en las ondas y el stoner metálico por el que ellos se dieron a conocer daba ya sus últimos coletazos. En ese contexto, Josh Homme se lanzaba a la aventura con una nueva banda –acompañado de dos ex Kyuss- que le iba a llevar, esta vez sí, al reconocimiento mundial pocos años más tardes. Después de mucho tiempo de estar descatalogada, se recupera ahora la primera piedra del engranaje creativo de Homme. No fue su mejor disco –la mayoría de seguidores otorgarían ese galardón a su segunda obra, “Rated R” - ni el más exitoso –eso lo fue su tercero, “Songs From The Deaf”-. En realidad “QOTSA” es un paso previo, un puente entre el rock pesado y black sabbathiano de Kyuss y la propuesta igual de compacta pero más dúctil que iría trenzando con el tiempo. Tras estos trece años de paréntesis, la primigenia propuesta de Homme se digiere mejor y se deleita uno como nunca con las originales tomas de estudio de clásicos de la banda como “Regular John”, “I Was A Teenage Hand Model” o “You Can’t Quit Me Baby”. La reedición añade al repertorio tres caras B de la época.

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Reseña de: Robert Aniento (para Mondosonoro)

Estereotypo - Remixed (2.011)

Estereotypo se han abierto paso en el mundillo del rock mediante una oferta guitarrera, pero lo más bailable posible. Coherentes con su habilidad para hacer que los fans muevan el esqueleto, lanzan Remixed, un álbum con lo mejor de sus dos discos hasta la fecha, remezclado por algunos de los principales DJs y productores de la escena dance española, como David Kano (Cycle), Buffet Libre, Sidechains o el propio David van Bylen.

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Dos bandas y un destino - El concierto (2.011)

Un monumento a la Historia del Rock en erupción viva. Un concierto enorme rodado a 4 cámaras en una noche mágica que batió records de tickets en el Joy Eslava dentro de una gira histórica. La de esa colisión intergeneracional de Arizona Baby y Los Coronas explorando con sensibilidad pop las sendas de gloria de la Gran Música. La de ese imprevisto grupo ocasional, genuina sensación de temporada que ha conseguido más Sold-Out en su actual y limitada existencia.

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Vetusta Morla - Lo que te hace grande

John Coffey - Vanity (2.009)

Gilbertástico - Versalles (2.011)

Gilbertástico hacía inocentemente, día a día, las canciones de este disco, pero ni él mismo lo sabía. Ellas, de forma independiente, poco a poco fueron revelándose, cogiendo carácter, organizando convenciones jacobinas hasta que finalmente hicieron su propia Revolución Francesa. No le quedó más remedio que titular a ese compendio como Versalles, por la similitud de muchas composiciones a la música de finales del siglo XVIII.

El ex-Mercromina y Surfin’ Bichos Joaquín Pascual escuchó los ecos de la Revolución y alertó a Gilberto de que debían guillotinar y exponer esas canciones cuanto antes, impedir que se siguieran amotinando en vano, revolucionando a una sola mente. Así pues, llamaron a la Orquestina de la Sopa de Uñas, en la que militaban Miguel Gascón (Chucho) y Ana Galletero (Travolta). Estos, dirigidos por el mismísimo Pascual, apaciguaron la revuelta musical con mandolinas, violines y twin reverbs gigantes, quedando entre los restos de la batalla unas cenizas de pop esparcidas entre escombros del barroco, cuchillos manchados de notas célticas y polvo de folk. Doce temas que revuelven el armario de lo antiguo para crear un nuevo concepto de disco entre el pop barroco y la ópera folk.

Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (2.011)

Puede parecer un debut y suma puntos para convertirse en esto delante de un público menos reducido, pero este es el segundo trabajo de un neozelandés afincado en Londres. Primero titulado “Please Turn Me Into The Snat”, ahora contraataca en el mercado europeo con el mismo repertorio pero completado con versiones en directo de todas las canciones y alguna más, todo bajo el título de “Forever Dolphin Love”. “Megumi The Milkyway Above” es la puerta a un oasis de psicodelia-pop teñida de jazz y easy listening con pinceladas de exuberancia y con la misma travesura en el tono y voz que la última PJ Harvey. La canción que da título al disco dosifica todos los colores variopintos de su amplia paleta en la que incluso se asoma el blues que ya practicó cuando su ahora apellido artístico era la coletilla del grupo que formó hace siete años. Normal, son diez minutos en los que aparece el exotismo, el free jazz, un bajo corpulento propio del funk o del kraut rock y unas guitarras estivales, síntesis de un pop ensoñador que imprime en las canciones cierto tinte sepia de los setenta y evoca el estío. De hecho, nuestro hombrecito las compuso durante un verano que acampó al raso en la casa de sus padres. Pop visionario y galáctico, como de otra esfera, que conforma todo un universo onírico, de imaginario infantil, pintado de delfines y unicornios. Una colección que relee la escritura de otros grandes traviesos del pop como Syd Barrett, Brian Wilson, David Bowie (sobre todo por el tono agudo y aniñado de la voz) o Thom Yorke a quien tiene seducido y en el que evoca en “Faking Jazz Together”. Un marciano del pop como en estos tiempos lo son sus amigos Micachu & The Shapes o Ariel Pink y John Maus.

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Reseña de: Celestí Oliver (para Mondosonoro)

SebastiAn - Total (2.011)

He de reconocerlo, no me esperaba esto de este disco. De SebastiAn, por lo que había podido escuchar hasta el momento, esperaba sonido francés híbrido entre Daft Punk y Justice, pero nada más lejos de lo que ofrece Total. Al menos, eso era exactamente lo que presagiaba ‘Embody‘, aquel primer single, encargado de hacer de avanzadilla para el álbum, cargado de funky y toques retro que cautivaba incluso con su currado vídeo.

Pero lo que se puede encontrar dentro de Total es algo completamente diferente e inesperado. Este álbum, que como debut es toda una demostración de lo mucho que tiene SebastiAn que aportar, sorprende a cualquiera, lo siguiera o no, ya que su estilo nada tiene que ver con lo anticipado hasta el momento y si existe un protagonista en él es la distorsión, sin ningún lugar a dudas.

Si hace tiempo los Chemical Brothers, e incluso más recientemente, sus compatriotas Justice, ya se encargaron de acercar la electricidad de las guitarras al mundo de la electrónica, y pusieron a bailar a toda una generación de rockeros que se pudieron dejar los complejos en el guardarropas, a la entrada de la discoteca, esto que nos ofrece SebastiAn es la herencia de aquellos sonidos daftpunkémicos de principios de los 90. La frescura que aportaron el dúo de dúos a la escena bailable quizás se perdiera por el camino hasta llegar a nuestros días, y la herencia de aquellos Dig Your Own Hole, Exit Planet Dust o Homework ya no la podemos buscar en los trabajos más recientes de los franceses o los británicos. Hay que mirar hacia fuera.

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Reseña de: Hipersonica

Arctic Monkeys - Suck it and see (2.011)

Cuando una banda alcanza los niveles de notoriedad ostentados por Arctic Monkeys debe asumir con naturalidad la obligación de refrendar virtudes en cada nueva entrega, demostrando que merece (y mantiene) tal estatus. El cuarto disco de los de Sheffield no sólo supera sobradamente el reto, sino que confirma al cuarteto como la formación británica más talentosa de su generación. “Suck It And See” es un álbum de maneras tradicionales, en plena resolución de esa fórmula que conjuga contundencia y distinción en codiciado equilibrio. Cortes como “Brick By Brick”, “Library Pictures”, “Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair” o “All My Own Stunts” inciden y mejoran aquel rock áspero y musculoso protagonista en “Humbug” (09) -legado de un Josh Homme que ahora cede la totalidad de la producción a James Ford-, compartiendo espacio con pop oscurecido en base a muros de guitarras y deudor de grupos como Echo & The Bunnymen en "That's Where You're Wrong", “Love Is A Laserquest” o “Reckless Serendade”. La inteligente elegancia interpretativa del vocalista Alex Turner lidera un conjunto de canciones entonadas con más convicción, porte y resolución que nunca, aunando el clasicismo de David Bowie, Scott Walker o Ray Davies, con la agresividad de Nick Cave. Los británicos firman un disco atemporal en el que la euforia juvenil de sus inicios canaliza definitivamente hacia una enérgica consagración, sin perder aquella característica dosis de descaro que hace seis años les distinguió entre sus contemporáneos.

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Reseña de: Raúl Julián (para Mondosonoro)

O'funk'illo - Sesión Golfa (2.011)

Procedentes del planeta ‘Aseituna’, O´funk´illo, el demoledor crisol de funky andaluz embrutessío auspiciado por Javi Marssiano, Andreas Lutz y Pepe Bao, regresa a la más que embruteessía actualidad con la publicación de Sesión Golfa, cuarto CD de su carrera; 14 composiciones dan vida a esta peculiar ‘sesión golfa’: ‘Dame La Pasta’ (introducida por una enérgica intervención de Pepe Bao, uno de los mejores bajistas del Estado; el Paco de Lucía de su instrumento, como se le ha llamado), ‘Hasta Las Cejas’ (primer single elegido y toda una invitación a descubrir la banda, si alguien aún no ha tenido el gusto), ‘Revolución Urbana’, ‘Sin Exagerar’, ‘Pili Chicha’, ‘Sociedad Ilimitada’, ‘Nuevo Orden Mundial’ (tema en el que cantó Fortu, de Obús), ‘Llaman a La Puerta’, ‘Con Toas Mis Ganas’, ‘Shalao’, ‘Donde Estarás Tú’, ‘No Pare Ompare’, ‘Bulemetal (Sesión Golfa)’, espectacular mezcla de funk por metal y bulerías en la que tomaron parte, entre otros, Raimundo Amador y Manuel Molina, y ‘Acción Mutante’, cover del tema de Def Con Dos incluido en La Culpa De Todo La Tiene Def Con Dos, recopilatorio homenaje a dicho grupo.

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Reseña de: J. Oscar Beorlegui

Albertucho - Vengo a registrarte el corazón

Kaiser Chiefs - Little Shocks

Al Supersonic & The Teenagers - Not too young (2.010)

The Teenagers, como se les conoce en el circuito soul estatal, son música soul, son actitud visceral, auténtica y creíble en un mundo, el de los grupos más o menos actuales en los que la ‘pose’ es a menudo más importante que el criterio musical o la calidad.

Desde que se formaron hace años ya en un reformatorio de Granada, tuvieron claro de dónde venían sus influencias y hacia dónde se dirige su mirada, antes que nada, el SOUL negroamericano de los años 60 y 70. Su abanico musical y gustos musicales personales van mucho más lejos, se pasean por lo jamaicano o las raíces del soul y rhythm’n'blues y todo el desarrollo posterior de la música negra americana, pero los

TEENAGERS son SOUL en mayúsculas. Aman el Northern Soul: la música y su cultura.

Han acompañado a figuras legendarias del soul de los 60s como Tommy Hunt, Dean Parrish o PP Arnold. Sus canciones se benefician de años de pasión devorando la música que les gusta, estribillos y arreglos brillantes y mucha alma de la de verdad. Son elegantes y tienen a la vez esa actitud de la calle, de saber estar, de entender el lenguaje de la música negra. La arrolladora garganta de Alfredo, tan rugiente, matizada y fogosa, se crece con el suplemento

suntuoso de una formación donde el hammond con brillantina, la exquisita base rítmica de Javi Frías y Gustavo Fernández, y la honesta dupla de metales de Mac Manaman y Juan Almendros; juntos, multiplican la vitamina del discurso.

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Guadalupe Plata - Guadalupe Plata (2.011)

El esperado LP de Guadalupe Plata llega en 2011, en vinilo de la mano de Folc Records y de nuevo con título homónimo. En él se recogen las cinco canciones que ya aparecieran el año anterior en su disco compartido con Chin Yi, “Split” (IAJ, 2010) junto a otras ocho nuevas. Producto de tres sesiones distintas de grabación, el masterizado final se hizo en los Estudios Perrotti del inefable Jorge Explosión. Si el disco de 2008 de Guadalupe Plata era un blues crudo pero a la vez dejaba un fuerte regusto lisérgico, aquí ahondan más en la vena pantanosa y machacona sin abandonar un inconfundible ramalazo psychobilly.

Si pasamos directamente a las canciones no conocidas aún, encontramos el alucinado “Boogie de la Muerte” o la tenebrosa “Satánica”. Con todo este sonido oscuro y grumoso que les caracteriza, sobresale especialmente por su distinción “El tigre y la yedra”, casi sintonía de fantasmagórico carrusel, mientras que el cierre a cargo de “Habichuelas del Oeste” se envuelve con una melancolía poco habitual en el combo jiennense.

Guadalupe Plata no defraudan; incluso superan las expectativas mientras afianzan su propuesta, prácticamente única por estos lares. Fe ciega y fiebre profunda.

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Reseña de: Dris Allí (para Lafonoteca)

Dani Llamas - Minor Epic (2.011)

"Minor Epic" es el disco más distinto que ha hecho Dani Llamas (Jerez, 1980), ya no solamente de su banda madre GAS Drummers, sino de sus mismos antecedentes, "Speaking thru the others" (2009), concretamente.

Abandonando el marcado acento "americana" de ése, su debut, nos encontramos en esta segunda entrega con algo mucho más profundo, más europeo y denso. Un sonido y un sentido armónico más cercanos a los Beatles de la última época que a cualquier referente norteamericano, cubierto de un homogéneo velo oscuro y mate, arreglado con el detalle, el buen gusto y el esmero de siempre, pero radicalmente distinto; translúcido, emocional, cerrado y concreto, y con mucha más épica de lo que su título aparenta.

Ahora, Dani se sirve de una base instrumental sencilla, donde guitarras acústicas recaen sobre baterías y bajos sólidos, con tintes más eléctricos a veces, más reposados otras, y donde asoman pianos serenos, teclados con poso de soul y los ecos melancólicos del violoncello, todo bajo el amparo de la línea melódica que va dictando Dani con su voz.

En el apartado de las colaboraciones, caben destacar las voces de Ramón Rodriguez (The New Raemon) en "Little Bourgeois' Blues" y de Muni Camón en "Ecstasy".

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Reseña de: Eric Fuentes

Jorge Ilegal y los Magníficos - Nuevo Rumbo (2.011)

Los boleros, chachachás, joropos, tangos, baladas e incluso algunos primitivos twists, caminos musicales abandonados desde hace seis décadas, resucitan bajo este nuevo filtro y, una vez pasados por el tamiz electroacústico de Jorge Ilegal y Los Magníficos, suenan “retro” y a la vez curiosamente “ilegales”, porque los textos mantienen el toque canalla y el nervio que ha hecho característico el sonido ilegal.

Otra peculiaridad de Los Magníficos es su reconversión en quinteto, añadiendo saxofonista y metalófono al trío original. El atrezzo también ha cambiado, pues todos los instrumentos que utilizan son de época y los músicos se han hecho vestir por unos sastres que ya estaban en activo en los años 50, los cuales han recuperado antiguos patrones para que el grupo tenga el aspecto que hubieran tenido en aquel entonces.

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Sonny & The Sunsets - Hit after hit (2.011)

Si a día de hoy me preguntan a qué grupo o solista le viene como anillo al dedo eso de “hacer canciones como churros” y encima hacerlas todas buenas, ojo, lo tendría claro; diría sin dudarlo Sonny Smith. Auténtico mago del pop undeground, todo lo que hace el amigo Smith es, en su modestia, más grande que la vida (chequeen sino esa iniciativa que bajo el nombre de “100 Records” le llevó a grabar el pasado año cien canciones, singles firmados con nombres de grupos inventados y todos ellos con su respectivo artwork como si se tratase de un disco de siete pulgadas). Para su segundo álbum con The Sunsets (súpergrupo de héroes bis formado en esta ocasión por Kelley Stolz, Ryan Browne y Tahlia Harbour), el californiano ha puesto su mirada en el garage pop chicletero de los sesenta (“Teen Age Thugs”, “Heart Of Sadness”) y el frat rock más juguetón (“Girls Beware”, “I Wanna Do It”) ofreciendo así una nueva ración de canciones ganadoras que hace honor al título del disco. Y es que todas los cortes de este “Hit After Hit” son singles redondos como unos buenos panes de payés.

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Reseña de: Xavi Sánchez Pons (para Mondosonoro)