Eddie Vedder - Ukelele songs (2.011)

Eddie Vedder tiene una corta pero intensa carrera en solitario. Sus colaboraciones siempre se han caracterizado por la fuerza, por su originalidad y por la belleza de sus composiciones. A la cabeza nos vienen temas como “Face of Love” junto a Nusrat Fateh ali Khan, el tema “Man of the Hour” de la b.s.o Big Fish, “Long Road” junto a Neil Young en aquel sentido homenaje al 11-S o la banda sonora de “Into The Wild”, en la que Vedder ya mostraba un nuevo estilo que exploraría también junto a Pearl Jam en “Backspacer”. Sin embargo, a su nuevo andadura, “Ukulele Songs” le falta un algo; un punto de intensidad al que no consigue llegar.

La mayoría de las canciones son como pequeños secretos, que funcionan en la intimidad. Simplicidad en todos los niveles: poco más que un ukelele y guitarra. Y simplicidad también en el planteamiento vocal, con una línea mucho más uniforme y menos dada al lucimiento de su voz de barítono, salvo quizás “Broken Heart”. Destaca por su fuerza “Can’t Keep”, del disco de Pearl Jam, “Riot Act”. Hay también colaboraciones que no dejan indiferente como la de Cat Power en “Tonight You Belong To Me” o versiones, como “Sleepless Night” de Everly Brothers y “Dream a Little Dream of Me”. “You’re True” y “Satellite” se acercan más al estilo de “Into The Wild”, con más garra.

La idea de un disco entero grabado con ukelele puede horrorizar a algunos, pero se trata de un disco ameno, aunque con cierto aire etéreo. Canciones bonitas, sí, pero que no consiguen hacernos vibrar ni estremecer como Vedder nos tiene acostumbrado.

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Reseña de: Binaural

The Good Company - Dearland (2.011)

Uno de los debuts de ‘largo recorrido’ del indie estatal en 2009 fue “28”, el álbum conceptual que despachó el combo canario-catalán. Era éste un disco que apuntaba en varias direcciones, con un tono de sutil épica elegante, omnipresente en los arreglos vocales y musicales de Sergio Pueyo y Víctor Ordóñez. El disco y el directo de The Good Company fueron ganándose adeptos paso a paso, moviéndose a medio camino entre el circuito indie y dando destellos de una más que posible acomodación a divisiones superiores, sensación que creció con no pocas y entusiastas críticas de la prensa especializada.

Para presentar su nuevo sonido, la banda decide ampliar su formación fija a 5 componentes, con la inclusión de Gorka Molero (Ok Asno) ejerciendo de gurú de la electrónica y manejando iPads para controlar todo tipo de artefactos. También contarán en las presentaciones con Germán Arias (Artenara) al fliscorno, pieza clave de la progresión sonora de este Dearland, donde las secciones de viento cobran protagonismo en el imaginario del grupo. Las buenas compañías se completan con los imprescindibles Sergio Miró a la batería (The Birkins) y Marco Valero al bajo. Con la producción conjunta del propio Víctor Ordóñez y Luca Petricca (Hola A Todo El Mundo) y la masterización londinense a cargo de Tim Young (The Beatles, The Killers), “Dearland” suena a álbum grande, a alternativa en una gran plaza.

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Fuente: El Mundo de Tulsa

Supersubmarina - Retroalimentación EP (2.011)

El martes 24 de mayo de 2011, Supersubmarina continúa su permanente ritmo de trabajo y publica el EP Realimentación con cuatro canciones: Kevin McAlister, Puta vida, Emperatriz y El encuentro. Es la continuación de una trayectoria que comenzó en 2009 con la publicación de dos EP (Cientocero y Supersubmarina) y continuó en 2010 con el lanzamiento de su primer álbum (Electroviral), situando al cuarteto de Baeza (Jaén) como una de las bandas emergentes de mayor proyección de la música española.

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Vetusta Morla - Mapas (2.011)

'Mapas' ha sido compuesto y grabado después de una intensa gira que se ha desarrollado tanto en territorio nacional como en México y Argentina y, tras la cual, el grupo decidió encerrarse silenciosamente en la búsqueda de nuevos mecanismos creativos. Durante un año han estado produciendo la materia prima de la que han surgido las doce canciones que conforman el disco, realizando simulacros con nuevas texturas e instrumentaciones. El propio proceso de composición e investigación sónica ha desembocado en un método de grabación destinado a recrear en el estudio esos momentos de comunicación colectiva que se dan sobre los escenarios y que constituyen el núcleo de la música.

Por ello, han decidido grabar la mayor parte del disco tocando juntos, como si estuvieran en un concierto, yendo más allá en un camino que iniciaron con su debut y que les lleva a primar la emoción y la energía sobre la perfección técnica; a preferir la naturalidad y lo orgánico antes que la pulcritud quirúrgica; el barro antes que el desinfectante. Así, se escuchan las vibraciones en tiempo real, grabadas primero en soporte analógico, para después aprovechar las ventajas de la edición digital.

'Mapas' constituye una bajada a la tierra, a la realidad y al presente. Mientras el primer álbum de Vetusta Morla se asentaba en movimientos e hipótesis, en la contemplación del pasado o en soñar un futuro, en esta ocasión se habla de objetos, de consecuencias, de líneas temporales que se congelan para dibujar mapas de lo que somos, trazos de nuestras conquistas y fracasos, colecciones de medallas y arañazos. Mapas que nos ponen delante otro mapa sin leyenda con el que avanzar, construir, o, tan solo, entender el presente. Mapas en los que, de nuevo, se invita al que escucha a que diseñe su propio recorrido.

El grupo profundiza también en otro aspecto que ya estaba presente anteriormente: la autogestión y la independencia más allá de tópicos estilísticos. Para ello, continúan publicando en su propio sello, Pequeño Salto Mortal, persistiendo en un modelo que ha constituido una inspiradora anomalía en el sistema.

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Reseña de: Indie-Spain Magazine

Burrito Panza - Solo y mal acompañao (2.011)

Hay un grupo de tipos raros en Albacete. Entre unos cuantos amiguetes han dado lugar a media docena de formaciones musicales que han sido referencia obligada en el panorama independiente de la música española. Es casi imposible recordar quienes de ellos formaban parte de las diferentes bandas: Mercromina, Surfin’ Bichos, Chucho, Fernando Alfaro y los Alienistas, Travolta, Honky Tonky Sánchez… en todas esas bandas han ido coincidiendo intermitentemente el propio Alfaro, Joaquín Pascual, Cuevas, Mora … El último en unirse a este clan ha sido Carlos Flan, que ha formado junto a Jose Manuel Mora, Carlos Cuevas e Isabel León la banda Burrito Panza, sin olvidar las vitales colaboraciones de Eduardo Ferre y Luis Jaén.

A pesar de que Flan compone en el garaje donde trabaja, Burrito Panza lanza un disco luminoso y oscuro pero refrescante como una jarra de cerveza, repleto de canciones sencillas y armoniosas, con letras directas y una producción medida hasta casi la enfermedad. Para muestra, su single “Tu lado salvaje”.

La experiencia de los músicos evita que las composiciones se pierdan en rarezas tediosas, y saben dar el brillo que necesitan en el momento preciso. Doce buenas canciones, sin retorcimientos ni relleno, una rareza dentro de los raros. Una gran jarra de cerveza.

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Reseña de: Raúl Cimas

Tachenko - Apúntame a mi primero EP (2.011)

¿Te ríes? Ellos, sí: “Os reís porque sois jóvenes” (2010), el último largo de Tachenko, mostraba a los de Zaragoza tan lozanos y llenos de ideas como siempre. Quedaron contentos y repiten fórmula con este “Apúntame a mí primero”, tres nuevas canciones presentadas en un CD digipack y en vinilo de 7” en edición limitada y numerada de cuatrocientas unidades.

Tachenko, no es novedad, aman el pop clásico de línea clara y relleno imaginativo. Con melodías oxigenadas y buenas letras. Así que “Yo no quiero sonar moderno” se puede tomar como toda una declaración de principios... o no. “Armas tomad” y “El alud” –esta última con arreglos de cuerdas y trompeta– preceden a un “Meditarráneo” (Joan Manuel Serrat) que es homenaje a uno de los mejores temas jamás compuestos por un artista de aquí y, también, un canto a la vida y a las ganas de vivir.

Para completar este banquete pop, la portada le guiña un ojo al gran Roy Lichtenstein y el colectivo Letsgoproject ha realizado un vídeo para cada canción.

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Reseña de: Rockdelux

Extremoduro - Material Defectuoso (2.011)

Con La Ley Innata lo demostraron. Que si tantos años después de Yo, Minoría Absoluta, que si ya están mayores, que Robe ya no es lo que era… Pues nada, toma obra maestra. Y dos años después vuelven a dar en toda la boca. Sé que a muchos les sonará flojo, de hecho ya he visto por ahí cosas como Extremoblando. Puede que sea un disco más lento, pero no por ello será peor. Los más puristas deberán cambiar la oreja para poder asimilarlo mejor, mientras los más abiertos de oído disfrutarán y se deleitarán. O no. Y mientras, en algún telediario ya han anunciado el disco, eso sí, con imágenes pretéritas. Porque esta vez Extremoduro no quieren entrevistas, ni presentaciones. Ni fotos, ni vídeos. Por no querer, no quieren ni gira. Así lo han dicho y habrá que respetarlo, aunque no nos guste.

En definitiva en lo musical: tal como dicen en la página oficial, es un disco para degustar despacito. Que Cantera y Miguel Colino están formidables; que la mano de Uoho es mágica; que Robe es imperecedero. Que en la casa de Iñaki hacen maravillas. Que las colaboraciones de Gino Pavone, Javier Mora, Mikel Piris y el cuarteto de cuerda de Ara Malikian son más que acertadas. Que vuelven a cantarle al mundo del amor y esas cosillas, y que vuelven a gustar a pijos y no tan pijos. Que le han cogido el gusto a la canción larga, pero no parece ser un problema. No es material defectuoso, es del bueno, del que se vuelve valioso con el tiempo. Se disfruta en los oídos y en las manos con cada foto que Iñaki y Robe han puesto en el libreto para acompañar las letras de las canciones. Es un disco que me hizo feliz la primera vez que lo escuché, y estoy seguro de que no será la última vez que lo hará. Quizás no sea tan mágico como La Ley Innata, pero solo lo sabremos con el tiempo. Lo que no debemos hacer es caer en la fácil de decir “bah, es que se han vendido, ya no son lo que eran“. Claro que no lo son. La magia está en reinventarse y seguir siendo geniales. Y Extremoduro, a día de hoy lo siguen siendo.

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Reseña de: Tanaka Music

Nordkapp - Gran Tiempo EP (2.011)

Nordkapp son cuatro: dos guitarras, un bajo, una batería. Se conocieron en otoño de 2008, y desde entonces quedan para ensayar una o dos veces a la semana. Su música está influenciada por grupos como Mogwai y Explosions in the sky, y se ha dicho de ellos que son uno de los referentes del post-rock a nivel nacional. Su primera maqueta, Temporada de caza, les permitió darse a conocer. Presentaron el disco en diversos locales de Barcelona, entre ellos, la sala Apolo, y formaron parte del cartel del Málaga Wild Weekend. Asimismo, quedaron finalistas de diversos concursos de bandas emergentes como el Proyecto Demo y el Levi's Unfamous Awards. Gran tiempo, su nueva propuesta, define todavía mejor la esencia del grupo: guitarras que toman la voz cantante y guían al oyente desde la calma más absoluta hasta un clímax de distorsión y sonidos envolventes, que le arropan hasta desvanecerse.

Descargar: Blog Error! Lo-Fi
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Reseña de: Señor Pollo MP3

Sôber - Superbia (2.011)

Los Sôber de Superbia no son los mismos de antes de la separación. Falta Alberto Madrid, batería al que siempre hay que tenerle presente, porque además de buen músico era muy buena persona, y su sustituto Manu Reyes hay que decir que es un crack. Ni tampoco el momento es el mismo.

Vuelven Sôber en mejor estado que cuando publicaron Reddo (Muxxic, 2004) lo cual no es decir mucho pero lo hacen con un disco que suena como un cañón; no está con ellos el malogrado BigSimon pero sí Alberto Seara y los estudios Cube, que ha sido el en los últimos años el banco de operaciones de los Escobedo-Bernardini.

Hay quien va a decir al escuchar Superbia que no hay nada nuevo, que los temas son calcados a los de antaño, que no hay novedades claras en el grupo. Ahora bien, ¿quién quiere novedades? ¿Acaso alguien lo esperaba si tan bien les fue antaño? Este sexto disco de estudio es una vuelta a los inicios, al logo primigenio de Sôber, han retirado todo lo superfluo en lo que concierne a los arreglos, consiguiendo para mí que en conjunto de la impresión de ser un álbum directo.

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Reseña de: Hipersónica

Abraham Boba - Los días desierto (2.011)

Ningún aficionado medio desconoce que el gallego David Cobas, verdadero nombre de Abraham Boba, es uno de los mejores teclistas del panorama europeo. Si no que se lo pregunten a músicos de más “renombre” como Nacho Vegas o Julio De La Rosa (El Hombre Burbuja) que lo usan tanto en sus formaciones de directo como en las grabaciones de estudio. Bastantes menos saben que es un gran compositor y un cantante con una voz con la profundidad, por ejemplo, de Stuart Staples de Tindersticks.

Tercer disco para Limbo Starr tras, “Abraham Boba” (07) y “La Mala Educación” (09), que a pesar de sus excelentes y merecidas críticas, pasaron bastante desapercibidos. Ahora regresa con “Los Días Desierto”, su mejor disco y también su disco más pop y asequible. Como siempre en limbostarr.com con una excelente presentación en un coqueto triple digipack con sus guapas letras impresas en él. No falta tampoco la edición en vinilo de lujo que lleva el compacto de regalo. También, y como él presta ayudas a muchos grandes músicos de nuestro panorama, con importantes ayudas entre las que destacan los coros de Ana Galletero (Surfin Bichos) y Raúl Pastor (Rauelsson), las percusiones de César Verdú o la flauta de Charlie Bautista (Christina Rosenvinge).

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Reseña de: paisajeseléctricos

The Basics - Dirty30 (2.011)

Catpeople - Love Battle (2.011)

Un trabajo que llega con un claro cambio en su sonido. Frente a las guitarras afiladas y la oscuridad que planeaba por sus entregas anteriores, Catpeople deciden reinventarse y muestran su cara más luminosa y melódica, eso sí, manteniendo su esencia. Este cambio se percibe desde el corte inicial “Sorry” –elegido como single-. Un corte pop con desarrollos electrónicos sutiles y coros redentores que muestra la gran personalidad de la banda y la confianza que tienen en el proyecto.

Abandonan en cierto modo las influencias evidentes de terceros y se enfrascan en defender una propuesta más íntima, rica en matices y personal; dejando a un lado los hits y centrándose en las canciones. Ese lado pop, melódico y electrónico se muestra en cortes como “Rana” –brillantes los juegos vocales-, “Fat rat” y “Safari”.

También se dejan llevar por su lado sinfónico -“Love battle”- y su lado más íntimo -“Secret life (A japanese story)” y “Fishes with big mouth”-. Una muestra clara de la madurez alcanzada por el grupo en este trabajo.

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Reseña de: Lafonoteca

Lasers - Lasers EP (2.011)

La música de Lasers es el sonido interestelar adaptado a canciones de corte electrónico y ruido espacial moldeado en forma de loops que se acercan a un pop marciano y cósmico, creado a partir de sintetizadores, máquinas y un cuerpo orgánico de bajo y batería. Lasers grabaron su primera demo a finales de 2009, y en apenas seis meses se proclamaron finalistas de varios concursos a nivel nacional, ganadores de los Levi's Awards 2010 y tocaron, entre otros festivales, en el Primavera Sound 2010. Ese mismo año graban su primer EP junto a Marco Morgione (técnico de El Guincho y Delorean) y, ahora, lo publican en vinilo de 12”.

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Reseña de: Indie-spain Magazine

Bedroom - El fum blanc (2.011)

Sin duda es lo mejor que ha escrito Albert Aromir hasta ahora, consiguiendo una poderosa narrativa como de rondalla que te atrapa con un imaginario de gran fuerza visual. En este segundo trabajo hay giros diminutos pero muy notables. Primero, que es su primer cancionero completo en catalán y en el que, sin subir apenas el tono, la voz alcanza más cuerpo, arropada por otras voces, en ocasiones fantasmagóricas y de embrujo, sobre todo en “Cançó de l’Alba”, e incluso de inocencia corrompida en “Els Nens Soldat”. Segundo, que las canciones se abren a una gran profundidad y calan muy hondo con un poso imaginario que confunde realidad y surrealismo y que remite a un mundo no tan lejano de leyenda. Su onirismo, hasta ahora de dormitorio, ha saltado la valla, se ha escapado campo a través y se ha adentrado en vivientes bosques encantados, asomándose por acantilados, montañas y mares, y extendiéndose por tierras legendarias habitadas por infinidad de criaturas como caballeros, campesinos, brujas o demonios acompañados de jabalís, bellotas, abetos con pies de lobo, zanahorias gigantes, hogueras, faros o volcanes nevados. Vamos, como una Garrotxa –de dónde es- pero de ensueño. Diez canciones que son como diez fábulas envolventes que narran gestas atávicas, que remiten incluso a rituales de origen medieval como en “Ball de la Mort o “Dona de Foc”. Surrealismo y leyendas como de trovador que solo un ilustrador como él tiene la capacidad imaginativa de transcribir sus dibujos en canciones y hacerlo con la misma fuerza.

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Reseña de: Celestí Oliver (para Mondosonoro)

The Kills - Blood Pressures (2.011)

Para su cuarto álbum de estu­dio, Jamie Hince y Ali­son Moss­hart dejan que la música hable por sí mis­mos y una vez más, lleno de un sonido aplas­tante, con tam­bo­res, gui­ta­rras y emo­cio­nan­tes capas de tex­tu­ras. Sucio, rui­doso e inti­mi­dante sexy, Blood Pres­su­res es el resul­tado de un año que pro­vo­caba el mejor momento de la banda.

Mien­tras la tem­po­rada de Ali­son Moss­hart como voca­lista de The Dead Weat­her infunde una mayor con­fianza y arro­gan­cia en sus letras pro­vo­ca­do­ras, Jamie Hince por su parte, aca­para la aten­ción de los tabloi­des a tra­vés de su novia Kate Moss. Por mucho, el dúo ha pro­gre­sado desde su pri­mer álbum, esa diná­mica se man­tiene en el cora­zón, The Kills ha ampliado con­si­de­ra­ble­mente sus hori­zon­tes con este nuevo álbum.

¿Cómo dos per­so­nas pue­den crear un sonido tan grande?, The Kills es ahora un sonido crudo y vis­ce­ral, que te manda a bus­car sinó­ni­mos en el dic­cio­na­rio para poder des­cri­bir su fuerza de esco­peta a que­ma­rropa, un sonido que no es facil de confundir.

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Reseña de: Indielogia

Manel - 10 milles per veure una bona armadura (2.011)

Quienes no vivan en Catalunya dificilmente serán conscientes del estatus alcanzado por el cuarteto barcelonés Manel aquí gracias a su debut, “Els millors professors europeus” (08), sin duda el más brillante disco cantado en catalán publicado en años. Su folk pop amable, su imagen y su dicción de buenos chicos, sus canciones empapadas de costumbrismo y sobre todo su forma de combinar la herencia anglosajona con la tradición catalana supusieron un hito deslumbrante, erigiéndoles de cero a cien en la cabeza visible de una generación de artistas que acogían de nuevo su idioma materno sin vocación política, sino emocional. El tiempo ha pasado y, aunque otros hayan intentado recoger su testigo sin una décima parte de su valía, el trono continúa siendo suyo. El autoproducido “10 milles per veure una bona armadura” (“diez millas para ver una buena armadura”, cita shakespearana vía Kenneth Branagh en “Mucho ruido y pocas nueces”) aporta novedades diversas al tiempo que se mantiene fiel a lo que pensábamos que eran Manel y manteniendo esos fantásticos textos que tanto optimismo contagiaban en “Els millors professors europeus”. A lo largo de cuarenta y cinco minutos y diez cortes, Guillem Gisbert, Roger Padilla, Martí Maymó y Arnau Vallvé (con la ayuda de once vientos, diversos instrumentistas invitados, el coro Arsinova y las vocalistas Clara Molins y Gisela Follà) nos descubren nuevamente todo el talento que atesoran, y nosotros más contentos que unas pascuas. Y es que pocos peros se le pueden poner a un disco capaz de alcanzar cotas de fantasía como las de la impresionante “Aniversari”, que nos remite al Sufjan Stevens más orquestal como si de un cuento de hadas se tratase, despedirse de los excitados oyentes con “Deixa-la, Toni, deixa-la”, una pieza –firmada por Padilla- que abre fuego con las formas de una habanera para despedirse con todo el ritmo de una brass band de New Orleans, o dejarnos por el camino piezas tan preciosas y arrebatadoras como “Boomerang” o “Benvolgut”. Manel lo han vuelto a conseguir. Y ojalá el cantar en su lengua no les cierre unas puertas que deberían abrírseles de par en par si lo único que importase en este mundo fuesen las buenas canciones.

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Reseña de: Joan S. Luna (para Mondosonoro)

Russian Red - Fuerteventura (2.011)

"Fuerteventura", es el esperado segundo álbum de Russian Red, lo nuevo de una artista que con su primer disco (I Love Your Glasses, 2008) causó un tremendo impacto en la escena musical alternativa española y vendió más de 40.000 copias de sell out. Producido, grabado y mezclado por Tony Doogan en Glasgow, interpretado por músicos de Belle & Sebastian, y masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound de Nueva York, "Fuerteventura" abre una nueva y sorprendente ventana a la música de Russian Red. Contiene 11 canciones que reflejan personales y excitantes mundos anímicos. De la melancolía a la efervescencia, de lo luminoso a lo enigmático. El disco confirma la altura como compositora de Russian Red, su inspiración, su desparpajo y valentía para no darle la espalda al riesgo y consolidarse como la intérprete de su propia obra.

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Reseña de: Señor Pollo MP3

Josele Santiago - Lecciones de vértigo (2.011)

Cuenta Josele Santiago que cada nuevo disco conlleva bregar con la incertidumbre sobre cómo será recibido. Un escalofrío en la espalda que lo atraviesa desde los tiempos de Los Enemigos, cuando sus canciones iban con un armazón eléctrico, algo que como solista cambió por los silencios y las estructuras en las que cada elemento respira. En su nuevo trabajo parece que coge de las solapas esos miedos. Lleva por título “Lecciones de vértigo” y lo ha grabado con sus músicos habituales, Javier Krahe, Luca Frasca, Héctor Rojo y Coke Santos. Su sonido parece que es más crudo y áspero que el de “Loco encontrao” (2008), y el productor ha sido otro nombre frecuente del universo Josele, Pablo Novoa, escudero durante muchos años en sus giras acústicas y ex miembro de Golpes Bajos.

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Reseña de: Myusic Blog

La Habitación Roja - Para ti Vol. 2 (2.011)

El pasado 2 de mayo salió a la venta Para ti Vol.II, segundo disco de versiones de LHR. En este disco, los valencianos repasan a través de versiones los grupos de los años 80 y 90 que más han influido en la formación.

Tras la edición de Para ti Vol I, editada en 2004, llega la segunda entrega. Entre las versiones que incorpora el volumen dos encontramos temas de Los Burros, Glamour, Gabinete Caligari , Golpes Bajos o la versión que han hecho de Quiromántico de Sr. Chinarro. También han incluido temas de bandas como La Mode o Paraíso ya incluidos en el anterior trabajo.

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Fuente: Elgalloverde.es

Anna Calvi - Anna Calvi (2.011)

¿Es Anna Calvi la mujer que va a alborotar el tupido patio de la independencia con su disco de debut? ¿Es tan buena como parece? ¿Nos tenemos que creer todo lo cuentan de ella? ¿Se pasó Brian Eno cuando dijo que era lo mejor que había sucedido desde Patti Smith? Todas esas incógnitas se ciernen sobre su persona, y es cierto que en su caso es difícil arrimarse a un lado u otro de la balanza. Mimbres los tiene, personalidad parece que también, aunque a primera vista tiene un problema que puede tener solución: su indefinición. Anna Calvi muestra sus cartas y sus múltiples facetas en este disco, es tan tenebrosa como ese Nick Cave al que dejó prendado, le gusta experimentar hasta limites insospechados, fusionar estilos -el flamenco es una de sus obsesiones declaradas, sólo hace falta oír los punteos de guitarra en el primer corte del álbum-, y se fija en mujeres que le pueden aportar, léase PJ Harvey -“Desire” demuestra que hay ese parecido-, Laurie Anderson, la enigmática Beth Gibbons, o aquella primeriza Chan Marshall. Ahora falta verla sobre un escenario, el lugar en el que los músicos realmente tienen que demostrar si valen para esto no. De momento, ya se ha ganado nuestro interés, que es mucho.

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Reseña de: Toni Castarnado (para Mondosonoro)

The Wave Pictures - Beer in the breakers (2.011)

Vuelven The Wave Pictures con 'Beer In The Breakers', un nuevo álbum de una de esas bandas que no se cansa de sacar discos año tras año. Y es que la banda tiene que aprovechar este momento dulce que esta viviendo, en el que pese a optar por una actitud continuista en sus sonidos, álbum tras álbum, consigue atrapar a todos y a cada uno de sus seguidores.

Producido por Darren Hayman, el disco según declaraciones del cantante, David Tattersall, intenta transmitir el buen ambiente del que disfruta actualmente la banda, destacando por encima de todo las buenas sensaciones que tienen en sus giras y directos. Y para ello cuenta con la fórmula que les ha dado tantas alegrías a la banda, con canciones sencillas y agradables de escuchar, y manteniendo un gran nivel en todos los temas del álbum. En un disco que cuesta destacar una canción por encima de las demás pero que sabemos que tiene 'Little Surprise' como principal single de adelanto.

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Reseña de: Indiespensables

Fleet Foxes - Helplessness Blues (2.011)

El primer largo de Fleet Foxes, forjado al amparo de otros que estuvieron antes que ellos como My Morning Jacket, Band Of Horses o incluso Annuals, despertó pasiones y unas críticas exacerbadas gracias a canciones con una clarividencia melódica aplastante como: “Your Protector”, “He doesn’t You Know Why” o el epatante crescendo de “White Winter Hymnal”. Uno de esos temas que se acaba convirtiendo en bandera de tu cancionero y que te acompaña de por vida. Pero también es verdad que en otras canciones como: “Heard Them Stirring”, “Drops In River” o “English House”, las dos últimas de su Ep “Sun Giant”, era ese sonido pastoral, inflamado y barroco con arreglos y coros celestiales, el que se acababa imponiendo por encima de la importancia de una buena melodía. Pues bien es precisamente este segundo planteamiento, el camino que han elegido Fleet Foxes para su segundo disco. Lo malo es que no estoy seguro, aunque lo intuyo, si al final lo han escogido forzados por la dificultad de lograr esa tonada que haga saltar la banca de las melodías pegadizas, o ha sido por elección propia. Por eso este “Helplessness Blues” no entra ni de largo con la misma facilidad que el primero, y por eso nos encontramos ante un disco mucho más etéreo y elaborado. Un álbum que debe dejarse rodar y que te va atrapando poco a poco gracias a la magia que desprenden las atmósferas que generan las guitarras acústicas y esas voces angelicales de tonalidad dulce y aguda. Canciones como “Bedouine Dress” pueden incluso recordarte a los Yes en su cara más folk, etérea y acústica. “Battery Kinzie” se desarrolla a través del golpeteo del tambor como si fuera una marcha militar previa al fragor de la batalla. “The Plains / Bitter Dancer” tiene un crescendo místico y vaporoso que recuerda a los mejores CS&N. Y la paleta de referencias se podría ampliar a los Death Cab For Cutie más atmosféricos (“Lorelai”). Quizás la mayor pega del disco es que la tonalidad es apocada en exceso, y que el tempo rematadamente lento se rompe en contadas ocasiones. Un ritmo comatoso y en cierta medida algo rasposo, pues son los coros quienes se encargan de suavizar una instrumentación en ocasiones mínima (“Blue Spotted Tail”). En definitiva un disco de difícil digestión que no provocará ni las pasiones ni tampoco las adhesiones del primero, pero que mantendrá al grupo en esa primera división del indie-folk americano al que se les aupó de forma algo prematura.

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Reseña de: Don Disturbios (para Mondosonoro)

The Cave Singers - No witch (2.011)

Uno de los primeros discos interesantes que he escuchado en este año 2011 es No Witch, el tercer trabajo de estudio de The Cave Singers, un trío formado en el año 2007 tras la disolución de Pretty Girls Make Graves por su componente Derek Fudesco (guitarra y percusión), quien se unió a Pete Quirk (ex-Hint Hint - voces, guitarras y armónicas) y Marty Lund (ex-Cobra High - batería y guitarra). Sus dos primeros discos fueron editados por el sello Matador: Invitation Songs (2007) y Welcome Joy (2009), donde dejan reflejado de forma descarada su pasion por el folk, el rock y el blues.

No Witch es un viaje por la América profunda en el que han sabido mezclar muchos de los sonidos de su país, como country, folk o coros gospel. Doce canciones producidas por Randall Dunn, el mismo productor de Black Mountain, y eso se nota en el sonido a motorista gamberro todo en cuero, sucio y quemando gasolina por el asfalto de carreteras secundarias.

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Reseña de: Crazyminds

Hola A Todo El Mundo - Estela Castiza (2.011)

Aunque haga una eternidad desde las primeras noticias en torno a Hola A Todo El Mundo y sus primeras composiciones, debemos agradecer que se tomen cada uno de sus movimientos con tanta parsimonia. Tardamos en tener su primer álbum entre manos y, ahora que nos presentan nuevo material, apenas emplatan un aperitivo de lo que nos llegará en un futuro próximo (cinco canciones, más tres pasajes instrumentales, no es demasiado, la verdad). Desconozco si meditan cada paso o sus decisiones dependen de sus emociones en cada momento, pero sí sé que estas cimientan unas letras que –esta vez en castellano- suman enteros a unas canciones ya de por sí interesantes. Plagadas de imágenes religiosas (“un día me tragaré al Dios muerto y dejaré lo que soy al descubierto”, cantan en la fantástica “León comunión”), las nuevas piezas de los madrileños mantienen ese espíritu exultante, hímnico y epifanístico que caracterizaba, por ejemplo, a ese gran tema que es “A Movement Between These Two”, al tiempo que nos remiten a la tradición estadounidense sin abandonar el pop y el rock, al sonido de la América del Norte más rural, a los cantos evangélicos de las pequeñas comunidades, a esa native american music que David Eugene Edwards lleva años recuperando (evidente sobre todo en “Maestra alegría”). Ahora bien, e insisto en ello, Hola A Todo El Mundo lo hacen alejados de la oscuridad, desde una perspectiva que respira optimismo y amor por la vida, y que, mira hacia adelante sin olvidarse de todo lo que ha caracterizado su sonido y su propuesta hasta el momento.

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Reseña de: Joan S. Luna (para Mondosonoro)

Antònia Font - Lamparetes (2.011)

La gente tenía ganas de Antònia Font. Después de llevar 5 años sin publicar nuevas canciones (Coser i Cantar fue un recopilatorio sinfónico) el quinteto mallorquín vuelve a deslumbrar con su ironía y su visión particular del pop.

Así lo pudimos comprobar en Clint Eastwood, single de adelanto de Lamparetes y el revuelo que se armó, llegando a ser trending topic en Twitter y removiendo los cimientos de la masa pop. Y es que Antònia Font ha publicado un disco, como ellos mismos dicen, más accesible, claro y directo, subiendo el listón y atrayendo a propios y extraños.

Melodías luminosas y alegres bajo la batuta de Joan Miquel Oliver y cantadas por Pau Debon, que reafirman la idea de que el pop no entiende de fronteras ni de idiomas. Y es que en Lamparetes nos encontramos 14 temas que dan una vuelta de tuerca al pop tradicional, inspirándose en los puntos positivos del progreso y con un optimismo muy necesario en los tiempos que vivimos.

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Reseña de: Indiecaciones